Teater Memiliki Makna Dalam Kehidupan

Teater Memiliki Makna Dalam Kehidupan sehari-hari. Dari sekian banyak karya seni yang ada, teater adalah salah satu objek untuk menyampaikan aspirasi dan imajinasi banyak orang. Beberapa orang juga melakukan teater jika memberikan sindiran untuk pemerintah. Awalnya teater adalah tempat / studio seni tempat mempersiapkan seni pertunjukan. Istilah tersebu kemudian berkembang menjadi, Bangunan menampilkan drama atau film; Studio dan organisasi sekelompok orang yang aktif di bidang seni pertunjukan drama. Drama bukan dari segi karakter cerita, tetapi dari teknik pelatihan dan kreativitas.

Dalam perkembangannya, seni teater seperti bentuk seni lainnya memiliki beberapa peran. Ekspresi Media: Salah satu kebutuhan manusia adalah menyalurkan naluri untuk berekspresi melalui gerakan dan ucapan yang bermakna. Dalam kehidupan manusia selalu ada hal-hal yang menyebabkan kekacauan psikologis. Salah satu cara untuk menangani proses ini adalah dengan mengungkapkannya melalui peniruan / manipulasi bentuk kehidupan dan masalah manusia itu sendiri. Jadi, seni teater lahir dari Komunikasi Media dan seringkali memunculkan gagasan dan pesan yang akan disampaikan dalam bahasa langsung. Ketidaksiapan intelektual, emosional, dan spiritual ketika menerima informasi membuat tidak semua manusia ingin memahami atau menerima pesan, terutama yang bertentangan dengan minat mereka.

Penulis teater yang sering menghabiskan waktuya  kami bisa mengungkapkan dan memanipulasi realitas cerita secara jujur, adil / tidak memihak, secara komprehensif, sehingga dapat menyentuh hati nurani dan akal sehat manusia. Dengan pertunjukan yang menyentuh nilai-nilai kemanusiaan, kami berharap masih ada sisi baik dari manusia yang dapat menerima permohonan / gagasan untuk kebaikan bersama. Bentuk media komunikasi teater ini seringkali lebih efektif daripada komunikasi langsung dengan informasi yang tidak terlalu rumit. Dengan mempertimbangkan semua aspek persiapan yang mapan, teater dapat bertindak sebagai media komunikasi yang baik, Pengembangan Potensi Media dan Kreativitas: Potensi yang dimiliki oleh manusia tidak sama, sehingga kehidupan manusia saling melengkapi.

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat
Sejarah

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat

americanplacetheatre

Teater Jalanan

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat – Teater jalanan adalah bentuk pertunjukan teater dan presentasi di ruang publik luar ruangan tanpa penonton yang membayar khusus. Ruang-ruang ini dapat berada di mana saja, termasuk pusat perbelanjaan, tempat parkir mobil, cadangan rekreasi, kampus perguruan tinggi atau universitas, dan sudut jalan. Mereka terutama terlihat di ruang luar ruangan di mana ada sejumlah besar orang. Para aktor yang melakukan teater jalanan berkisar dari busker hingga perusahaan atau kelompok teater terorganisir yang ingin bereksperimen dengan ruang pertunjukan, atau untuk mempromosikan karya utama mereka.

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat

americanplacetheatre – Itu adalah sumber memberikan informasi kepada orang-orang ketika tidak ada sumber penyediaan informasi seperti televisi, radio dll. Saat ini, street play digunakan untuk menyampaikan pesan kepada orang banyak yang menontonnya. Street play dianggap sebagai bentuk akting paling mentah, karena seseorang tidak memiliki mikrofon atau speaker keras. Baru-baru ini, konsep Shared space telah dimajukan untuk meningkatkan pengalaman pejalan kaki di ruang publik yang digunakan bersama oleh mobil dan kendaraan lainnya.

Baca Juga : Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video

Ruang publik juga telah menjadi sesuatu dari batu sentuh untuk teori kritis dalam kaitannya dengan filsafat, (perkotaan) geografi, seni visual, studi budaya, studi sosial dan desain perkotaan. Istilah ‘ruang publik’ juga sering disalahartikan sebagai hal lain seperti ‘tempat berkumpul’, yang merupakan elemen dari konsep ruang sosial yang lebih besar. Ruang publik sering diasingkan sebagai ruang demokrasi jemaat dan partisipasi politik, di mana kelompok-kelompok dapat menyuarakan hak-hak mereka. Salah satu contoh awal ruang publik adalah umum. Misalnya, tidak ada biaya atau tiket berbayar yang diperlukan untuk masuk. Mal, terlepas dari persentase kepemilikan pribadi, adalah contoh ‘ruang publik’

Di Amerika Serikat hak rakyat untuk terlibat dalam pidato dan perakitan di tempat umum mungkin tidak secara tidak masuk akal dibatasi oleh pemerintah federal atau negara bagian. Pemerintah biasanya tidak dapat membatasi pidato seseorang di luar apa yang masuk akal di ruang publik, yang dianggap sebagai forum publik (yaitu, menjerit epitel pada orang yang lewat dapat dihentikan; mengusut agama seseorang mungkin tidak bisa). Secara pribadi—yaitu, non-publik—forum, pemerintah dapat mengontrol pidato seseorang ke tingkat yang jauh lebih besar; misalnya, memprotes keberatan seseorang terhadap reformasi medicare tidak akan ditoleransi di galeri Senat Amerika Serikat. Ini bukan berarti bahwa pemerintah dapat mengontrol apa yang dikatakan seseorang di rumah mereka sendiri atau kepada orang lain; hanya dapat mengontrol properti pemerintah dengan cara ini.

Konsep forum publik tidak terbatas pada ruang fisik atau properti publik, misalnya, surat kabar mungkin dianggap sebagai forum publik, tetapi melihat forum dalam arti hukum karena istilah ini memiliki arti khusus dalam hukum Amerika Serikat. Kadang-kadang penampil ditugaskan, terutama untuk festival jalanan, pertunjukan anak-anak atau parade, tetapi lebih sering pemain teater jalanan tidak dibayar atau mengumpulkan beberapa penghasilan melalui penurunan koin dalam topi oleh penonton.

Logistik melakukan teater jalanan membutuhkan kostum dan alat peraga sederhana, dan seringkali ada sedikit atau tidak ada amplifikasi suara, dengan aktor tergantung pada kemampuan vokal dan fisik alami mereka. Masalah dengan suara ini berarti bahwa teater fisik, termasuk tarian, mime, dan slapstick, adalah genre yang sangat populer dalam suasana luar ruangan. Pertunjukan harus sangat terlihat, keras dan mudah diikuti untuk menarik kerumunan.

Teater jalanan harus dibedakan dari pertunjukan teater luar ruangan lain yang lebih formal, seperti pertunjukan di taman atau taman, di mana ada ruang diskrit yang disisihkan (atau disalir) dan penonton yang ditilang. Dalam beberapa kasus, pemain teater jalanan harus mendapatkan lisensi atau izin khusus melalui pemerintah daerah atau negara bagian untuk tampil. Banyak penampil melakukan perjalanan internasional ke lokasi catatan tertentu.

Teater jalanan bisa dibilang merupakan bentuk teater tertua yang ada: sebagian besar media hiburan arus utama dapat ditelusuri kembali ke asal-usul dalam pertunjukan jalanan, termasuk drama gairah keagamaan dan banyak bentuk lainnya. Baru-baru ini pemain yang, seratus tahun yang lalu, akan membuat hidup mereka bekerja di berbagai teater, aula musik dan di vaudeville, sekarang sering tampil secara profesional di banyak area pertunjukan jalanan terkenal di seluruh dunia. Penampil terkenal yang memulai karir mereka sebagai penampil teater jalanan termasuk Robin Williams, David Bowie, Jewel dan Harry Anderson.

Teater jalanan memungkinkan orang-orang yang mungkin belum pernah ke, atau mampu pergi ke teater tradisional. Penonton terdiri dari siapa saja dan semua orang yang ingin menonton dan untuk sebagian besar pertunjukan adalah hiburan gratis.

Alasan Untuk Pekerjaan Pementasan di Jalan

Seniman pertunjukan dengan minat pada aktivisme sosial dapat memilih untuk menggelar pekerjaan mereka di jalan sebagai sarana untuk langsung menghadapi atau melibatkan publik. Misalnya, seniman multimedia Caeser Pink dan kelompok penampilnya yang dikenal sebagai The Imperial Orgy menggelar karya berjudul Our Daily Bread yang membawa pemain ke jalan-jalan di distrik keuangan New York untuk secara seremonmonal meletakkan roti Wonder Bread di sepanjang trotoar, masing-masing dengan iklan dari Setan yang menawarkan untuk membeli jiwa orang dengan imbalan kepemilikan material. Pertunjukan itu menyebabkan keributan ketika polisi dipanggil dan anjing pelacak bom dibawa untuk memeriksa roti untuk bahan peledak.

Seniman lain menganggap publik yang membayar dan akan teater tidak merepresentasikan publik kepada siapa mereka mencoba berkomunikasi, dan tampil untuk ‘pria di jalan’ dapat dianggap sebagai bentuk penyebaran yang lebih demokratis. Beberapa praktisi teater jalanan kontemporer telah secara luas mempelajari tradisi jalanan dan teater populer yang sudah ada sebelumnya, seperti Karnaval, commedia dell’arte dll.

Apa pun alasan untuk memilih jalan, jalan adalah tempat dengan serangkaian kemungkinan yang berbeda dari ruang teater konvensional. Sue Gill of Welfare State International berpendapat bahwa pertunjukan teater jalanan bukanlah bentuk yang lebih rendah daripada pertunjukan dalam ruangan, juga tidak hanya mengambil apa yang Anda lakukan di atas panggung dan menempatkannya di luar ruangan, tetapi bentuk dengan energi dan integritas tersendiri.

Banyak perusahaan bermotivasi politik dan menggunakan teater jalanan untuk menggabungkan pertunjukan dengan protes. Ini telah terjadi melalui teater gerilya San Francisco Mime Troupe, The Living Theatre, parade karnavalesque Bread and Puppet Theatre, dan karya Ashesh Malla dan Sarwanam Theatre Group of Nepal.

Teater jalanan berbasis karakter yang berkembang pada 1960-an dan 1970-an dikembangkan oleh kelompok-kelompok seperti Lumiere dan Son, John Bull Puncture Repair Kit, Exploded Eye dan Natural Theatre Company. Pertunjukan ini tidak diumumkan dan menampilkan karakter yang bertindak keluar skenario yang telah diatur sebelumnya, terlihat cantik atau surealis atau hanya melibatkan orang yang lewat dalam percakapan. Mereka tidak berusaha untuk mengelabui dengan cara Candid Camera, melainkan mengundang penonton untuk berpura-pura bersama mereka. Tidak ada jumlah perencanaan atau latihan yang bisa mendikte apa yang akan terjadi.

Baca Juga : Ampeg Salah Satu Produsen Besar Dunia Untuk Amplifier

Contoh lain adalah skenario Natural Theatre’s Pink Suitcase. Sejumlah orang berpakaian cerdas yang membawa koper berwarna merah muda cerah memasuki satu set jalan atau bangunan. Mereka mencari dan merindukan teman-teman mereka. Dalam pencarian mereka naik bus, memanggil taksi, berakhir di jendela toko, dll. Pada saat mereka bertemu di tempat yang telah diatur sebelumnya dengan bantuan orang yang lewat, persepsi tentang daerah itu telah berubah dan berbelanja telah berhenti setidaknya selama beberapa saat. Humor bersifat universal dan potongan ini telah terlihat di hampir tujuh puluh negara. Biasanya dilakukan oleh empat atau lima aktor, tetapi telah dilakukan dengan dua puluh lima.

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video
Artikel Sejarah

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video

americanplacetheatre

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video – Stagecraft adalah aspek teknis dari produksi teater, film, dan video. Ini termasuk membangun dan merobek pemandangan; menggantung dan memfokuskan pencahayaan; desain dan pengadaan kostum; make-up; manajemen tahap; teknik audio; dan pengadaan alat peraga. Stagecraft berbeda dari istilah skenografi payung yang lebih luas. Dianggap sebagai bidang teknis daripada artistik, ini terutama implementasi praktis dari visi artistik desainer yang indah.

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video

americanplacetheatre – Dalam bentuk yang paling mendasar, stagecraft dapat dieksekusi oleh satu orang (seringkali manajer panggung dari produksi yang lebih kecil) yang mengatur semua pemandangan, kostum, pencahayaan, dan suara, dan mengatur pemeran. Teater regional dan teater komunitas yang lebih besar umumnya akan memiliki direktur teknis dan pelengkap desainer, yang masing-masing memiliki tangan langsung dalam desain masing-masing.

Baca Juga : Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

Dalam produksi yang jauh lebih besar, misalnya pertunjukan Broadway modern, secara efektif membawa pertunjukan ke malam pembukaan membutuhkan karya tukang kayu terampil, pelukis, tukang listrik, stagehands, stitcher, wigmakers, dan semacamnya. Stagecraft modern sangat teknis dan khusus: terdiri dari banyak sub-disiplin ilmu dan banyak sejarah dan tradisi.

Sejarah

Yunani adalah praktisi stagecraft yang tercatat paling awal. “Skene” adalah bahasa Yunani, diterjemahkan secara kasar ke dalam “adegan” atau “pemandangan”, dan mengacu pada rumah indah besar, sekitar satu lantai tinggi, dengan tiga pintu. Di sisi penonton Skene, apa yang sekarang dikenal sebagai “flat” bisa digantung. Flat dikembangkan ke flat bercat dua sisi yang akan dipasang, dipusatkan, pada pin berputar, dengan tali berjalan di sekitar setiap pin berturut-turut, sehingga flat dapat diputar untuk perubahan adegan. Flat dua sisi akhirnya berevolusi menjadi periaktos (pl. periaktoi).

Selain flat, orang Yunani juga menggunakan mesin seperti ekkyklema, pada dasarnya platform di atas roda, dan deus ex machina, lift engkol tangan yang akan digunakan untuk mengangkat karakter / pemandangan di atas skene. Lebih dari 20 penemuan indah tersebut dapat ditelusuri kembali ke yunani. Tidak ada cahaya kecuali matahari yang digunakan; bermain dimulai saat matahari terbit dan berlanjut sampai matahari terbenam.

Drama abad pertengahan diadakan di berbagai tempat seperti jalan-jalan kota dan kota, dilakukan dengan bepergian, rombongan sekuler. Beberapa juga diadakan di biara-biara, yang dilakukan oleh kelompok-kelompok yang dikendalikan gereja, sering menggambarkan adegan keagamaan. Tempat bermain dapat mewakili banyak hal yang berbeda seperti di dalam ruangan atau di luar ruangan (plain-an-gwarry (teater)). Mereka dimainkan di tempat-tempat tertentu sehingga alat peraga dapat digunakan untuk bermain. Lagu dan tontonan sering digunakan dalam drama untuk meningkatkan partisipasi.

Stagecraft yang lebih modern dikembangkan di Inggris antara 1576 dan 1642. Ada tiga jenis teater di London – publik, swasta dan pengadilan. Ukuran dan bentuknya bervariasi tetapi banyak yang disarankan untuk menjadi teater bundar. Rumah bermain umum seperti Globe Theatre menggunakan rigging yang berjarak di sebuah ruangan di atap untuk menurunkan dan meningkatkan pemandangan atau aktor, dan menggunakan panggung yang dinaikkan dengan mengembangkan praktik menggunakan pintu perangkap dalam produksi teater.

Sebagian besar teater memiliki desain melingkar, dengan area terbuka di atas lubang untuk memungkinkan sinar matahari masuk dan menyalakan panggung. Itu adalah penerimaan sepeser pun untuk berdiri di lubang. Harga meningkat untuk tempat duduk. Permainan pengadilan digunakan untuk liburan dan acara-acara khusus.

Tahapan proscenium, atau panggung kotak gambar, dibangun di Prancis sekitar waktu Restorasi Bahasa Inggris, dan mempertahankan tempat bentuk panggung paling populer yang digunakan hingga saat ini, dan awalnya menggabungkan elemen skene dalam desain, pada dasarnya membangun skene di atas panggung. Pencahayaan periode akan terdiri dari lilin, digunakan sebagai lampu kaki, dan tergantung dari lampu gantung di atas panggung.

Stagecraft selama era Victoria di Inggris berkembang pesat dengan munculnya West End. Didorong oleh dan masuknya kaum urban di wilayah London raya, Parlemen terpaksa melakukan jauh dengan undang-undang lisensi sebelumnya dan memungkinkan semua teater untuk melakukan drama langsung pada tahun 1843. Pencahayaan listrik dan hidrolik diperkenalkan untuk menarik audiens besar untuk melihat badai di atas panggung, ledakan, dan transformasi ajaib. Teknologi yang dikembangkan selama bagian terakhir abad ke-19 membuka jalan bagi pengembangan efek khusus yang akan digunakan dalam film.

Pencahayaan terus berkembang. Di Inggris, lampu bentuk menggunakan blowpipe untuk memanaskan kapur ke pijar dikembangkan, untuk tujuan navigasi – segera disesuaikan dengan pertunjukan teater dan pusat perhatian menjadi bentuk cahaya buatan yang luas untuk teater. Untuk mengontrol fokus cahaya, lensa Fresnel digunakan.

Awalnya dimaksudkan untuk mengganti lensa cembung besar di mercusuar, Dr. Fresnel mengeluarkan lensa cembung dalam serangkaian lingkaran, seperti cincin pohon, dan menjaga sudut bagian tertentu, memindahkan bagian jauh lebih dekat ke sisi datar lensa cembung.

Setelah lilin, muncul pencahayaan gas, menggunakan pipa dengan bukaan kecil yang dinyalakan sebelum setiap pertunjukan, dan dapat diredupkan dengan mengendalikan aliran gas, selama api tidak pernah padam. Dengan pergantian abad ke-20, banyak perusahaan teater melakukan transisi dari gas ke listrik akan memasang sistem baru tepat di sebelah yang lama, mengakibatkan banyak ledakan dan kebakaran karena listrik menyulut saluran gas. Pencahayaan teater modern berbasis listrik. Banyak lampu dan instrumen pencahayaan yang digunakan saat ini, dan lapangan dengan cepat menjadi salah satu yang paling beragam dan kompleks di industri.

Mesin Panggung

Mesin panggung dapat dibagi menjadi dua kategori umum: mesin permanen, yaitu peralatan yang merupakan bagian dari struktur teater, dan mesin sementara, yaitu peralatan yang dibawa ke teater untuk digunakan bersama dengan produksi tertentu.

Ada tiga jenis konfigurasi panggung umum: tahap proscenium, panggung terbuka (atau panggung dorong), dan panggung arena (juga disebut theatre-in-the-round). Baik tahap terbuka maupun arena umumnya memiliki jaringan pencahayaan permanen—jaringan pipa baja yang digunakan untuk menggantung alat penerangan—di atas panggung dan ruang auditorium. Ketiga jenis teater dapat memiliki mesin panggung permanen — seperti sistem terbang, tahap berputar, dan tahap slip — meskipun sebagian besar mesin tersebut dikaitkan dengan tahap proscenium.

Sistem Terbang

Sistem terbang adalah bagian penting dari mesin panggung untuk teater panggung proscenium. Sistem ini digunakan untuk mengangkat (atau menerbangkan) pemandangan dari panggung ke ruang di atas panggung dengan cara hoist mekanis. Ada dua jenis utama sistem terbang: dioperasikan dengan tangan dan digerakkan oleh mesin. Sistem yang dioperasikan dengan tangan dapat dibagi lebih lanjut menjadi dua jenis: tali-set, atau rami, sistem, dan sistem penyeimbang.

Sistem tali-set biasanya memiliki tiga atau lebih tali yang melekat pada pipa logam, yang disebut batten, di atas panggung. Tali melewati balok loteng di grid di atas panggung. Kemudian, di sisi rumah panggung, mereka melewati satu set blok lain (dikenal sebagai balok kepala) dan kemudian turun ke galeri terbang, di mana mereka diikat di rel pin. Agar pemandangan dinaikkan, itu melekat pada batten; ketika operator turun di ujung tali, yang disebut jalur operasi, yang turun dari blok kepala ke rel pin, pemandangan naik.

Baca Juga : Desain Futuristik Yang Ditampilkan Dari Gitar Gibson Flying V

Jika bobot pemandangan terlalu banyak untuk diangkat oleh operator, karung pasir—digunakan untuk menyeimbangkan berat pemandangan—melekat pada jalur operasi. Sistem ini kuno dan secara inheren berbahaya, dan jarang digunakan saat ini, meskipun itu adalah metode standar pemandangan terbang dari awal 1600-an sampai pengenalan sistem penyeimbang di bagian awal abad ke-20. Prinsip-prinsip yang mendasari sistem tali-set juga dapat ditemukan dalam sistem penyeimbang. Yang terakhir, bagaimanapun, jauh lebih aman dan lebih mudah dioperasikan.

Kabel baja digunakan untuk mendukung batten. Ujung luar panggung kabel ini melekat pada struktur yang disebut arbor penyeimbang. Dengan batten diturunkan ke lantai panggung, benda-benda yang akan diterbangkan melekat pada batten, dan bobot logam yang cukup untuk menyeimbangkan berat peralatan yang diterbangkan dimuat ke arbor penyeimbang dari platform pemuatan. Pergerakan naik-turun sistem penyeimbang dikendalikan oleh lini operasi sistem, yang membentuk loop tertutup di mana salah satu ujung tali melekat pada bagian atas arbor penyeimbang. Garis kemudian melewati blok kepala, turun melalui kunci tali, ke katrol ketegangan; kemudian melewati back up untuk menempel ke ujung bawah arbor penyeimbang.

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter
Artikel Sejarah

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

americanplacetheatre

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter – Akting adalah kegiatan di mana sebuah cerita diceritakan melalui pemberlakuannya oleh seorang aktor atau aktris yang mengadopsi karakter — di teater, televisi, film, radio, atau media lain yang memanfaatkan mode mimetik.

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

Sejarah

americanplacetheatre – Salah satu aktor pertama yang dikenal adalah seorang Yunani kuno yang disebut Thespis of Icaria. Menulis dua abad setelah peristiwa itu, Aristoteles dalam Puisinya (sekitar 335 SM) menunjukkan bahwa Thespis melangkah keluar dari paduan suara dithyrambic dan menyikapinya sebagai karakter terpisah. Sebelum Thespis, paduan suara meriwayatkan (misalnya, “Dionysus melakukan ini, Dionysus mengatakan itu”). Ketika Thespis melangkah keluar dari paduan suara, dia berbicara seolah-olah dia adalah karakter (misalnya, “Saya Dionysus, saya melakukan ini”). Untuk membedakan antara berbagai mode penceritaan ini—pemberlakuan dan narasi—Aristoteles menggunakan istilah “mimesis” (melalui pemberlakuan) dan “diegesis” (melalui narasi). Dari nama Thespis memperoleh kata “thespian”.

Baca Juga : Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

Pelatihan

Konservatori dan sekolah drama biasanya menawarkan pelatihan dua hingga empat tahun pada semua aspek akting. Universitas sebagian besar menawarkan program tiga hingga empat tahun, di mana seorang siswa sering dapat memilih untuk fokus pada akting, sambil terus belajar tentang aspek teater lainnya. Sekolah bervariasi dalam pendekatan mereka, tetapi di Amerika Utara metode paling populer yang diajarkan berasal dari ‘sistem’ Konstantin Stanislavski, yang dikembangkan dan dipopulerkan di Amerika sebagai metode yang bertindak oleh Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner, dan lainnya.

Pendekatan lain mungkin termasuk orientasi yang lebih berbasis fisik, seperti yang dipromosikan oleh praktisi teater yang beragam seperti Anne Bogart, Jacques Lecoq, Jerzy Grotowski, atau Vsevolod Meyerhold. Kelas juga dapat mencakup psikoteknik, pekerjaan topeng, teater fisik, improvisasi, dan bertindak untuk kamera.

Terlepas dari pendekatan sekolah, siswa harus mengharapkan pelatihan intensif dalam interpretasi tekstual, suara, dan gerakan. Aplikasi untuk program drama dan konservatori biasanya melibatkan audisi yang luas. Siapa pun yang berusia di atas 18 tahun biasanya dapat mendaftar. Pelatihan juga dapat dimulai pada usia yang sangat muda. Kelas akting dan sekolah profesional yang ditargetkan di usia di bawah 18 tahun tersebar luas. Kelas-kelas ini memperkenalkan aktor muda ke berbagai aspek akting dan teater, termasuk studi adegan.

Peningkatan pelatihan dan paparan berbicara di depan umum memungkinkan manusia untuk menjaga fisiologis yang lebih tenang dan lebih santai. Dengan mengukur detak jantung pembicara publik mungkin salah satu cara termudah untuk menilai pergeseran stres karena detak jantung meningkat dengan kecemasan.

Ketika aktor meningkatkan kinerja, detak jantung dan bukti stres lainnya dapat menurun. Ini sangat penting dalam pelatihan bagi aktor, karena strategi adaptif yang diperoleh dari peningkatan paparan berbicara di depan umum dapat mengatur kecemasan implisit dan eksplisit. Dengan menghadiri institusi dengan spesialisasi dalam bertindak, peningkatan kesempatan untuk bertindak akan menyebabkan fisiologi yang lebih santai dan penurunan stres dan efeknya pada tubuh. Efek ini dapat bervariasi dari hormonal ke kesehatan kognitif yang dapat berdampak pada kualitas hidup dan kinerja

Semiotika

Semiotika akting melibatkan studi tentang cara-cara di mana aspek kinerja datang untuk beroperasi untuk audiensnya sebagai tanda-tanda. Proses ini sebagian besar melibatkan produksi makna, di mana elemen kinerja aktor memperoleh signifikansi, baik dalam konteks yang lebih luas dari tindakan dramatis dan dalam hubungan yang masing-masing menetapkan dengan dunia nyata.

Namun, mengikuti ide-ide yang diusulkan oleh teori Surrealis Antonin Artaud, bagaimanapun, mungkin juga untuk memahami komunikasi dengan audiens yang terjadi ‘di bawah’ signifikansi dan makna (yang digambarkan oleh semiotician Félix Guattari sebagai proses yang melibatkan transmisi “tanda-tanda penandatangan”).

Dalam The Theatre and its Double (1938), Artaud membandingkan interaksi ini dengan cara pawang ular berkomunikasi dengan ular, sebuah proses yang ia identifikasi sebagai “mimesis”—istilah yang sama dengan Aristoteles dalam Puisinya (sekitar 335 SM) digunakan untuk menggambarkan mode di mana drama mengkomunikasikan ceritanya, berdasarkan perwujudannya oleh aktor yang memberlakukannya, berbeda dari “diegesis”, atau cara di mana narator dapat menggambarkannya. “Getaran” yang lewat dari aktor ke audiens ini mungkin tidak selalu mengendap menjadi elemen signifikan seperti itu (yaitu, secara sadar dirasakan “makna”), melainkan dapat beroperasi dengan cara sirkulasi “mempengaruhi”.

Pendekatan akting yang diadopsi oleh praktisi teater lainnya melibatkan berbagai tingkat kepedulian dengan semiotika akting. Konstantin Stanislavski, misalnya, membahas cara-cara di mana seorang aktor, membangun apa yang disebutnya “mengalami” peran, juga harus membentuk dan menyesuaikan kinerja untuk mendukung signifikansi keseluruhan drama — proses yang ia sebut membangun “perspektif peran”.

Semiotika akting memainkan peran yang jauh lebih sentral dalam teater epik Bertolt Brecht, di mana seorang aktor khawatir untuk mengeluarkan dengan jelas signifikansi sosial ekonomi dari perilaku dan tindakan dengan cara pilihan kinerja tertentu — proses yang ia gambarkan sebagai membangun elemen “tidak / tetapi” dalam “gestus” fisik yang dilakukan dalam konteks “Fabel” drama. Eugenio Barba berpendapat bahwa aktor seharusnya tidak peduli dengan pentingnya perilaku kinerja mereka; aspek ini adalah tanggung jawab, dia mengklaim, dari sutradara, yang menjalin elemen penandaan penampilan seorang aktor ke dalam “montase” dramaturgia sutradara.

Improvisasi

Beberapa bentuk akting klasik melibatkan elemen substansial dari kinerja improvisasi. Yang paling terkenal adalah penggunaannya oleh rombongan commedia dell’arte, bentuk komedi bertopeng yang berasal dari Italia.

Improvisasi sebagai pendekatan untuk bertindak membentuk bagian penting dari ‘sistem’ pelatihan aktor milik praktisi teater Rusia Konstantin Stanislavski, yang ia kembangkan dari tahun 1910-an dan seterusnya. Akhir tahun 1910, penulis drama Maxim Gorky mengundang Stanislavski untuk bergabung dengannya di Capri, di mana mereka membahas pelatihan dan “tata bahasa” akting Stanislavski yang muncul.

Terinspirasi oleh pertunjukan teater populer di Naples yang memanfaatkan teknik commedia dell’arte, Gorky menyarankan agar mereka membentuk perusahaan, yang dimodelkan pada pemain berjalan-jalan abad pertengahan, di mana seorang penulis drama dan sekelompok aktor muda akan merancang drama baru bersama dengan cara improvisasi. Stanislavski akan mengembangkan penggunaan improvisasi ini dalam karyanya dengan Studio Pertama Teater Seni Moskow. Penggunaan Stanislavski diperpanjang lebih jauh dalam pendekatan untuk bertindak yang dikembangkan oleh murid-muridnya, Michael Chekhov dan Maria Knebel.

Di Inggris, penggunaan improvisasi dipelopori oleh Joan Littlewood dari tahun 1930-an dan seterusnya dan, kemudian, oleh Keith Johnstone dan Clive Barker. Di Amerika Serikat, dipromosikan oleh Viola Spolin, setelah bekerja dengan Neva Boyd di Hull House di Chicago, Illinois (Spolin adalah siswa Boyd dari 1924 hingga 1927). Seperti para praktisi Inggris, Spolin merasa bahwa bermain game adalah sarana yang berguna untuk melatih aktor dan membantu meningkatkan kinerja seorang aktor. Dengan improvisasi, dia berpendapat, orang mungkin menemukan kebebasan yang ekspresif, karena mereka tidak tahu bagaimana situasi improvisasi akan berubah. Improvisasi menuntut pikiran terbuka untuk menjaga spontanitas, daripada merencanakan respons tuntut.

Baca Juga : Fender Telecaster Sukses Menjadi Tren Terbaru Gitar Listrik

Karakter diciptakan oleh aktor, sering tanpa mengacu pada teks dramatis, dan drama dikembangkan dari interaksi spontan dengan aktor lain. Pendekatan untuk membuat drama baru ini telah dikembangkan paling substansial oleh pembuat film Inggris Mike Leigh, dalam film-film seperti Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010), dan Mr. Turner (2014). Improvisasi juga digunakan untuk menutupi jika seorang aktor atau aktris melakukan kesalahan.

Efek fisiologis

Berbicara atau bertindak di depan audiens adalah situasi yang menegangkan, yang menyebabkan peningkatan detak jantung. Dalam sebuah studi tahun 2017 tentang mahasiswa universitas Amerika, aktor dari berbagai tingkat pengalaman semuanya menunjukkan detak jantung yang sama tingginya sepanjang pertunjukan mereka; ini setuju dengan studi sebelumnya tentang detak jantung aktor profesional dan amatir.

Sementara semua aktor mengalami stres, menyebabkan detak jantung tinggi, aktor yang lebih berpengalaman menampilkan variabilitas denyut jantung yang lebih sedikit daripada aktor yang kurang berpengalaman dalam drama yang sama. Aktor yang lebih berpengalaman mengalami lebih sedikit stres saat tampil, dan karena itu memiliki tingkat variabilitas yang lebih kecil daripada aktor yang kurang berpengalaman dan lebih stres. Semakin berpengalaman seorang aktor, semakin stabil detak jantung mereka saat tampil, tetapi masih akan mengalami peningkatan detak jantung.

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi
Artikel

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

americanplacetheatre

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi – Teater improvisasi adalah bentuk teater, sering komedi, di mana sebagian besar atau semua yang dilakukan tidak direncanakan atau tanpa naskah. Dibuat secara spontan oleh para pemain. Dalam bentuknya yang paling murni, dialog, aksi, cerita, dan karakter dibuat secara kolaboratif oleh para pemain saat improvisasi terungkap pada waktu sekarang, tanpa menggunakan skrip tertulis yang sudah disiapkan.

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

americanplacetheatre – Teater improvisasi ada dalam pertunjukan sebagai berbagai gaya komedi improvisasi serta beberapa pertunjukan teater non-komedi. Kadang-kadang digunakan dalam film dan televisi, baik untuk mengembangkan karakter dan skrip dan kadang-kadang sebagai bagian dari produk akhir.

Baca Juga : Mengenal Teater Musikal Serta Makna Dan Sejarah Yang Ada Didalamnya

Teknik improvisasi sering digunakan secara luas dalam program drama untuk melatih aktor untuk panggung, film, dan televisi dan dapat menjadi bagian penting dari proses latihan. Namun, keterampilan dan proses improvisasi juga digunakan di luar konteks seni pertunjukan. Praktik ini, yang dikenal sebagai improvisasi terapan, digunakan di ruang kelas sebagai alat pendidikan dan dalam bisnis sebagai cara untuk mengembangkan keterampilan komunikasi, pemecahan masalah kreatif, dan kemampuan kerja tim yang mendukung yang digunakan oleh pemain improvisasi dan ansambel. Kadang-kadang digunakan dalam psikoterapi sebagai alat untuk mendapatkan wawasan tentang pikiran, perasaan, dan hubungan seseorang.

Sejarah

Penggunaan teater improvisasi paling awal yang terdokumentasi dengan baik dalam sejarah Barat ditemukan di Atellan Farce tahun 391 SM. Dari abad ke-16 hingga ke-18, para pemain Commedia Dell’arte berimprovisasi berdasarkan garis besar di jalan-jalan Italia. Pada 1890-an, teori teater dan sutradara seperti Konstantin Stanislavski Rusia dan Jacques Copeau Prancis, pendiri dua aliran utama teori akting, keduanya sangat memanfaatkan improvisasi dalam pelatihan akting dan latihan.

Modern

Permainan improvisasi teater modern dimulai sebagai latihan drama untuk anak-anak, yang merupakan pokok pendidikan drama pada awal abad ke-20 berkat gerakan pendidikan progresif yang diprakarsai oleh John Dewey pada tahun 1916. Beberapa orang mengkredikan American Dudley Riggs sebagai vaudevillian pertama yang menggunakan saran audiens untuk membuat sketsa improvisasi di atas panggung. Latihan improvisasi dikembangkan lebih lanjut oleh Viola Spolin pada tahun 1940-an, 50-an, dan 60-an, dan dikodifikasi dalam bukunya Improvisasi Untuk Teater, buku pertama yang memberikan teknik khusus untuk belajar melakukan dan mengajar teater improvisasi. Pada 1970-an di Kanada, penulis drama dan sutradara Inggris Keith Johnstone menulis Impro: Improvisation and the Theatre, sebuah buku yang menguraikan ide-idenya tentang improvisasi, dan menciptakan Theatresports, yang telah menjadi pokok komedi improvisasi modern dan merupakan inspirasi untuk acara televisi populer Which Line Is It Anyway?

Spolin mempengaruhi generasi pertama improviser Amerika modern di The Compass Players di Chicago, yang mengarah ke The Second City. Putranya, Paul Sills, bersama dengan David Shepherd, memulai The Compass Players. Menyusul kematian Para Pemain Kompas, Paul Sills memulai City Kedua. Mereka adalah rombongan terorganisir pertama di Chicago, dan gerakan komedi improvisasi Chicago modern tumbuh dari kesuksesan mereka.

Banyak “aturan” peningkatan komedi saat ini pertama kali diformalkan di Chicago pada akhir 1950-an dan awal 1960-an, awalnya di antara rombongan The Compass Players, yang disutradarai oleh Paul Sills. Dari sebagian besar akun, David Shepherd memberikan visi filosofis Dari Pemain Kompas, sementara Elaine May adalah pusat pengembangan tempat untuk improvisasinya. Mike Nichols, Ted Flicker, dan Del Close adalah kolaboratornya yang paling sering dalam hal ini. Ketika The Second City membuka pintunya pada 16 Desember 1959, disutradarai oleh Paul Sills, ibunya Viola Spolin mulai melatih improvisasi baru melalui serangkaian kelas dan latihan yang menjadi landasan pelatihan peningkatan modern. Pada pertengahan 1960-an, kelas Viola Spolin diserahkan kepada anak didiknya, Jo Forsberg, yang lebih mengembangkan metode Spolin menjadi kursus satu tahun, yang akhirnya menjadi The Players Workshop, sekolah improvisasi resmi pertama di AS. Selama ini, Forsberg melatih banyak penampil yang beraintang di panggung Kota Kedua.

Banyak pemeran asli Saturday Night Live berasal dari The Second City, dan waralaba ini telah menghasilkan bintang komedi seperti Mike Myers, Tina Fey, Bob Odenkirk, Amy Sedaris, Stephen Colbert, Eugene Levy, Jack McBrayer, Steve Carell, Chris Farley, Dan Aykroyd, dan John Belushi.

Secara bersamaan, kelompok Keith Johnstone, The Theatre Machine, yang berasal dari London, sedang berkeliling Eropa. Karya ini melahirkan Theatresports, pada awalnya diam-diam di lokakarya Johnstone, dan akhirnya di depan umum ketika ia pindah ke Kanada. Toronto telah menjadi rumah bagi tradisi peningkatan yang kaya.

Pada tahun 1984, Dick Chudnow (Kentucky Fried Theater) mendirikan ComedySportz di Milwaukee, WI. Ekspansi dimulai dengan penambahan ComedySportz-Madison (WI), pada tahun 1985. Turnamen Nasional Comedy League of America pertama diadakan pada tahun 1988, dengan 10 tim berpartisipasi. Liga ini sekarang dikenal sebagai CSz Worldwide dan membanggakan daftar 29 kota internasional.

Di San Francisco, teater The Committee aktif di North Beach selama tahun 1960-an. Kota ini didirikan oleh alumni Kota Kedua Chicago, Alan Myerson dan istrinya Jessica. Ketika Komite bubar pada tahun 1972, tiga perusahaan besar dibentuk: The Pitchell Players, The Wing, dan Improvisation Inc. Satu-satunya perusahaan yang terus melakukan Close’s Harold adalah yang terakhir. Dua mantan anggotanya, Michael Bossier dan John Elk, membentuk Spaghetti Jam di Old Spaghetti Factory San Francisco pada tahun 1976, di mana peningkatan bentuk pendek dan Harolds dilakukan hingga tahun 1983. Stand-up comedian tampil di jalan di Intersection for the Arts akan mampir dan duduk. Pada tahun 1979, Elk membawa informasi pendek ke Inggris, mengajar lokakarya di Jacksons Lane Theatre, dan ia adalah orang Amerika pertama yang tampil di The Comedy Store, London, di atas klub strip Soho.

Akar improvisasi politik modern termasuk karya Jerzy Grotowski di Polandia selama akhir 1950-an dan awal 1960-an, “kejadian” Peter Brook di Inggris selama akhir 1960-an, “Forum Theatre” Augusto Boal di Amerika Selatan pada awal 1970-an, dan karya San Francisco The Diggers pada 1960-an. Beberapa karya ini mengarah pada gaya kinerja improvisasi murni, sementara yang lain hanya ditambahkan ke kosakata teater dan, secara keseluruhan, eksperimen avant-garde.

Joan Littlewood, seorang aktris dan sutradara Inggris yang aktif dari tahun 1950-an hingga 1960-an, memanfaatkan peningkatan luas dalam mengembangkan drama untuk kinerja. Namun, dia berhasil dituntut dua kali karena memungkinkan aktornya untuk berimprovisasi dalam kinerja. Hingga tahun 1968, hukum Inggris mengharuskan naskah disetujui oleh Kantor Lord Chamberlain. Departemen juga mengirim inspektur ke beberapa pertunjukan untuk memeriksa bahwa skrip yang disetujui dilakukan persis seperti yang disetujui.

Pada tahun 1987, Annoyance Theatre dimulai sebagai klub di Chicago yang menekankan improvisasi longform. The Annoyance Theatre telah berkembang menjadi beberapa lokasi di Chicago dan New York City. Ini adalah rumah dari pertunjukan peningkatan musik terpanjang dalam sejarah pada 11 tahun.

Baca Juga : Fender Jazz Bass Gitar Listrik Yang Dibuat Lebih Presisi

Pada tahun 2012, penulis dan sutradara Lebanon Lucien Bourjeily menggunakan teknik teater improvisasi untuk membuat drama multi-indera berjudul 66 Minutes in Damascus. Drama ini ditayangkan perdana di London International Festival of Theater, dan dianggap sebagai salah satu jenis teater improvisasi interaktif paling ekstrem yang diletakkan di atas panggung. Para penonton memainkan peran turis yang diculik di Suriah saat ini dalam lingkungan sensorik hiperreal.

Rob Wittig dan Mark C. Marino telah mengembangkan bentuk peningkatan untuk improvisasi teater online yang disebut netprov. Formulir ini bergantung pada media sosial untuk melibatkan audiens dalam penciptaan skenario fiksi dinamis yang berkembang secara real-time.

Mengenal Teater Musikal Serta Makna Dan Sejarah Yang Ada Didalamnya
Artikel Sejarah

Mengenal Teater Musikal Serta Makna Dan Sejarah Yang Ada Didalamnya

americanplacetheatre

Mengenal Teater Musikal Serta Makna Dan Sejarah Yang Ada Didalamnya – Teater musikal adalah bentuk pertunjukan teater yang menggabungkan lagu, dialog lisan, akting, dan tarian. Cerita dan konten emosional dari musikal – humor, pathos, cinta, kemarahan – dikomunikasikan melalui kata-kata, musik, gerakan dan aspek teknis hiburan secara terintegrasi. Meskipun teater musikal tumpang tindih dengan bentuk teater lainnya seperti opera dan tarian, itu mungkin dibedakan oleh kepentingan yang sama diberikan kepada musik dibandingkan dengan dialog, gerakan dan elemen lainnya. Sejak awal abad ke-20, karya panggung teater musikal umumnya disebut, sederhana, musikal.

Mengenal Teater Musikal Serta Makna Dan Sejarah Yang Ada Didalamnya

americanplacetheatre – Meskipun musik telah menjadi bagian dari presentasi dramatis sejak zaman kuno, teater musikal Barat modern muncul selama abad ke-19, dengan banyak elemen struktural yang didirikan oleh karya-karya Gilbert dan Sullivan di Inggris dan karya-karya Harrigan dan Hart di Amerika. Ini diikuti oleh banyak komedi musikal Edward dan karya teater musikal kreator Amerika seperti George M. Cohan pada pergantian abad ke-20. Musikal Princess Theatre (1915–1918) dan pertunjukan cerdas lainnya seperti Thee I Sing (1931) adalah langkah artistik ke depan di luar revues dan hiburan berbusa lainnya pada awal abad ke-20 dan menyebabkan karya-karya inovatif seperti Show Boat (1927) dan Oklahoma! (1943). Beberapa musikal paling terkenal selama beberapa dekade yang diikuti termasuk West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) dan Hamilton (2015).

Baca Juga : Ada Beberapa Jenis TEATER Yang Perlu Kalian Pahami

Musikal dilakukan di seluruh dunia. Mereka mungkin disajikan di tempat-tempat besar, seperti produksi Broadway atau West End beranggaran besar di New York City atau London. Selain itu, musikal dapat dipentaskan di tempat-tempat yang lebih kecil, seperti teater fringe, Off-Broadway, Off-Off-Broadway, teater regional, atau produksi teater komunitas, atau tur. Musikal sering disajikan oleh kelompok amatir dan sekolah di gereja, sekolah, dan ruang pertunjukan lainnya. Selain Amerika Serikat dan Inggris, ada adegan teater musikal yang semarak di benua Eropa, Asia, Australasia, Kanada, dan Amerika Latin.

Pesan Musikal

Sejak abad ke-20, “musik buku” telah didefinisikan sebagai drama musikal di mana lagu dan tarian sepenuhnya diintegrasikan ke dalam cerita yang dibuat dengan baik dengan tujuan dramatis serius yang mampu membangkitkan emosi asli selain tawa. Tiga komponen utama dari musikal buku adalah musik, lirik, dan bukunya. Buku atau naskah musikal mengacu pada cerita, pengembangan karakter, dan struktur dramatis, termasuk dialog lisan dan arah panggung, tetapi juga dapat merujuk pada dialog dan lirik bersama, yang kadang-kadang disebut sebagai libretto (Bahasa Italia untuk “buku kecil”). Musik dan lirik bersama-sama membentuk skor musikal dan termasuk lagu, musik insidental dan adegan musik, yang merupakan “urutan teater diatur ke musik, sering menggabungkan lagu dengan dialog lisan.” Interpretasi musikal adalah tanggung jawab tim kreatifnya, yang mencakup sutradara, sutradara musik, biasanya koreografer dan kadang-kadang orkestrator. Produksi musikal juga secara kreatif ditandai dengan aspek teknis, seperti desain set, kostum, properti panggung (alat peraga), pencahayaan, dan suara. Tim kreatif, desain, dan interpretasi umumnya berubah dari produksi asli menjadi produksi yang sukses. Beberapa elemen produksi, bagaimanapun, dapat dipertahankan dari produksi asli, misalnya, koreografi Bob Fosse di Chicago.

Tidak ada panjang tetap untuk musikal. Meskipun dapat berkisar dari hiburan satu babak singkat hingga beberapa pertunjukan dan beberapa jam panjangnya (atau bahkan presentasi multi-malam), sebagian besar musikal berkisar dari satu setengah hingga tiga jam. Musikal biasanya disajikan dalam dua babak, dengan satu istirahat singkat, dan tindakan pertama sering lebih lama daripada yang kedua. Tindakan pertama umumnya memperkenalkan hampir semua karakter dan sebagian besar musik dan sering berakhir dengan pengenalan konflik dramatis atau komplikasi plot sementara babak kedua mungkin memperkenalkan beberapa lagu baru tetapi biasanya berisi pengulangan tema musik penting dan menyelesaikan konflik atau komplikasi. Sebuah musik buku biasanya dibangun sekitar empat hingga enam lagu tema utama yang diulang kemudian dalam pertunjukan, meskipun kadang-kadang terdiri dari serangkaian lagu yang tidak terkait secara langsung dengan musik. Dialog lisan umumnya diselingi antara nomor musik, meskipun “dialog yang dinyanyikan” atau mengaji dapat digunakan, terutama dalam apa yang disebut musikal “dinyanyikan” seperti Jesus Christ Superstar, Falsettos, Les Misérables, Evita dan Hamilton. Beberapa musikal yang lebih pendek di Broadway dan di West End telah disajikan dalam satu babak dalam beberapa dekade terakhir.

Momen intensitas dramatis terbesar dalam musikal buku sering dilakukan dalam lagu. Terbukti, “ketika emosi menjadi terlalu kuat untuk berbicara, Anda bernyanyi; ketika itu menjadi terlalu kuat untuk lagu, Anda menari.” Dalam musikal buku, sebuah lagu idealnya dibuat sesuai dengan karakter (atau karakter) dan situasinya dalam cerita; meskipun ada saat-saat dalam sejarah musikal (misalnya dari tahun 1890-an hingga 1920-an) ketika integrasi antara musik dan cerita ini telah ketegangan. Ketika kritikus The New York Times Ben Brantley menggambarkan cita-cita lagu di teater ketika meninjau kebangkitan Gypsy 2008: “Tidak ada pemisahan sama sekali antara lagu dan karakter, itulah yang terjadi pada saat-saat yang tidak biasa ketika musikal mencapai ke atas untuk mencapai alasan ideal mereka.” Biasanya, banyak kata yang lebih sedikit dinyanyikan dalam lagu berdurasi lima menit daripada yang diucapkan dalam blok dialog lima menit. Oleh karena itu, ada lebih sedikit waktu untuk mengembangkan drama dalam musikal daripada dalam permainan lurus dengan panjang yang setara, karena musikal biasanya mencurahkan lebih banyak waktu untuk musik daripada berdialog. Dalam sifat terkompresi dari musikal, penulis harus mengembangkan karakter dan plot.

Materi yang disajikan dalam musikal mungkin asli, atau mungkin diadaptasi dari novel (Wicked and Man of La Mancha), drama (Hello, Dolly! dan Korsel), legenda klasik (Camelot), peristiwa sejarah (Evita) atau film (The Producers and Billy Elliot). Di sisi lain, banyak karya teater musikal yang sukses telah diadaptasi untuk film musikal, seperti West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver! dan Chicago.

Perbandingan dengan Opera

Teater musikal terkait erat dengan bentuk teater opera, tetapi keduanya biasanya dibedakan dengan menimbang sejumlah faktor. Pertama, musikal umumnya memiliki fokus yang lebih besar pada dialog lisan. Beberapa musikal, bagaimanapun, sepenuhnya disertai dan dinyanyikan, sementara beberapa opera, seperti Die Zauberflöte, dan sebagian besar operetta, memiliki beberapa dialog tanpa pendamping. Kedua, musikal juga biasanya mencakup lebih banyak tarian sebagai bagian penting dari penceritaan, terutama oleh pemain utama serta paduan suara. Ketiga, musikal sering menggunakan berbagai genre musik populer atau setidaknya gaya menyanyi dan musik yang populer.

Akhirnya, musikal biasanya menghindari konvensi opera tertentu. Secara khusus, musikal hampir selalu dilakukan dalam bahasa penontonnya. Musikal yang diproduksi di Broadway atau di West End, misalnya, selalu dinyanyikan dalam bahasa Inggris, bahkan jika mereka awalnya ditulis dalam bahasa lain. Sementara seorang penyanyi opera terutama seorang penyanyi dan hanya seorang aktor kedua (dan jarang perlu menari), seorang pemain teater musikal sering menjadi aktor pertama tetapi juga harus menjadi penyanyi dan penari. Seseorang yang sama-sama berprestasi di ketiganya disebut sebagai “ancaman tiga kali lipat”. Komposer musik untuk musikal sering mempertimbangkan tuntutan vokal peran dengan pemain teater musikal dalam pikiran. Saat ini, teater besar yang menggelar musikal umumnya menggunakan mikrofon dan amplifikasi suara nyanyian para aktor dengan cara yang umumnya tidak akan disetujui dalam konteks opera.

Baca Juga : Kalian Yang Suka Dengan Alat Musik, Sudah Tau Sejarah Dari Gitar Stratocaster?

Beberapa karya (misalnya oleh George Gershwin, Leonard Bernstein dan Stephen Sondheim) telah dibuat menjadi produksi “teater musikal” dan “operatis”. Demikian pula, beberapa operetta yang lebih tua atau opera ringan (seperti The Pirates of Penzance oleh Gilbert dan Sullivan) telah diproduksi dalam adaptasi modern yang memperlakukan mereka sebagai musikal. Untuk beberapa karya, gaya produksi hampir sama pentingnya dengan konten musik atau dramatis karya dalam mendefinisikan bentuk seni mana yang jatuh. Sondheim berkata, “Saya benar-benar berpikir bahwa ketika sesuatu memainkan Broadway itu musikal, dan ketika diputar di gedung opera itu opera. Itu saja. Ini medan, pedesaan, harapan penonton yang menjadikannya satu atau lain hal.” Tetap ada tumpang tindih dalam bentuk antara bentuk opera yang lebih ringan dan musikal yang lebih kompleks atau ambisius. Dalam praktiknya, seringkali sulit untuk membedakan antara berbagai jenis teater musikal, termasuk “drama musikal”, “komedi musikal”, “operetta” dan “opera ringan”.

Seperti opera, nyanyian di teater musikal umumnya disertai dengan ansambel instrumental yang disebut pit orchestra, yang terletak di area yang diturunkan di depan panggung. Sementara opera biasanya menggunakan orkestra simfoni konvensional, musikal umumnya diorkestrasi untuk ansambel mulai dari 27 pemain hingga hanya beberapa pemain. Musikal rock biasanya menggunakan sekelompok kecil sebagian besar instrumen rock, dan beberapa musikal mungkin hanya memanggil piano atau dua instrumen. Musik dalam musikal menggunakan berbagai “gaya dan pengaruh termasuk operetta, teknik klasik, musik rakyat, jazz gaya lokal atau historis yang sesuai dengan pengaturan.” Musikal dapat dimulai dengan overture yang dimainkan oleh orkestra yang “menenun bersama kutipan dari melodi terkenal.”

Ada Beberapa Jenis TEATER Yang Perlu Kalian Pahami
Artikel Sejarah

Ada Beberapa Jenis TEATER Yang Perlu Kalian Pahami

americanplacetheatre

Drama

Ada Beberapa Jenis TEATER Yang Perlu Kalian Pahami – Drama ialah bentuk khusus dari novel yang diekspresikan dalam pertunjukan: drama, opera, pantomim, balet, dll., Yang dipertunjukkan di bioskop, stasiun radio, maupun drama TV. Sejak puisi Aristoteles c. 335 SM), teori drama telah dianggap sebagai genre puisi, dan bentuk epik dan lirik telah dibandingkan. Ini ialah karya teori drama paling awal.

Ada Beberapa Jenis TEATER Yang Perlu Kalian Pahami

americanplacetheatre – Istilah “drama” berasal dari bahasa Yunani, yang berarti sebuah tindakan Yunani Klasik: δρᾶμα, drama), dan kata tersebut berasal dari “Saya bersedia” Yunani Klasik: δράω, drao). Dua topeng yang terkait dengan drama mewakili perbedaan tradisional antara Comedy dan tragedi.

Dalam bahasa Inggris mirip dengan banyak bahasa Eropa lainnya), kata drama maupun permainan diterjemahkan ke dalam bahasa Anglo-Saxon ple oran maupun Latin ludus telah menjadi istilah standar untuk drama sampai masa William Shakespeare – sama seperti itu Pencipta teater sama, produsernya bukan penulis drama, dan bangunannya ialah ruang permainan, bukan teater.

Baca Juga : Tradisi Dan Drama Kuno Dari India Memiliki Cerita Yang Menarik

Penggunaan “drama” dalam arti yang lebih sempit untuk merujuk pada jenis drama tertentu dapat ditelusuri kembali ke era modern. Dalam definisi ini, “drama” mengacu pada drama yang bukan Comedy maupun tragedi, misalnya, Zola’s Thérèse Raquin 1873 maupun Chekhv’s Ivanov 1887 “. Dari perspektif sempit ini, industri film dan penelitian film menggambarkan” drama “sebagai genre di medianya masing-masing. Istilah” drama radio “telah digunakan dalam kedua definisi tersebut. -Ini awalnya disampaikan dalam pertunjukan langsung. Ini juga dapat merujuk pada ujung yang lebih tinggi dan akhir yang lebih serius dari hasil dramatis dari siaran.

Prasyarat bagi para aktor untuk menampilkan drama dan opera di atas panggung di depan penonton ialah cara produksi yang kooperatif dan bentuk resepsi kolektif. Berbeda dengan bentuk sastra lain, struktur teks drama secara langsung dipengaruhi oleh produksi kooperatif dan penerimaan kolektif semacam ini.

Pantomim merupakan salah satu bentuk drama yang aksi ceritanya hanya dapat diceritakan melalui gerak tubuh. Drama dapat dipadukan dengan musik: kata-kata dramatis dalam opera biasanya dinyanyikan di mana-mana, dalam beberapa tarian balet, “mengekspresikan maupun meniru emosi, karakter, dan perilaku naratif”. Drama musikal mencakup dialog dan lagu lisan; dan bentuk musik teater tertentu disertai dengan musik maupun iringan musik sesekali untuk menonjolkan dialog ini misalnya, Comedy situasi dan Nō Jepang). Closet drama ialah bentuk yang dirancang untuk membaca daripada melakukan. Improvisasi, drama tidak ada. Penampil spontan mendesain naskah drama di depan penonton.

Teater musikal

Drama musikal ialah salah satu bentuk pertunjukan teater yang menggabungkan lagu, dialog lisan, pertunjukan dan tari. Cerita dan konten emosional dari musik-humor, kesedihan, cinta, kemarahan-dikomunikasikan secara keseluruhan melalui aspek teknis ucapan, musik, aksi, dan hiburan. Meskipun musikal tumpang tindih dengan bentuk drama lainnya seperti opera dan tari), pentingnya musik bagi musik sama pentingnya jika dibandingkan dengan dialog, gerakan, dan elemen lainnya. Sejak awal abad ke-20, karya panggung teater musikal sering disebut hanya sebagai musikal.

Meskipun musik telah menjadi bagian dari pertunjukan teater sejak zaman kuno, teater musikal barat modern muncul pada abad ke-19. Banyak elemen strukturalnya didirikan oleh karya Gilbert dan Sullivan di Inggris Raya dan karya Harrigan dan Hart di Amerika Serikat. Ini diikuti oleh Comedy musikal Edwardian yang tak terhitung jumlahnya dan musikal oleh pencipta Amerika seperti George M. Cohan pada pergantian abad ke-20. Musikal di Teater Putri 1915-1918 dan pertunjukan masuk akal lainnya, seperti “My Song” Thee I Sing, 1931 ialah kemajuan artistik yang melampaui komentar awal abad ke-20 dan gelembung lainnya. Kegiatan hiburan, dan memberi lahir dari karya-karya inovatif seperti Show Boat 1927 dan Oklahoma! 1943). Dalam dekade berikutnya, beberapa musikal paling terkenal termasuk “West Side Story” 1957), “Fantasy” 1960), “Hair” 1967), “Chorus” 1975), “Les Miserables” 1985), “The Phantom of the Opera” 1986), Rent 1996), The Producers 2001), Wicked 2003 dan Hamilton 2015).

Musikal dilakukan di seluruh dunia. Mereka mungkin muncul di tempat-tempat besar, seperti Broadway maupun karya-karya West End yang mahal di New York maupun London. maupun, musikal dapat dipentaskan di tempat-tempat yang lebih kecil, seperti teater pinggiran, Broadway, di luar Broadway, teater regional maupun teater komunitas, maupun dalam tur. Musikal biasanya dibawakan oleh kelompok amatir dan sekolah di gereja, sekolah dan tempat pertunjukan lainnya. Selain di Amerika Serikat dan Inggris, terdapat panggung musik yang aktif di benua Eropa, Asia, Oseania, Kanada, dan Amerika Latin.

Comedy

Karya drama yang menggunakan humor sebagai pembawa cerita juga bersifat Comedy. Ini mungkin termasuk lelucon modern seperti Boeing, maupun drama klasik seperti As You Like It. Bioskop yang mengekspresikan materi pelajaran yang suram, kontroversial, maupun tabu dengan sengaja yang lucu disebut Comedy hitam. “Black Comedy” bisa bermacam-macam jenisnya, seperti humor slapstick, Comedy gelap, dan Comedy satir.

Tragedi

Frasa Aristoteles “beberapa jenis ditemukan di berbagai bagian drama” merujuk pada asal struktural dari drama tersebut. Bagian verbal ditulis dalam dialek loteng, sedangkan bagian chorus pengajian maupun nyanyian dalam dialek Doric. Perbedaan ini mencerminkan perbedaan asal-usul agama dan bagian puisi yang diintegrasikan ke dalam entitas baru, drama.

Tragedi mengacu pada tradisi khusus drama, yang telah memainkan peran unik dan penting dalam definisi diri peradaban Barat dalam sejarah. Tradisi ini beragam dan terputus-putus, tetapi istilah ini sering digunakan untuk membangkitkan pengaruh kuat identitas budaya dan kesinambungan sejarah: “Orang Yunani dan Ratu Elizabeth dalam bentuk budaya; orang Yunani dan Kristen dalam kegiatan bersama”, Raymond Williams Raymond Williams berkata.

Dari asal-usulnya yang tidak jelas di teater Athena 2500 tahun yang lalu, hingga singularitas dalam karya Shakespeare, Lope de Vega, Racine dan Schiller, hingga satu-satunya Iscruz dan Sophocle yang tersisa. Sebagian kecil dari Euripides dan Euripides, hingga tragedi naturalistik Strindberg baru-baru ini, Meditasi modernis Beckett tentang kematian, kehilangan dan rasa sakit, dan tragedi klasik anumerta Müller. Transformasi modernis, tragedi masih merupakan tempat penting untuk eksperimen budaya, negosiasi, perjuangan dan perubahan. Setelah “Puisi” Aristoteles 335 SM), tragedi digunakan untuk membedakan genre, baik dalam lingkup puisi secara keseluruhan tragis untuk pembagian epik dan liris maupun dalam skala drama Melawan aturan tragis Datang ke Comedy . Di era modern, tragedi juga diartikan sebagai drama, melodrama, tragikomedi, dan teater epik.

Baca Juga : Struktur Musik Yang Harus Dipelajari Serta Pengertiannya

Improvisasi

Improvisasi selalu menjadi karakteristik teater, dan Commedia dell’arte pada abad ke-16 diakui sebagai bentuk improvisasi pertama. Populer dengan peraih Nobel Dario Fo, dan perusahaan teater seperti Kelompok Improvisasi Brigade Warga Tegak telah berevolusi dengan banyak genre dan filosofi yang berbeda. Keith Johnstone dan Viola Spolin Viola Spolin diakui sebagai guru pertama improvisasi modern. Johnstone mengeksplorasi improvisasi untuk menggantikan teater. Spolin dan penerusnya mengeksplorasi improvisasi terutama sebagai alat untuk mengembangkan karya maupun keterampilan dramatis, maupun sebagai bentuk bentuk situasional . Comedy. Spolin juga tertarik mempelajari bagaimana proses improvisasi diterapkan pada pengembangan potensi manusia. Putra Spolin, Paul Sills, mendirikan teater dadakan dan mempromosikannya sebagai bentuk seni teater, ketika dia menjadi sutradara pertama di kota kedua Chicago.

Tradisi Dan Drama Kuno Dari India Memiliki Cerita Yang Menarik
Artikel Sejarah

Tradisi Dan Drama Kuno Dari India Memiliki Cerita Yang Menarik

americanplacetheatre

Tradisi Dan Drama Kuno Dari India Memiliki Cerita Yang Menarik – Istilah drama klasik India mengacu pada tradisi sastra dan pertunjukan drama India kuno. Asal mula pertunjukan dramatis di anak benua India dapat ditelusuri kembali ke 200 SM. Dramanya dianggap sebagai pencapaian tertinggi sastra Sanskerta. Asvaghosa, filsuf Buddha Buddha, dianggap sebagai dramawan Sansekerta pertama.

Tradisi Dan Drama Kuno Dari India Memiliki Cerita Yang Menarik

americanplacetheatre – Terlepas dari namanya, drama klasik Sanskerta menggunakan bahasa Sanskerta dan Prakrit, menjadikannya bilingual. Drama Sansekerta menggunakan karakter stok seperti pahlawan (nayaka), pahlawan wanita (nayika) atau badut (vidusaka). Para aktor mungkin memiliki jenis keahlian tertentu. Mahābhāṣya dari Patañjali pertama kali menyebutkan benih drama Sanskerta. Esai tentang tata bahasa ini memberikan tanggal yang layak untuk perkembangan teater India.

Kālidāsa pada abad 4-5 M dapat dikatakan sebagai salah satu dramawan Sansekerta terhebat di India kuno. Tiga drama romantis terkenal yang ditulis oleh Kālidāsa adalah “Malawi” (Mālavikāgnimitram) (“Malawi” dan Agnimitra), “Vikramōrvaśīyam” (dan Vikrama terkait dengan Pervashi) dan Abhijñānaśākuntalam (Pengakuan Shakuntala). Inspirasi terakhir datang dari sebuah cerita dalam “Mab Bharata” dan merupakan yang paling terkenal. Ini adalah versi pertama yang diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris dan Jerman. Śakuntalā (terjemahan bahasa Inggris) mempengaruhi Faust Goethe (1808–1832).

Baca Juga : Sejarah Menarik Tentang Asal Mula Teater Romawi Kuno

Dramawan besar India berikutnya adalah Bhavabhuti (abad ke-7 M). Dia dikatakan telah menulis tiga drama berikut: Malati-Madhava, Mahaviracharita dan Uttararamacarita. Dari ketiganya, dua yang terakhir menutupi seluruh epik Ramayana. Kaisar India yang perkasa Hasha (606–648) diyakini telah menulis tiga drama: komedi “Ratnavari”, “Priya Dashika” dan drama Buddhis “Nagananda”. Dramawan Sanskerta terkenal lainnya termasuk Śhudraka, Bhasa, dan Asvaghosa. Meskipun banyak naskah yang ditulis oleh penulis drama ini masih dapat ditemukan, sedikit yang diketahui tentang pengarang itu sendiri.

Teori

Sumber bukti utama untuk Teater Vatikan adalah “Nātyaśāstra” (Nātyaśāstra). Tanggal penyusunan kompilasi ini tidak pasti (perkiraan kisaran dari 200 hingga 200 SM), dan penulisnya adalah Balata Mooney. Tesis ini adalah karya drama terlengkap di dunia kuno. Ini melibatkan pertunjukan, tari, musik, arsitektur dramatis, arsitektur, kostum, tata rias, alat peraga, organisasi perusahaan, penonton, kompetisi, dan memberikan catatan mitos tentang asal mula teater. Dalam prosesnya, ini memberikan petunjuk tentang sifat dari praktek drama yang sebenarnya. Teater Vatikan dipentaskan di tempat suci oleh para pendeta yang telah menerima pelatihan keterampilan yang diperlukan (menari, musik, dan pengajian) selama proses genetika. Tujuannya adalah pendidikan dan hiburan.

Di bawah perlindungan Royal Court, para pemainnya adalah perusahaan profesional yang diarahkan oleh seorang manajer panggung (sutradhara), dan mereka mungkin telah berpartisipasi dalam pertunjukan tersebut. Diperkirakan bahwa tugas tersebut mirip dengan tugas si pemalsu- “sutradhara” secara harfiah berarti “pemegang tali atau benang”. Para pemain telah menjalani pelatihan yang ketat dalam keterampilan suara dan fisik. Tidak ada larangan terhadap artis wanita; perusahaan ini semuanya laki-laki, semua perempuan dan campuran gender. Namun, pandangan tertentu dianggap tidak cocok untuk dirumuskan laki-laki, dan dianggap lebih cocok untuk perempuan. Beberapa pemain memainkan peran sesuai usia mereka, sementara yang lain lebih muda atau lebih tua dari diri mereka sendiri. Di antara semua unsur drama, hal terpenting dalam “Long Tiao” adalah pertunjukan (abhinaya), yang tersusun dari dua gaya: gaya realistik (lokadharmi) dan gaya tradisional (natyadharmi), meskipun yang terakhir terutama berfokus pada yang terakhir.

Awal

Shatapatha Brahmana (~ 800-700 SM) menulis beberapa kitab suci dalam bentuk drama antara dua aktor di bab 13.2. Sastra Buddha awal memberikan bukti paling awal tentang keberadaan drama India. Sutta Pali (berasal dari abad ke-5 hingga abad ke-3 SM) mengacu pada keberadaan kelompok aktor (dipimpin oleh aktor utama) yang melakukan lakon di atas panggung. Drama ini menggabungkan tarian, tetapi diklasifikasikan sebagai bentuk pertunjukan yang unik, diiringi oleh tarian, nyanyian, dan mendongeng.

Fragmen paling awal dari drama Sansekerta dapat ditelusuri kembali ke 200 SM. Sejumlah besar bukti arkeologis awal tidak dapat menjelaskan keberadaan tradisi teater. Weda (dokumen paling awal di India, berasal dari 1500 hingga 600 SM) tidak ada yang disarankan. Meskipun sejumlah kecil himne dibangun dalam bentuk dialog, ritual Weda tampaknya tidak berkembang menjadi teater. Mahābahāṣya (Mahābahāṣya) dari Patañjali pertama kali menyebutkan benih drama Sanskerta. Esai tata bahasa dari 140 SM ini memberikan tanggal yang layak untuk permulaan drama India. Sejak zaman Alexander Agung, anak benua India telah bersentuhan langsung dengan budaya Yunani. Hal ini menimbulkan perdebatan akademis tentang pengaruh drama Yunani kuno terhadap perkembangan drama India.

Mricchakatika (gerobak tanah liat kecil)

Ini adalah salah satu drama Sansekerta paling awal, yang dibuat oleh playudraka pada abad ke-2 SM. Plot menarik dalam drama ini penuh dengan romansa, seks, konspirasi kerajaan, dan komedi, dengan liku-liku. Cerita utamanya adalah tentang seorang pemuda bernama Charudatta dan cintanya pada Vasantasena (seorang pelacur kaya atau nagarvadhu). Para bangsawan istana memperumit hubungan, dan dia juga tertarik dengan Vasantasena. Plotnya menjadi lebih rumit karena pencuri dan kesalahan identitas, yang membuatnya menjadi game yang sangat menarik dan menarik. Ketika dipentaskan di New York pada tahun 1924, hal itu menimbulkan kekaguman yang meluas. Drama tersebut diadaptasi menjadi film Hindi “Utsav” yang disutradarai oleh Girish Karnad pada tahun 1984. Drama India yang digambarkan dalam film 2001 “Moulin Rouge”! Mungkin berdasarkan “Kereta Belanja Tanah Liat Kecil”.

Bhāsa

Karena manuskrip itu sendiri telah hilang, drama yang ditulis oleh Bhāsa hanya diketahui oleh sejarawan melalui kutipan oleh penulis selanjutnya. Pada tahun 1913, sarjana Ganapati Sastri menemukan manuskrip dari 13 drama yang dia tulis di perpustakaan tua di Thiruvananthapuram (Trivandrum). Belakangan, drama ke-14 ditemukan dan dikaitkan dengan Bhāsa, ​​tetapi penulisnya kontroversial. Drama Bhāsa yang paling terkenal adalah “Svapnavasavadattam” (“Mimpi Vasavadatta”), Pancharātra dan “Pratijna Yaugandharayaanam” (“Sumpah Yaugandharayana”). Beberapa drama lainnya termasuk “Pratimanātaka”, “Abhishekanātaka”, “Bālacharita”, “Dūtavākya”, “Kanabahala”, “Dūtaghatotkacha”, “Chārudatta”, “Madhyamavyāyoga” dan “Ūrubhaṅga”. Karnabharam (Karnabharam) adalah drama yang sangat terkenal, dan kelompok drama India modern sedang bereksperimen dengannya. Bhāsa dianggap sebagai salah satu penulis drama terbaik dalam bahasa Sanskerta, nomor dua setelah Kālidāsa. Dia mendahului Kālidāsa dan berasal dari abad ke-3 atau ke-4 Masehi.

Kālidāsa

Kālidāsa (abad 4-5 M) dengan mudah menjadi penyair dan penulis drama terbesar dalam bahasa Sanskerta, dan posisinya dalam sastra Sanskerta sama dengan Shakespeare dalam sastra Inggris. Dia terutama berurusan dengan legenda dan tema Hindu yang terkenal. Tiga lakon terkenal dari Kālidāsa adalah Vikramōrvaśīyam (“Vikrama dan Urvashi”), Mālavikāgnimitram (“Malavika dan Agnimitra”), dan lakonnya yang paling terkenal: Abhijñānaśākuntalam (“Pengakuan Shakuntala”). Drama di akhir nama belakang dianggap sebagai drama terbesar dalam bahasa Sanskerta. Lebih dari seribu tahun kemudian, hal itu meninggalkan kesan mendalam pada penulis Jerman terkenal Goethe, sehingga dia menulis: Kālidāsa juga menulis dua epos besar, yaitu “The Genealogy of Ragu” dan “The Birth of Gumara”. Pekerjaan yang sempurna.

Baca Juga : Kalau Mau Memainkan Alat Musik, Penting Untuk Mempelajari Beberapa Hal Ini

Karya Kālidāsa dicirikan oleh penggunaan bahasa Sanskerta yang sederhana namun indah dan penggunaan simile yang ekstensif. Metaforanya memenangkan kutipan terkenalnya: Upama Kalidasasya (Karadisa memiliki metafora). Teks lengkapnya berbunyi: “upamāKālidāsasya, Bhāraverartha gauravam | Daṇḍinahpadalālityam, Māgheshantitrayoguṇah ||”

Drama besar lainnya

Drama hebat lainnya termasuk Ratnavali Sri Harsha (abad ke-7 M), Nagananda dan Priyadarsika, Mahendra Vikram Varman Mattavilasa Prahasana, Āścaryacūḍāmaṇi Shakti Bhadra, Subhadra Dhananjaya Kulasekhara dan Tapatakantaghana, Neel.

Sejarah Menarik Tentang Asal Mula Teater Romawi Kuno
Sejarah

Sejarah Menarik Tentang Asal Mula Teater Romawi Kuno

americanplacetheatre

Sejarah Menarik Tentang Asal Mula Teater Romawi Kuno – Bentuk arsitektur teater Romawi telah dikaitkan dengan contoh-contoh yang lebih terkenal di kemudian hari pada abad pertama SM. Pada abad ketiga M, setelah negara tersebut beralih dari monarki ke republik, teater Romawi kuno disebut sebagai periode di mana praktik dan pertunjukan teater berlangsung di Roma. Periode ini bahkan dapat ditelusuri kembali ke abad ke-4 SM.

Sejarah Menarik Tentang Asal Mula Teater Romawi Kuno

americanplacetheatre – Di era ini, teater biasanya dibagi menjadi jenis tragedi dan komedi, diekspresikan dalam gaya arsitektur dan lakon panggung tertentu, dan disampaikan kepada penonton hanya dalam bentuk hiburan dan kontrol. Dalam hal penonton, orang Romawi lebih memilih hiburan dan pertunjukan daripada tragedi dan drama, dan menampilkan bentuk teater yang lebih modern yang masih digunakan sampai sekarang. Dalam hal teater, “tontonan” telah menjadi bagian penting dari ekspektasi sehari-hari orang Romawi. Hingga saat ini, Plautus, Terrance dan Seneca the Younger masih mempertahankan beberapa karya yang menonjolkan berbagai aspek masyarakat dan budaya Romawi pada saat itu, termasuk perkembangan sastra dan drama Romawi. Selama Republik Romawi dan Kekaisaran, merupakan aspek penting dari masyarakat Romawi.

Baca Juga : Sejarah Teater Yunani Kuno Yang Wajib Untuk Dipelajari

Asal Muasal Teater Romawi

Roma didirikan pada 753 SM sebagai monarki otokratis di bawah kekuasaan Etruria, dan telah digunakan hingga saat ini selama dua setengah abad pertama keberadaannya. Pada 509 SM, setelah raja terakhir Roma, Lucius Tarquinius Superbus (Lucius Tarquinius Superbus) atau “Proud Tarquin” diusir, Roma menjadi sebuah republik dan kelompok yang dipilih oleh rakyat Romawi. Pemimpin keadilan perdamaian. Diyakini bahwa Teater Romawi lahir pada dua abad pertama Republik Romawi, karena penyebaran kekuasaan Romawi ke wilayah-wilayah yang luas di semenanjung Italia, sekitar 364 SM.

Setelah wabah melanda pada 364 SM, warga Romawi mulai berpartisipasi dalam permainan teater sebagai pelengkap ritual Lectisternium yang telah dilakukan, dalam upaya untuk menenangkan para dewa. Pada tahun-tahun setelah pembentukan adat istiadat ini, para aktor mulai menampilkan musik ini dan teks aksi yang disinkronkan, sehingga mengadaptasi tarian dan permainan ini ke dalam pertunjukan.

Dengan berkembangnya era Republik Romawi, masyarakat mulai memasukkan drama yang ditampilkan secara profesional ke dalam produk eklektik ludi (perayaan festival publik) yang diadakan setiap tahun sepanjang tahun – festival terbesar adalah Ludi Romani, yang diadakan setiap bulan September untuk memperingati festival tersebut. Dewa Romawi Jupiter. Itu adalah bagian dari Ludi Romani pada 240 SM. Penulis dan dramawan Livius Adronicus (Livius Adronicus) menjadi orang pertama yang menghasilkan terjemahan dari drama Yunani yang akan dibawakan di panggung Romawi.

Sebelum 240 SM, interaksi antara Roma dan budaya Italia utara dan selatan mulai mempengaruhi konsep hiburan di Roma. Roma mendominasi masa-masa awal: Phyllakes (parodi tragis yang muncul di Italia dari 500 hingga 250 SM di Republik Romawi), lelucon Atellan (atau genre komedi yang menggambarkan apa yang disebut kejatuhan kota tenggara Oscarna) Pikirkan. Atella ; suatu bentuk humor nasional yang muncul sekitar 300 SM) dan puisi Fessennin (berasal dari Etruria selatan).

Selain itu, sarjana Phyllakes juga menemukan vas yang menggambarkan karya komedi lama (misalnya, drama Yunani Aristophanes), yang mengarahkan banyak orang untuk menentukan bahwa komedi ini pertama kali disajikan di depan penonton Italia (bahkan tidak berbahasa Latin). Untuk orang Italia. Abad ke-4. Latin adalah bagian penting dari teater Romawi, yang membuktikan hal ini. Dari 240 SM sampai 100 SM, drama Romawi dimasukkan ke dalam periode drama sastra, di mana periode drama Yunani klasik dan pasca-klasik diadaptasi menjadi drama Romawi. Dari 100 SM hingga 476 M, hiburan Romawi mulai tertarik dengan pertunjukan seperti sirkus, kacamata dan pantomim, namun tetap tertarik dengan pertunjukan teater.

Drama-drama awal yang muncul sangat mirip dengan drama Yunani. Roma berperang dalam banyak perang, beberapa di antaranya terjadi di wilayah Italia, di mana budaya Yunani memiliki pengaruh yang sangat besar. Misalnya, Perang Punisia Pertama di Sisilia (264-241 SM). Hubungan antara Yunani dan Roma berasal dari ini, pertama-tama, munculnya dunia Helenistik, di dunia ini, budaya Helenistik menyebar lebih luas, dan Romawi menaklukkan koloni Mediterania dan mengembangkan politik. Adaptasi telah menjadi sarana khas hubungan Yunani-Romawi. Roma terutama mengadopsi aspek-aspek budaya Yunani dan pencapaiannya dan mengembangkan aspek-aspek ini menjadi sastra, seni, dan sains Romawi. Roma telah menjadi salah satu budaya Eropa paling awal yang membentuk budayanya sendiri.

Dengan berakhirnya Perang Makedonia Ketiga (168 SM), Roma memperoleh lebih banyak kesempatan untuk mengunjungi seni dan sastra Yunani, dan masuknya imigran Yunani, terutama filsuf Stuttgart, seperti Malus’s Slats The box (168 SM) dan bahkan filsuf Athena (155 SM) yang membuat orang Romawi tertarik dengan bentuk filsafat yang baru. Perkembangan yang terjadi pertama kali diprakarsai oleh para penulis drama, yang merupakan orang Yunani atau semi-Yunani yang tinggal di Roma. Tradisi sastra dalam drama Yunani dipengaruhi oleh orang Romawi, tetapi orang Romawi memilih untuk tidak mengadopsi tradisi ini seluruhnya, tetapi menggunakan bahasa lokal yang didominasi oleh bahasa Latin. Drama Romawi yang mulai dimainkan ini sangat dipengaruhi oleh tradisi Etruria, terutama tentang pentingnya musik dan pertunjukan.

Genre Teater Romawi Kuno

Tragedi Romawi

Tragedi Roma awal tidak luput dari perhatian, meskipun pada saat itu banyak dipuji. Sejarawan mengetahui tiga tragedi awal-Ennius, Pakuvius dan Lucius Asius. Aspek penting di mana tragedi berbeda dari genre lain adalah realisasi paduan suara yang terkandung dalam aksi di atas panggung selama banyak tragedi.

Namun, sejak masa Kekaisaran, dua karya tragedi telah bertahan, salah satunya adalah penulis yang tidak dikenal, dan yang lainnya adalah filsuf Stoic Seneca. Sembilan tragedi Seneca selamat, semua tragedi mengerikan ((ular atau fabhur cothurnata adalah tragedi Latin orang Yunani)

Seneca muncul dalam tragedi Octavia, yang merupakan satu-satunya contoh Fabula praetexta (tragedi berdasarkan tema Romawi, aslinya diciptakan oleh Naevius), Oleh karena itu, drama itu disalahartikan sebagai Seneca sendiri. Namun, meskipun para sejarawan kemudian menegaskan bahwa lakon itu bukan salah satu karya Seneca, penulis sebenarnya masih belum diketahui.

Komedi Romawi

Semua komedi Romawi yang masih ada dapat diklasifikasikan sebagai fabula palliata (komedi berdasarkan tema Yunani) dan ditulis oleh dua dramawan: Titus Matthews Prautus (Plautus) dan Prilius Trentinus Afer (Terence). Tidak ada fabula togata (komedi Romawi di lingkungan Romawi) yang selamat.

Sambil mengadaptasi repertoar Yunani untuk dinikmati penonton Romawi, dramawan komedi Romawi membuat beberapa perubahan pada struktur karyanya. Terutama, peran penting paduan suara sebelumnya telah dibatalkan dan dipecah menjadi plot yang berbeda. Selain itu, musik pengiring ditambahkan sebagai pelengkap dialog drama. Tindakan dari semua adegan biasanya berlangsung di jalan di luar kediaman karakter utama, dan kompleksitas plot seringkali merupakan hasil penyadapan oleh karakter sekunder.

Baca Juga : Apakah Kalian Musik? Yuk Mengenal Lebih Dalam Apa Itu Musik

Prautus ditulis antara 205 dan 184 SM. Dua puluh komedinya bertahan hingga hari ini, yang paling terkenal adalah lelucon. Kecerdasan dialognya dan berbagai ekspresi puitisnya sangat dikagumi. Karena semakin populernya drama Plautus dan bentuk baru komedi tertulis ini, drama lanskap menjadi lebih penting dalam festival Romawi pada waktu itu, menempati tempat dalam acara yang sebelumnya hanya menampilkan balapan, permainan olahraga, dan pertempuran gladiator.

Keenam komedi yang ditulis oleh Terence antara 166 dan 160 SM masih ada. Karena kompleksitas plotnya, ia biasanya menggabungkan beberapa karya Yunani asli menjadi satu karya yang menuai kritik pedas, termasuk klaim bahwa hal ini telah menghancurkan aksara Yunani asli, dan ada juga rumor bahwa ia telah mendapat bantuan dari atasannya. Manusia sedang menyusun materinya. Faktanya, rumor tersebut mendorong Terence untuk menggunakan kata pengantar dalam beberapa dramanya sebagai kesempatan untuk memohon kepada penonton, meminta mereka untuk memahami karyanya secara obyektif dan obyektif tanpa didengar tentang gayanya. Dipengaruhi oleh pandangannya. . Ini adalah perbedaan mencolok dari kata pengantar tertulis dari penulis drama terkenal lainnya pada periode ini, yang biasanya menggunakan kata pengantar mereka sebagai cara untuk memulai plot.

Sejarah Teater Yunani Kuno Yang Wajib Untuk Dipelajari
Sejarah

Sejarah Teater Yunani Kuno Yang Wajib Untuk Dipelajari

americanplacetheatre

Sejarah Teater Yunani Kuno Yang Wajib Untuk Dipelajari – Drama Yunani Kuno adalah salah satu jenis drama budaya yang telah populer di Yunani kuno sejak tahun 600 SM. Athena, sebuah negara kota, menjadi tempat budaya, politik, dan agama yang penting selama periode ini dan menjadi pusatnya. Teater dilembagakan sebagai bagian dari festival yang disebut Dionysia, yang memperingati dewa Dionysus. Tragedi (akhir 500 SM), komedi (490 SM) dan satir adalah tiga bentuk teater yang muncul di sini. Festival Athena mengekspor festival ke banyak koloninya.

Sejarah Teater Yunani Kuno Yang Wajib Untuk Dipelajari

Etimologi

americanplacetheatre – Kata (“tragoidia”) berasal dari kata “tragedy”, yang merupakan gabungan dari dua kata Yunani: (tragos) atau “goat” dan (ode) yang berarti “lagu”, berasal dari (aeidein) , “Nyanyikan”. Etimologi ini menunjukkan hubungan dengan praktik pemujaan Dionysus kuno. Namun, tidak mungkin untuk mengetahui secara pasti bagaimana metode kesuburan ini menjadi dasar tragedi dan komedi.

Asal

Orang Yunani klasik menghargai kekuatan ekspresi lisan, yang merupakan metode komunikasi dan penceritaan utama mereka. Bahn dan Bahn menulis: “Bagi orang Yunani, bahasa lisan adalah sejenis makhluk. Itu lebih tak terbatas daripada simbol mati dalam bahasa tertulis.” Socrates sendiri percaya bahwa begitu sesuatu ditulis, ia kehilangan kemampuannya untuk berubah dan tumbuh. Karena alasan ini, mendongeng secara lisan tersebar luas di Yunani.

Tragedi Yunani seperti yang kita ketahui terjadi di Athena sekitar 532 SM, ketika Thespis adalah aktor paling awal yang tercatat. Sebagai pemenang kompetisi teater pertama yang diadakan di Atena, ia adalah mantan uskup atau pemimpin dihedron yang tampil di Attica dan sekitarnya, khususnya di pedesaan Dionysia. Pada masa Thespis, diasetamida telah jauh dari akar pemujaan. Di bawah pengaruh epik heroik, lirik paduan suara Doric dan inovasi penyair Arion, itu telah menjadi gaya rakyat naratif.

Baca Juga : Jenis-Jenis Teater Modern

Oleh karena itu, Thespis sering disebut sebagai “bapak tragedi”. Namun, kepentingannya kontroversial, dan menurut kronologi tragedi Yunani, Seth terkadang menduduki peringkat ke-16. Misalnya, politikus Solon dikenal karena menulis puisi di mana karakter berbicara dengan suara mereka sendiri, dan pertunjukan lisan epik Homer di Rhapsody populer di festival sebelum 534 SM.

Pertunjukan drama penting bagi orang Athena – jelas bahwa kompetisi dan festival yang tragis telah dibuat di kota Dionysia. Ini dapat dilakukan untuk menumbuhkan kesetiaan di antara suku-suku Attica (baru-baru ini dibuat oleh Cleisthenes). Festival musik didirikan sekitar 508 SM. Meskipun tidak ada teks drama sejak abad keenam SM, kita tahu nama tiga pesaing selain Thespis: Choreilus, Pratinas dan Phrynichus. Setiap orang dinilai memiliki inovasi yang berbeda di bidang ini.

Beberapa informasi tentang Phrynichus. Dia memenangkan pertandingan pertamanya antara 511 dan 508 SM. Dia menghasilkan tragedi dengan tema dan tema yang kemudian dieksploitasi selama zaman keemasan, seperti Danaids, Wanita Fenisia, dan Alcestis. Dia adalah penyair pertama yang kita tahu menggunakan tema sejarah-nya “Kejatuhan Miletus”, yang ditulis pada tahun 493-2, mencatat nasib Miletus setelah ditaklukkan oleh Persia. Herodotus melaporkan: “Orang Athena mengungkapkan kesedihan mereka yang mendalam untuk Milletus dalam banyak cara, tetapi terutama pada poin ini: ketika Philekius menulis sebuah buku berjudul” Milltus Seluruh teater menangis ketika naskah dan produksi “Kejatuhan Kejatuhan”; mereka Phrynichus seribu drachma, karena mereka memikirkan bencana yang sangat mempengaruhi mereka dan selamanya melarang pertunjukan drama. ”Orang-orang juga mengira dia adalah orang pertama yang menggunakan karakter wanita (meskipun bukan aktor wanita).

Sampai zaman Yunani kuno, semua tragedi adalah karya unik yang diciptakan untuk memperingati Dionysus dan hanya dimainkan sekali. Oleh karena itu, lagu-lagu yang kita miliki saat ini masih dikenang dengan baik oleh orang-orang, sehingga menjadi kuno Ketika tragedi itu diulang, lagu-lagu ini diulang kembali. (Kelangsungan hidup dan selera subjektif para pustakawan Helenistik pada periode selanjutnya dari sejarah Yunani juga berperan dalam kelangsungan hidup periode ini.

Penemuan baru dalam periode klasik

Semenjak hancurnya Athena dari Kekaisaran Persia pada tahun 480 SM, kota Agios Prokopios dan Akropolis dibangun kembali, teater diformalkan dan menjadi bagian yang lebih besar dari budaya dan kebanggaan masyarakat Athena. Abad ini umumnya dianggap sebagai zaman keemasan teater Yunani. Program inti tahunan Dionysia (Dionysia) adalah sekali di musim dingin dan semi, yaitu kompetisi antara tiga penulis tragedi The Dionysus Theatre. Setiap orang mengajukan tiga tragedi, dan sebuah satir (versi lucu dari tema mitologis). Dari game pertama tahun 486 SM, setiap dramawan mengirimkan komedi.

Aristoteles menyatakan bahwa Aeschylus telah menambahkan aktor kedua (agonis terdeuterasi) dan Sophocles telah memperkenalkan aktor ketiga (trigonis). Tentunya, berdasarkan pengetahuan tentang drama Yunani, para dramawan Yunani tidak pernah menggunakan lebih dari tiga aktor. Tragedi dan komedi dianggap sebagai genre yang sepenuhnya independen, dan drama tidak pernah menggabungkan kedua aspek ini. Sartre menangani tema mitos tragedi dengan cara yang tragis.

Arsitektur

Kebanyakan kota Yunani kuno terletak di perbukitan atau perbukitan di dekatnya, jadi tempat duduk biasanya dibangun di lereng bukit, menghasilkan area tampilan alami yang disebut teatron (secara harfiah “tempat tamasya”). Di kota-kota tanpa perbukitan yang cocok, banyak lahan telah terkumpul. Di kaki gunung terdapat ruang pertunjukan datar, biasanya melingkar dengan diameter rata-rata 78 kaki. Disebut orkestra (secara harfiah berarti “tempat menari”). Di sini, biasanya ada paduan suara yang terdiri dari 12 hingga 15 orang. Pertunjukan musik dengan iringan puisi. Biasanya ada pintu masuk melengkung yang tinggi, yang disebut parodoi atau eisodoi, di mana aktor dan anggota paduan suara masuk dan keluar dari orkestra. Di beberapa teater, di belakang orkestra terdapat dinding latar atau dinding berpemandangan indah, yang disebut skené. Istilah “ teater ” pada akhirnya mengacu pada seluruh bidang teater, orkestra, dan skene.

Periode Helenistik

Setelah kegagalan perang Peloponnesia melawan Spartan, kekuatan Athena menurun. Sejak itu, teater kembali menampilkan tragedi lama. Meskipun tradisi drama tampaknya telah kehilangan vitalitasnya, drama Yunani berlanjut hingga periode Helenistik (periode setelah Alexander Agung ditaklukkan pada abad keempat SM). Namun, bentuk utama dari drama Helenistik bukanlah tragedi, melainkan “new comedy”, yaitu sebuah film komedi tentang kehidupan warga biasa. penulis drama yang hidup pada periode ini ialah Menander. kontribusi paling penting dari komedi baru ini adalah pengaruhnya terhadap komedi Romawi, yang dapat dilihat pada karya-karya Prautus dan Terence yang masih ada.

Baca Juga : Chick Corea Legenda Musik Jazz Telah Meninggal Dunia

Adegan (Skene)

Setelah 465 SM, penulis drama mulai menggunakan dinding latar atau dinding lanskap yang digantung atau berdiri di belakang orkestra, yang disebut skênê (dari mana kata “adegan” berasal), dan juga digunakan sebagai area bagi para aktor untuk berganti kostum. Setelah 425 SM, dinding lanskap batu yang disebut paraskenia menjadi tonik umum untuk skênê. Talc adalah dinding panjang dengan sisi yang menonjol dan mungkin ada jalan masuk dan keluar. Di belakang prostesis adalah “prostesis” (“sebelum adegan”), yang mirip dengan prostesis modern. Cerita teratas disebut epistemologi. Beberapa teater juga memiliki tempat perkuliahan penting dalam orkestra yang disebut “logeion”. Pada akhir abad ke-5 SM, ketika Perang Peloponnesia meletus, skênê mencapai dua lantai.

Kematian karakter di balik skênê selalu didengar orang, karena dari sudut pandang penonton, membunuh karakter dianggap tidak pantas. Sebaliknya, beberapa ahli percaya bahwa alasan utama mengapa kematian dalam tragedi Yunani digambarkan di luar panggung adalah karena pertimbangan dramatis, bukan karena kehati-hatian atau kepekaan penonton. Kuil terdekat, terutama di sisi kanan panorama, selalu menjadi sisi dari teater Yunani. Sebagai transposisi, ini dapat membuktikan keabsahan pengulangan gunung dan pemandangan batu yang kemudian mengeras.

Jenis-Jenis Teater Modern
Artikel Berita Buku Program Sejarah

Jenis-Jenis Teater Modern

Jenis-Jenis Teater Modern – Teater sudah ada sejak berabad-abad lalu. Seiring berjalannya waktu, jenis teater telah bertransformasi menjadi teater modern di abad ini. Berikut beberapa jenis teater modern yang bisa Anda saksikan saat ini. Sebagian besar teater modern ini bisa dilihat di wilayah barat.
– Teater Bersubsidi
Teater modern semacam ini didanai oleh organisasi atau pemerintah. Teater paling bersubsidi hanya memiliki kapasitas tempat duduk kecil dan panggung yang lebih kecil. Berbeda dengan teater komersial, sistem produksi dan pengoperasiannya mungkin tidak sebesar komersial. Beberapa negara yang telah mensubsidi teater adalah Jerman dan Inggris Raya.

Untuk tumbuh dan berkembang, teater bersubsidi ini membutuhkan dukungan penuh dari pemerintah dan pecinta seni. Faktor utama dari banyaknya penutupan teater bersubsidi adalah karena kurangnya dukungan finansial dari pemerintah dan hilangnya minat terhadap peninggalan teater.

– Teater Komersial
Sesuai dengan namanya, jenis teater modern ini bertujuan untuk mendapatkan penonton yang banyak untuk mendapatkan keuntungan yang besar. Fokus utama teater komersial adalah hiburan yang berkaitan dengan nilai sosial, karya seni dan sastra yang menjadi sorotan dalam kehidupan sosial saat ini. Beberapa pusat teater komersial adalah kota-kota besar di dunia, seperti New York dan London.

Kota-kota besar menjadi tempat yang tepat untuk berkembangnya teater komersial karena padatnya penduduk. Teater komersial sepertinya mendapat peluang untuk berkembang pesat karena aspek ekonomi dan sosialnya. Banyak orang membutuhkan hiburan teater seperti banyak orang membutuhkanpermainan game online di sbobet link untuk dijadikan hiburan dan untuk menghilangkan stres dari kesibukan mereka. Itulah sebabnya teater komersial cenderung menampilkan properti dan kostum yang mewah selama pertunjukannya.

– Teater Non-Komersial
Hasil dari teater komersial pada abad ke-19 telah melahirkan teater non-komersial yang terkenal di Amerika Serikat dan Eropa. Teater non-komersial juga dikenal sebagai teater eksperimental. Ini adalah reaksi dari para pelaku seni seiring dengan meningkatnya popularitas teater komersial pada era itu.

Beberapa jenis teater modern yang bisa Anda saksikan saat ini adalah teater komersial, teater bersubsidi, dan teater non-komersial. Sesuai dengan namanya, teater modern bertujuan untuk menarik penonton secara besar-besaran untuk mendapatkan keuntungan yang besar. Teater bersubsidi ini didanai oleh organisasi atau pemerintah. Teater non-komersial juga dikenal sebagai teater eksperimental. Ini adalah reaksi dari para pelaku seni seiring dengan meningkatnya popularitas teater komersial pada era itu.

Menilik Perkermbangan Teater Modern di Indonesia
Artikel Berita Program Sejarah

Menilik Perkermbangan Teater Modern di Indonesia

Menilik Perkermbangan Teater Modern di Indonesia – Sejarah seni teater bermula saat masih berfungsi sebagai pengiring upacara adat atau keagamaan yang ada pada suatu wilyah tertentu. Seiring berjalannya waktu, fungsi teater mulai bergeser sebagai salah satu hiburan yang melegenda bagi seluruh masyarakat dunia sampai saat ini. Seni teater sendiri memuat adegan yang menunjukkan tentang kisah hidup seseorang dan dipertontonkan langsung kepada khalayak umum dari atas panggung berdasarkah naskah yang dibuat. Guna menghidupkan suasana teater maka pertunjukan pentas juga diiringi dengan berbagai macam gerak tarian dan musik. Tak heran jika pentas seni teater menjadi salah satu pertunjukkan yang ditunggu-tunggu oleh para pecinta seni.

Sutradara memegang peranan penting dalam pentas teater. Kehadirannya sangat diperlukan dalam pembuatan naskah,pemilihan pemeran, dan pementasan teater. Salah satu tokoh sutradara teater moderen Indonesia yang terkenal adalah Arief C. Noer. Pria kelahiran Cirebon ini selalu dinanti karyanya oleh para penggemar teater karena kemampuannya sebagai sutradara sekaligus penulis naskah skenario memang tidak perlu diragukan lagi. Berbagai pentas drama dan film yang disutradarainya pasti memiliki cerita yang sangat menarik. Bahkan beberapa karyanya juga berhasil menyabet penghargaan bergengsi yakni piala citra dalam kategori film terbaik, sutradara terbaik, dan penulis naskah skenario terbaik.

Bicara soal pemain teater, ada 3 jenis peran yang dimainkan teaterdalam pentas teater yaitu protagonis yang berkelakuan baik (biasanya diperankan oleh tokoh utama), antagonis (memiliki sifat jahat yang biasa diperankan sebagai musuh tokoh utama), dan tirtagonis (peran yang suka berubah sikap dari baik ke jahat atau sebaliknya). Pemeran yang dipilih dalam pentas teater harus memiliki kemampuan akting yang baik dan penuh penghayatan. Terdapat pemeran teater modern Indonesia yang sudah dikenyal banyak orang hingga menjadi bintang film atau sinetron terkenal, salah satunya adalah Teguh Karya. Ya, pria yang memili nama asli Steve Liem Tjoan Hok atau biasa disebut om Steve ini lahir di Pandeglang, Jawa Barat. Sebelum menjadi sutradara dan penulis skenario, beliau banyak menghabiskan waktunya dalam dunia peran teater dan film. Teguh Karya benyak sekali membintangi judul teater dan film seperti Djendral Kantjil (1958), Mak Tjomblang (1960), dan Ponirah Terpidana (1985). Meskipun menjadi pemeran kurang begitu bersinar seperti saat menjadi sutradar dan penulis skenario, tetapi banyak yang mengakui jika akting yang dimainkannya sangat totalitas dan menyentuh hati.

Teguh Karya memang dikenal sebagai pemeran pria terbaik dalam teater modern Indonesia. Sedangkan untuk pemeran wanita yang terkenal di dunia teater modern Indonesia adalah Ratna Sarumpaet. Wanita kelahiran Tapanuli Utara ini terkenal saat pementasan teater drama berbau politik yautu Marsinah Menggugat. Peran tersebut diambilnya sebagai langkah untuk memperjuangkan pengusutan pembunuhan Marsinah yang masih belum menemui titik terang hingga sekarang dan memperjuangkan orang-orang kecil dan marginal pada masa Orde Baru. Hingga saat ini, Ratna masih menjadi aktivis yang memperjuangkan demokrasi dan hak asasi manusia.

Kesuksesan pementasan teater memang tidak bisa dipisahkan dari tata panggung yang menarik. Tata panggung yang disesuaikan dengan alur cerita yang pas dapat membuat para penonton terbawa suasana sehingga benar-benar menikmati pentas. Tata panggung sendiri terdiri dari beberapa unsur seperti dekorasi pangung, properti, tata lampu, musik pengiring, dan penata rias. Kombinasi dari beberapa unsur tersebut akan dipadukan dengan kemampuan akting dari para pemain untuk menyajikan pertunjukan teater yang menghibur sesuai dengan cerita yang dimainkan.

Tokoh Yang Berperan Dalam Kemajuan Teater Modern Indonesia
Artikel Berita Program

Tokoh Yang Berperan Dalam Kemajuan Teater Modern Indonesia

Tokoh Yang Berperan Dalam Kemajuan Teater Modern Indonesia – Seni teater dikenal sebagai salah satu seni yang mempu memvisualisasikan imajinasi seseorang tentang tingkah laku makhluk hidup dan menyalurkannya dalam bentuk gesture tubuh atau akting. Berawal dari penggunaan teater sebagai kegiatan pengiring upacara keagamaan yang sakral, kini teater berkembang menjadi karya seni yang menghibur banyak orang. Sesuai dengan nama teater yang berarti seuatu gedung pertunjukkan maka perlahan-lahan teater mengalami evolusi mulai dari teater tradisional yang bersifat improvisasi/spontan karena tidak menggunakan naskah sampai teater modern yang meriah dan penuh dengan persiapan. Perkembangan dunia teater Indonesia memang tidak bisa dipisahkan dari kontribusi para senimannya. Siapa saja tokoh yang berkontribusi terhadap perkembangan dunia teater Indonesia ?. Simak ulasan lengkapnya di bawah ini.

Willibrodus Surendra Bawana Rendra atau yang dikenal sebagai WS Rendra merupakan tokoh dan sutradara yang berkontribusi besar dalam kemajuan dunia teater Indonesia. Pria yang lahir di Solo tanggal 7 November 1935 ini sudah aktif dalam dunia seni sejak menempuh pendidikan di Universitas Gadjah Mada, Yogyakarya. Mulai dari menulis puisi, naskah drama, cerita pendek, sampau esai sastra pun sudah beliau torehkan sejak masih muda. Kemampuannya yang brilian dalam hal seni sastra menjadikannya sebagai salah satu seniman yang bergelar Doktor Honoris Causa dari UGM. Bermula dari seni sastra, beliau mulai merambah ke seni teater dan mulai mendirikan Bengkel Teater di Yogyakarta pada tahun 1967 untuk mengakomodasi para pecinta seni teater. Berbagai karya drama teater yang berhasil dia tulis dan ikut memerankannya seperti Orang-orang di Tikungan Jalan (1854), Bib Bob Rambate Rate Rata (1967), SEKDA (1977), dan masih banyak lagi.

Arifin Chairin Noer merupakan dramawan, penyair, penulis naskah, dan sutradara yang berasal dari Cirebon kelahiran 10 Maret 1941 dan meninggal pada 28 Mei 1995 di Jakarta akibat penyakit kanker. Perjuangan karirnya di bidang seni mulai dituangkan dalam tulisan cerita pendek dan puisi sejak SMP. Semasa menempuh pendidikan, beliau juga mulai  bergabung dengan kelompok drama Rendra. Melalui kelompok tersebut beliau mulai menulis skenario dan menyutradarai lakon-lakon buatannya sendiri seperti Kapai-Kapai, Tengul, Madekur dan Tarkeni, serta Umang-Umang dan Sandek Pemuda. Pada masa kuliah beliau bergabung dengan Teater Muslim dan hijrah ke Jakarta pada tahun 1968 untuk mendirikan Teater Kecil . Beberapa karyanya berhasil memperoleh penghargaan dalam Festival Film Indonesia dan Piala Citra atas pencapaiannya sebagai sutradara dan penulis naskah terbaik.

Tokoh yang berperan dalam perkembangan seni teater Indonesia selanjutna adalah Jose Rizal Manua. Pujangga kelahiran Padang, 14 September 1954 ini memiliki dedikasi yang tinggi dalam mengenalkan dunia teater kepada generasi muda. Dikenal sebagai pendiri kelompok teater untuk anak-anak dan Teater Tanah Air yang berhasil mendapatkan penghargaan dari berbagai kompetisi lokal maupun dunia yang diikuti. Bahkan kelompok teater besutannya juga pernah memecahkan rekor muri sebagai grup teater dengan penghargaan internasional terbanyak. Atas segala bentuk prestasi yang berhasil diraih dan jasanyanya bersama kelompok Teater Tanah Air dalam bidang seni maka Presiden Susilo Bambang Yudhoyono memberinya penghargaan berupa Satya Lenccana Wirakarya pada tahun 2008. Kontribusinya di bidang seni tak hanya berhenti pada dunia teater saja, sejak tahun 1993-2009 beliau merambah dunia filmografi beberapa judul film berbahasa Indonesia, Inggris dan Belanda seperti Oeroeg (1993), Gorden van Smaragd (1997), Brownies (20050, Fiksi (2008) dan masih banyak lagi.

Mengenal Unsur Seni Teater Yang Wajib Kamu Ketahui
Artikel Berita Buku Program

Mengenal Unsur Seni Teater Yang Wajib Kamu Ketahui

Seni teater merupakan salah satu jenis seni tertua yang masih eksis hingga saat ini. Meskipun banyak sekali gempuran yang datang dari film maupun sinetron yang disiarkan melalui media elektronik tapi penikmat seni teater tetap akan selalu ada. Seni yang menampilkan pertunjukan drama tentang perilaku kehidupan manusia melalui dialog dan akting serta diramaikan dengan berbagai macam tarian maupun nyanyian secara langsung di atas panggung dan ditonton langsung oleh para penonton akan memberikan efek yang lebih menyentuh. Namun, tahukah kamu apa saja proses yang diperlukan agar seni teater bisa sampai tahap pementasan ?.

Proses awal yang dibutuhkan dalam pementasan teater adalah pemilihan naskah atau skenario yang berisi tentang alur cerita yang ingin pentaskan. Pemilihan naskah teater sebenarnya ditentukan berdasarkan jenis teater yang ingin ditampilkan, mulai dari teater dramatik, musikal, boneka, gerak, puisi dan wayang kulit. Salah satu penulis naskah teater modern terkenal asal Indonesia adalah Willibrodus Surendrea Barawa atau yang dikenal dengan WS Rendra. Beberapa judul teater dramatik terkenal yang menggunakan naskah garapannya antara lain Orang-Orang di Tikungan Jalan, Sekda (1977), dan Mastodon dan Burung Kondor (1972). Selain dikenal sebagai tokoh yang aktif berperan dalam seni drama, beliau juga berkontribusi bagi perkembangan dunia sastra di Indonesia.

Proses yang dilakukan selanjutnya adalah pemilihan pemain teater. Para pemain teater akan meminkan peran tokoh yang ada di dalam alur cerita. Tokoh yang terdapat dalam cerita biasanya terbagi menjadi pemeran utama, protagonis, antagonis, tirtagonis, dan pemain figuran. Pemeran utama memegang peranan penting karena bertindak sebagai tokoh utama dalam alur cerita yang selalu disorot dari awal sampai akhir. Beberapa aktor asal Indonesia yang sering memainkan peran sebagai tokoh utama antara lain Teguh Karya, Jose Rizal Manua, dan masih banyak lagi.

Perbedaan pemain protagonis, antagonis, dan tirtagonis terletak pada kepribadian yang akan dimainkan. Protagoni berkepribadian baik, antagonis berkepribadian buruk, dan tirtagonis yang bisa menjadi baik sekaligus buruk. Sedangkan pemain figuran merupakan pemain tambahan yang bertugas membantu para pemeran inti.

Proses pemilihan naskah dan pemeran dalam sebuah teater tidak bisa lepas dari peran seorang sutradara atau direktor. Tanggung jawab seorang direktur sangatlah besar mulai dari mencari naskah dan pemeran serta mengarahkan dan mempersiapkan para pemain agar bisa memerankankan diri sesuai dengan alur cerita. Bahkan sutradara juga bertanggung jawab mempersiapkan kru yang akan digunakan mulai dari tahap persiapan sampai pementasan. Salah satu sutradara teater terkenal yang berasal dari Indonesia adalah Arifin C. Noer. Beberapa teater yang beliau sutradarai seperti Serangan Fajar (1982) dan Taksi (1990) berhasil meraih penghargaan sebagai sutradara terbaik.

Sesuai dengan namanya, teater merupakan suatu tempat yang digunakan untuk pertunjukkan. Oleh karena itu, diperlukan persiapan yang matang agar tempat pertunjukan dapat menggambarkan kondisi cerita yang nyata. Proses penataan panggung biasa dilakukan oleh kru sesuai dengan tugas masing-masing. Kru pentas bertugas untuk memperseiapkan segala sesuatu yang berhubungan dengan pentas seperti dekorasi panggung, properti pementasan, dan perlengkapan lainnya. Kru properti bertugas untuk mempersiapkan peralatan dan perlengkapan fisik yang dibutuhkan seperti meja, kursi, dan lain-lain Sedangkan kru penataan bertugas sebagai penata panggung, tata rias dan busana pemeran, serta penata cahaya penggung. Melihat banyaknya unsur yang digunakan dalam sebuah seni teater menunjukkan bahwa seni ini sengat membutuhkan kerja sama dan kekompakan dari berbagai pihak.

Belajar Seni Teater, Yuk!
Artikel Berita Program

Belajar Seni Teater, Yuk!

Belajar Seni Teater, Yuk! – Mendengar kata “Teater” hal lain yang muncul di pikiran kebanyakan orang umumnya tentang pertunjukan, drama, atau cerita. Teater merupakan salah satu bentuk karya seni yang cukup populer di kalangan masyarakat. Pertunjukan seni teater biasanya berisi beberapa orang yang menyampaikan sebuah cerita dengan cara bermain peran.

Kata teater memiliki beberapa definisi menurut Kamus Besar Bahasa Indonesia. Definisi yang pertama adalah gedung atau ruangan tempat pertunjukan film, sandiwara, dan sebagainya. Dalam hal ini definisi teater berarti sebagai sebuah tempat. Definisi yang kedua adalah ruangan besar dengan deretan kursi – kursi ke samping dan ke belakang untuk mengikuti kuliah atau untuk peragaan ilmiah. Dalam definisi ini, teater juga diartikan sebagai tempat. Definisi yang ketiga dari kata teater adalah pementasan drama sebagai suatu seni atau profesi; seni drama; sandiwara; drama. Nah, pada definisi yang ketiga ini kata teater berarti sebuah kegiatan seni.

Dalam Bahasa Inggris, kata teater ditulis sebagai “Theatre” yang berhubungan dengan sebuah tempat pertunjukan atau gedung pertunjukan. Sedikit berbeda dengan drama, teater merupakan sebuah pertunjukan sedangkan drama berupa naskah yang ditampilkan. Dapat dikatakan pula bahwa teater merupakan wujud visualisasi dari sebuah drama yang ditampilkan di atas panggung serta disaksikan oleh banyak pemain.

Unsur – unsur teater
Sebagai suatu pertunjukan, teater memiliki beberapa unsur yang menyusunnya menjadi sebuah pertunjukan itu sendiri. Beberapa unsur tersebut adalah:

1. Skenario
Dalam Kamus Besar Bahasa Indonesia, skenario berarti rencana lakon sandiwara atau film berupa adegan demi adegan yang tertulis secara terperinci. Hal ini dapat diartikan bahwa skenario merupakan gambaran atau rancangan cerita secara tertulis. Namun, pada beberapa pertunjukan ada yang tidak menggunakan skenario alias secara spontan. Pada pertunjukan yang spontan, kemampuan improvisasi pemeran harus sangat baik agar isi cerita dapat tersampaikan dengan baik.

2. Staf produksi
Staf produksi ini merupakan unsur yang sangat penting. Staf produksi memiliki tugas berupa menetapkan tugas orang lain yang terlibat dalam teater. Selain itu, staf produksi juga dapat melakukan penetapan anggaran, fasilitas, hingga program kerja.

3. Pemeran
Yap! Sebuah teater tentu memerlukan pemeran untuk menyampaikan jalan cerita dalam bentuk aksi di atas panggung. Tanpa pemeran, bagaimana suatu teater akan terlaksana?

4. Sutradara
Sutradara adalah salah satu unsur teater yang sangat penting. Jalan cerita suatu pertunjukan teater diatur oleh seorang saudara.

5. Properti
Properti merupakan perlengkapan yang biasanya dijadikan sebagai pelengkap penampilan para pemeran dalam pertunjukan teater. Dengan adanya properti, isi cerita terasa lebih mudah disampaikan. Nuansa yang sesungguhnya dari adegan yang ditampilkan akan lebih terasa.

6. Desainer
Desainer umumnya bertugas mengatur properti, tata busana, dan semacamnya.

7. Crew
Crew adalah pemegang divisi dari sub bagian yang dipegang desainer.

Apa Fungsi Seni Teater?
Artikel Berita Program

Apa Fungsi Seni Teater?

Apa Fungsi Seni Teater? – Teater! Baru mendengar katanya saja sudah terbayang keseruan yang terpancar pada setiap pertunjukannya. Teater merupakan salah satu ‘tontonan’ yang sayang untuk dilewatkan. Bagi para pencinta seni teater, menonton teater dapat menghilangkan stres dan rasa lelah. Apalagi bagi seseorang yang beraktivitas selama seharian penuh, menyaksikan kisah pada pertunjukan teater dapat membuat penonton sejenak lupa dengan masalah yang bermunculan pada hidup.

Namun, benarkah teater hanya berguna sebagai media hiburan? Oh, tentu tidak! Seni teater merupakan salah satu seni yang melibatkan banyak orang. Tentu saja seni teater akan memiliki berbagai manfaat dan fungsi yang berbeda bagi setiap orangnya. Fungsi dan manfaat teater bagi penonton belum tentu sama dengan fungsi dan manfaatnya bagi para pemeran. Begitu pula sebaliknya.

Fungsi pertunjukan teater
Sebagai suatu pertunjukan, teater tentunya dilakukan untuk mencapai hal – hal tertentu. Seperti yang telah disinggung sebelumnya, fungsi teater dapat berbeda – beda bergantung pada individunya. Berikut ini ada;ah berbagai fungsi dari dilaksanakannya teater:
1.Sebagi media hiburan
Sebagai suatu karya seni yang berupa penyampaian cerita, teater dapat dijadikan sebagai salah satu cara menghibur diri. Jalan cerita yang disampaikan di dalamnya dapat membuat seseorang yang menyaksikannya sejenak lupa akan masalah yang dirasa. Penonton dapat tenggelam dan merasa terhibur saat menonton aksi para pemeran yang andal beraksi di panggung.

2.Sebagai saran berekspresi
Yap! Pertunjukan teater merupakan salah satu cara seorang pemeran berekspresi, menampilkan bakat, serta melakukan hobi. Seorang pemeran yang mengambil sebuah peran tentunya akan berusaha untuk menjiwai dan menampilkan kemampuannya dengan baik di atas panggung. Dengan begitu, apresiasi atas bakat yang dimilikinya akan diraih.

3.Sebagai cara meningkatkan rasa percaya diri
Tampil dihadapan banyak orang memang bukanlah hal yang mudah. Namun, saat seseorang telah terbiasa tampil di hadapan umum, orang tersebut akan merasa lebih percaya diri. Menampilkan sebuah cerita dalam pertunjukan teater juga bukan merupakan hal yang mudah pada awalnya. Tidak semua orang langsung dapat beradaptasi dengan panggung. Namun, setelah terbiasa tampil di panggung pertunjukan teater, tentu para pemain akan lebih percaya diri dan terbiasa untuk menghadapi perhatian para penonton.

4.Sebagai saran pendidikan
Suatu pertunjukan teater biasanya memiliki pesan moral yang diharapkan dapat memberikan pengaruh baik kepada orang yang menyaksikan pertunjukan tersebut.

Selain beberapa fungsi di atas, dari sebuah sumber dikatakan bahwa fungsi lain dari pertunjukan seni teater adalah sebagai upacara persembahan. Konon, masyarakat Yunani menggunakan teater sebagai sarana persembahan terhadap Dewa Dyonesos dan juga terhadap Dewa Apollo.

Wah, banyak sekali ya fungsi dari dilaksanakannya pertunjukan teater! Tertarik untuk bergabung dengan kelompok teater?

Jenis – Jenis Teater yang Harus Anda Ketahui
Artikel Berita Program

Jenis – Jenis Teater yang Harus Anda Ketahui

Jenis – Jenis Teater yang Harus Anda Ketahui – Apakah teater merupakan kata yang asing di telinga kebanyakan orang? Rasanya teater bukan merupakan kata yang asing lagi bagi kebanyakan orang, apalagi para penikmat seni. Teater sudah menjadi salah satu karya seni dari penulis-penulis yang cukup populer dan dijadikan salah satu tontonan wajib bagi mereka yang menyukai seni.

Sebagai suatu seni yang identik dengan nilai – nilai keindahan, teater menjadi salah satu sarana hiburan penghilang penat bagi beberapa orang. Dengan menyaksikan kisah – kisah unik yang disampaikan pemeran, beban kegiatan dalam seharian dapat hilang saat terhanyut dalam cerita di panggung teater.

Secara luas, pengertian teater adalah keseluruhan dari peran dan adegan yang dipertunjukkan di atas panggung di hadapan penonton. Sedangkan secara seni teater didefinisikan sebagai adegan yang menunjukkan kisah hidup seseorang. Kisah tersebut dipertontonkan di hadapan banyak orang di atas panggung sesuai dengan naskah yang telah dibuat oleh penulis.

Jenis – jenis teater
Teater merupakan sebuah karya seni. Karya seni sendiri wujudnya beragam. Semakin kreatif setiap pelaku seni, semakin banyak variasi pada hasil karya seni yang ditunjukkan. Begitu pula teater yang memiliki beragam jenis. Beberapa jenis teater yang biasa ditemui adalah:
1.Teater dramatik
Teater jenis ini benar – benar memerhatikan detail tempat dan latar belakang cerita yang akan dipertunjukkan. Teater jenis ini berusaha menyampaikan isi cerita dengan sangat nyata. Improvisasi sangat sedikit ditemukan dalam jenis teater dramatik.

2.Drama musikal
Teater ini tidak kalah menarik dengan teater dramatik. Pada drama musikal penonton akan melihat para pemain bernyanyi dan juga menari. Jenis teater yang satu ini merupakan gabungan dari seni peran, seni musik, serta seni tari.

3.Teater boneka
Berbeda dengan beberapa jenis teater lainnya, teater boneka tidak diperankan oleh manusia. Seperti namanya, teater boneka merupakan teater yang aksinya diperankan oleh boneka yang digerakkan oleh manusia.

4.Teater wayang kulit
Wayang kulit merupaka sebuah warisan budaya yang patut dibanggakan. Wayang kulit juga dapat menjadi bagian dari teater dalam pertunjukan wayang kulit. Teater wayang kulit tentu menggunakan wayang kulit sebagai pemeran dalam pertunjukan. Wayang kulit tentu tidak dapat bergerak sendiri, melainkan digerakkan oleh seseorang yang mahir yang disebut dalang.

5.Teater gerak
Tidak berbeda jauh dengan teater pada umumnya. Teater jenis ini juga berupa pertunjukan yang diperankan oleh para pemain yang telah profesional. Namun, teater ini lebih menekankan pada aspek ekspresi wajah. Bahkan pada jenis teater ini, sebisa mungkin unsur dialog ditiadakan. Hm, apa mungkin teater ini mirip dengan pantomim?

Nah, itu tadi beberapa jenis teater yang dapat dengan mudah ditemukan. Masih ada jenis teater lainnya yang merupakan bentuk kreasi dan kolaborasi dengan jenis karya seni lainnya.

Tips Untuk Penulis Naskah Teater
Artikel Berita Program

Tips Untuk Penulis Naskah Teater

Naskah teater yang lengkap dan inspiratif akan berkontribusi besar bagi keberhasilan pertunjukan teater. Naskah teater sendiri terbagi dalam banyak jenis, mulai dari naskah teater pendek, naskah teater panjang, dan memiliki tema yang berbeda. Beberapa teater yang sering dipamerkan di institusi pendidikan termasuk teater pendidikan, drama persahabatan, dan drama gaya Inggris. Apa pun teater yang akan Anda mainkan, sebenarnya, keberhasilan atau kegagalan teater ditentukan oleh naskah teater. Bagi Anda yang memiliki tugas menyusun naskah dialog teater, berikut adalah beberapa tips dasar dalam membuat teks skenario teater yang diharapkan dapat memberikan suntikan referensi bagi Anda yang membutuhkannya.

Pertunjukan teater sering mengangkat cerita yang ada. Kedua manuskrip tersebut adalah karya penulis naskah asing dan domestik. Namun, selain menggunakan skrip yang ada, kita dapat membuat skrip teater kita sendiri. Untuk membuat naskah teater sendiri, kita dapat mengambil beberapa langkah. Kita bisa mengambil tema cerita atau ide cerita dari pengalaman pribadi dan pengalaman orang lain. Kita bisa membuat pengamatan tentang kehidupan orang-orang di sekitar kita untuk mendapatkan ide cerita. Pengamatan ini dapat diselesaikan secara langsung atau tidak langsung. Pengamatan langsung selesai dengan mendekati langsung suatu acara. Pengamatan tidak langsung selesai dengan mencari informasi tentang suatu peristiwa dari majalah, surat kabar atau berita televisi.

Setelah tema atau ide cerita didapat, langkah selanjutnya adalah menentukan karakter cerita. Tokoh cerita adalah objek yang mengalami konflik dalam tema yang telah kita peroleh. Tokoh cerita dilengkapi dengan informasi lengkap dalam hal fisiologis, sosiologis dan psikologis. Selain kondisi fisik, usia, dan mata pencaharian, juga diperlukan untuk menentukan karakter. Setelah semua karakter dalam cerita telah ditentukan, kita dapat menentukan alur cerita dari tahap eksposisi, tahap komplikasi, tahap klimaks, tahap penyelesaian, hingga tahap keputusan. Setelah plot selesai, dialog dikembangkan dari masing-masing karakter yang mengalami konflik. Percakapan dalam teks dapat menciptakan perbedaan antara monolog dan dialog.

Tips Sukses di balik Pertunjukan Teater dan Penulisan Naskah Teater
Artikel Berita Buku Program

Tips Sukses di balik Pertunjukan Teater dan Penulisan Naskah Teater

Tips Sukses di balik Pertunjukan Teater dan Penulisan Naskah Teater – Satu panggung memiliki ribuan pertunjukan. Kalimat itu terasa tepat untuk menggambarkan makna di balik teater. Meski sekarang diperas oleh hiruk-pikuk musik modern, nyatanya bukan berarti teater telah kehilangan eksistensinya. Dalam pertunjukannya, teater tidak hanya membahas topik-topik serius, tetapi juga sering mengangkat kisah kehidupan sehari-hari sebagai tema yang layak diperlihatkan di depan banyak orang. Berbagai cerita disampaikan dengan “kemasan” yang menarik, sehingga tidak sedikit orang merasa terhibur dengan pertunjukan teater. Hiburan berbasis teater dapat menjadi “obat mujarab” bagi masyarakat di tengah “gejolak” dan hiruk pikuk dunia politik. Ketika ditelusuri lebih jauh, keberadaan teater itu sendiri tentu tergantung pada para pemain dan orang-orang di balik pertunjukan teater. Selain piawai berakting, para pemain teater Indonesia juga mampu menyampaikan makna di balik acara tersebut. Sedangkan penulis naskah harus dapat memberikan gambaran besar tentang situasi publik sehingga di satu sisi dapat mengedukasi masyarakat.

Dalam penulisan naskah, seorang penulis naskah diwajibkan untuk memasukkan semua imajinasinya ke dalam tulisan sehingga ia dapat membawa penonton “masuk” ke dalam situasi pertunjukan teater. Contohnya naskah tentang seorang pemain judi yang sering menghabiskan waktunya bermain casino untuk menjadi orang kaya agar tidak dihina dan diremehkan oleh banyak orang serta pada akhirnya dia berhasil mendapatkan jackpot sewaktu bermain sehingga dirinya menjadi orang kaya mendadak yang disegani. Naskah ini mungkin bisa membawa setiap penonton untuk masuk ke dalam cerita tersebut.

Setiap dde imajinasi harus dicari dan dikejar. Oleh karena itu, sangat penting bagi seorang penulis naskah untuk mengasah kemampuan imajinasinya sehingga bayangan untuk menggambarkan suasana drama semakin melekat dan kuat dalam pikiran. Sumber referensi yang digunakan dalam penulisan naskah drama bisa sangat beragam. Saat ini, banyak naskah drama dari luar negeri adalah pelopor atau inspirasi utama dalam pembuatan naskah kepulauan.

Semua referensi ini dapat sepenuhnya digunakan dalam pembuatan naskah drama. Namun, naskah yang sempurna akan kehilangan maknanya begitu aktor tidak memahami subteks drama. Secara umum, memahami teks memainkan peran yang sangat penting dalam mengeksplorasi makna di balik pertunjukan teater. Dibutuhkan pemahaman tentang subteks atau interpretasinya sendiri dari situasi yang terkandung dalam naskah drama sehingga aktor mampu melakukan drama dengan baik. Memahami subteks tentu akan jauh lebih mudah bagi aktor teater untuk mengingat serangkaian cerita drama yang dilakukan, dibandingkan dengan membaca naskah saja.

Teater dan Jenisnya
Artikel Berita Program

Teater dan Jenisnya

Teater adalah sejenis seni di mana orang memiliki cerita di dalamnya. Ini juga bermakna bagi seni. Ada banyak jenis teater dan di sini kita akan membicarakan hal ini. Teater Boneka, pertunjukan boneka telah ada sejak zaman kuno, sebagaimana dibuktikan oleh penemuan makam India, Mesir dan Yunani kuno. Boneka yang digunakan dalam pementasan biasanya untuk menceritakan legenda. Beberapa boneka menggunakan tongkat seperti boneka tali, ia digerakkan dengan memindahkan tempat kayu yang dilintasi lalu tempat tali boneka diikat. Salah satu teater boneka terkenal di Indonesia adalah wayang kulit.

Boarding Musikal & drama musikal adalah pertunjukan teater yang merupakan kombinasi dari tarian, musik dan akting. Drama musikal menampilkan tiga elemen dibandingkan dengan dialog dan para pemain. Kualitas pemain dalam drama musikal lebih terlihat dari harmoni lagu dan gerakan tarian. Drama musikal yang cukup populer yang kita kenal adalah drama kabaret dan opera. Dalam drama kabaret, jenis musik dan lagu dimainkan secara bebas sementara di opera, jenis musik yang dimainkan disertai dengan musik orkestra dan lagu-lagu yang dinyanyikan oleh seriosa.

Teater dramatis adalah pertunjukan berdasarkan drama drama. Perubahan karakter juga sangat diperhatikan. Situasi cerita dan latar belakang dibuat sedetail mungkin yang telah dirangkai dengan alur cerita dengan erat. Teater dramatis lebih fokus pada menarik penonton ke situasi cerita seperti kenyataan yang disajikan dan kualitas aksi aktor / aktris. Teater puisi adalah pertunjukan teater yang berfokus pada sastra puitis. Karya-karya puisi biasanya dibaca dalam puisi teater dan menampilkan nilai estetika puitis di atas panggung. Dan gaya panggung dan pemblokiran dirancang agar sesuai dengan makna puisi yang dimaksud. Para seniman membuat puisi teater untuk menunjukkan kreativitas mereka ke dalam permainan dan pengaturan artistik di atas panggung.

Share via
Copy link
Powered by Social Snap