Teater Memiliki Makna Dalam Kehidupan

Teater Memiliki Makna Dalam Kehidupan sehari-hari. Dari sekian banyak karya seni yang ada, teater adalah salah satu objek untuk menyampaikan aspirasi dan imajinasi banyak orang. Beberapa orang juga melakukan teater jika memberikan sindiran untuk pemerintah. Awalnya teater adalah tempat / studio seni tempat mempersiapkan seni pertunjukan. Istilah tersebu kemudian berkembang menjadi, Bangunan menampilkan drama atau film; Studio dan organisasi sekelompok orang yang aktif di bidang seni pertunjukan drama. Drama bukan dari segi karakter cerita, tetapi dari teknik pelatihan dan kreativitas.

Dalam perkembangannya, seni teater seperti bentuk seni lainnya memiliki beberapa peran. Ekspresi Media: Salah satu kebutuhan manusia adalah menyalurkan naluri untuk berekspresi melalui gerakan dan ucapan yang bermakna. Dalam kehidupan manusia selalu ada hal-hal yang menyebabkan kekacauan psikologis. Salah satu cara untuk menangani proses ini adalah dengan mengungkapkannya melalui peniruan / manipulasi bentuk kehidupan dan masalah manusia itu sendiri. Jadi, seni teater lahir dari Komunikasi Media dan seringkali memunculkan gagasan dan pesan yang akan disampaikan dalam bahasa langsung. Ketidaksiapan intelektual, emosional, dan spiritual ketika menerima informasi membuat tidak semua manusia ingin memahami atau menerima pesan, terutama yang bertentangan dengan minat mereka.

Penulis teater yang sering menghabiskan waktuya  kami bisa mengungkapkan dan memanipulasi realitas cerita secara jujur, adil / tidak memihak, secara komprehensif, sehingga dapat menyentuh hati nurani dan akal sehat manusia. Dengan pertunjukan yang menyentuh nilai-nilai kemanusiaan, kami berharap masih ada sisi baik dari manusia yang dapat menerima permohonan / gagasan untuk kebaikan bersama. Bentuk media komunikasi teater ini seringkali lebih efektif daripada komunikasi langsung dengan informasi yang tidak terlalu rumit. Dengan mempertimbangkan semua aspek persiapan yang mapan, teater dapat bertindak sebagai media komunikasi yang baik, Pengembangan Potensi Media dan Kreativitas: Potensi yang dimiliki oleh manusia tidak sama, sehingga kehidupan manusia saling melengkapi.

5 Tips Cara Menulis Review Drama Teater
Penulis Teater

5 Tips Cara Menulis Review Drama Teater

5 Tips Cara Menulis Review Drama Teater – Menonton pertunjukan teater adalah pengalaman yang luar biasa. Anda dapat menertawakan komedi, bernyanyi di musikal, belajar tentang sejarah, atau merasakan pahlawan tragedi. Drama adalah salah satu dari empat genre sastra. Ini menggunakan dialog antar karakter, bersama dengan arah panggung, akting, musik, pengaturan, dan kostum untuk menceritakan sebuah cerita.

5 Tips Cara Menulis Review Drama Teater

americanplacetheatre – Drama adalah kolaborasi antara penulis naskah, sutradara, aktor, teknisi cahaya, perancang kostum, dan semua orang di balik tirai. Anda perlu mengingat karakteristik drama ini jika Anda ingin belajar menulis ulasan teater.

Apa Itu Tinjauan Drama Teater?

Tinjauan teater adalah tanggapan kritis terhadap drama yang telah Anda tonton. Anda mempelajari, menganalisis, dan kemudian menghasilkan penilaian atau opini atas keseluruhan produksi. Satu hal penting yang perlu diingat adalah bahwa tinjauan kritis terhadap sebuah lakon teater tidak hanya berisi kritik.

Baca Juga : 6 Tips Menulis untuk Belajar Dari Teater

Melainkan menganalisis dan mengkontekstualisasikan produksi, menunjukkan aspek positifnya, dan memberikan saran saat memberikan kritik. Menulis ulasan teater adalah bagian penting dari proses mengapresiasi drama. Namun, apresiasi untuk teater juga diperlukan untuk menulis ulasan yang bagus.

Bagaimana Cara Menulis Review Drama Teater?

Di bagian ini, Anda akan belajar bagaimana menulis ulasan yang baik. Drama teater agak rumit untuk menulis ulasan karena Anda hanya bisa menontonnya sekali dan kemudian membuat analisis dan penilaian Anda dari ingatan. Karena itu, menulis sering kali dimulai bahkan sebelum Anda melangkah ke teater.

1. Baca dramanya

Bagian dari persiapan untuk meninjau sebuah drama adalah membacanya sebelum Anda pergi untuk melihat produksinya. Dengan cara ini, Anda memiliki pemahaman tentang elemen utama dari drama tersebut. Ketika Anda tidak perlu berusaha keras untuk memahami setiap dialog dan mengetahui apa yang terjadi di plot, Anda dapat fokus pada elemen produksi lainnya.

2. Lakukan beberapa penelitian

Sebelum Anda melihat pertunjukan, ada baiknya melakukan riset untuk memberi konteks pada pengalaman Anda. Namun, jangan berlebihan—pendapat orang lain dapat memengaruhi pengalaman Anda. Alih-alih melihat ulasan orang lain, lihatlah fakta drama tersebut:

Siapa yang memasang pertunjukan? Apa yang telah dilakukan perusahaan produksi ini di masa lalu? Siapa sutradaranya? Para aktor? Permainan macam apa itu? Misalnya, apakah itu juga sebuah film?

Hal-hal ini akan mengkontekstualisasikan drama. Misalnya, beri Anda gambaran tentang visi sutradara (dan mungkin juga penulis naskah). Anda dapat melakukan penelitian lebih lanjut setelah Anda menonton pertunjukan untuk membantu Anda membentuk pendapat Anda sendiri.

3. Menghadiri pertunjukan

Baca program sebelum pertunjukan, baca catatan sutradara dan biografi para pemeran. Ingat apa yang telah Anda baca ketika Anda memasuki tempat tersebut, bagaimanapun, ingatlah untuk tetap berpikiran terbuka juga.

4. Ambil catatan

Dengan drama teater, tidak ada dua pertunjukan yang sama. Plus, Anda tidak dapat memutar ulang seperti film. Untuk mengingat detail dan pemikiran Anda, buatlah catatan sebanyak mungkin. Detail ini akan membantu Anda menulis ulasan yang baik. Inilah yang harus Anda perhatikan:

  • Set desain dan kostum
  • Penampilan aktor (nada, diksi, gerak tubuh)
  • Efek khusus
  • Kesetiaan pada naskah

5. Menulis & mengoreksi

Seperti halnya segala bentuk penulisan esai, yang terbaik adalah memulai tinjauan kritis Anda dengan tesis dan garis besar agar pemikiran Anda tetap teratur. Mulailah dengan keseluruhan pengalaman atau pendapat Anda tentang produksi. Kemudian, mulailah mempertimbangkan berbagai elemen:

  • Naskah
  • Gaya pertunjukan
  • Aktor/Akting
  • Petir
  • Suara
  • Desain kostum
  • Tetapkan desain

Anda tidak harus menyentuh semua elemen ini ketika Anda menulis ulasan kritis Anda. Fokus pada elemen yang paling menonjol atau yang paling relevan dengan tesis Anda. Berikut adalah template ulasan teater:

pengantar

Berikan rincian faktual dari drama dan tesis Anda . Berikut adalah cara menulis pengantar .

Ringkasan

Berikan ringkasan plot—permainan macam apa itu dan tentang apa? Bicara tentang tema utama dan konflik, juga.

Tubuh utama

Untuk setiap elemen yang akan Anda tangani, Anda perlu mendiskusikan hal-hal berikut:Secara singkat, tetapi secara rinci, jelaskan aspek fisik pertunjukan. Jelaskan hanya detail dan adegan yang mendukung tesis Anda.Menafsirkan dan menganalisis elemen-elemen ini dan bagaimana mereka berkontribusi pada penggambaran cerita dan keseluruhan pengalaman.Evaluasi elemen-elemennya. Diskusikan bagaimana elemen-elemen tersebut melengkapi gaya dan format drama tersebut.Lihat panduan kami tentang cara menulis paragraf isi .

Kesimpulan

Ringkaslah ulasan Anda tentang drama itu dan elemen-elemen yang Anda diskusikan. Beberapa pertanyaan untuk dipertimbangkan:

Apakah eksekusi produksi berhasil? Mengapa atau mengapa tidak? Apakah produksinya layak untuk dilihat? Mengapa atau mengapa tidak?

6 Tips Menulis untuk Belajar Dari Teater
Teater

6 Tips Menulis untuk Belajar Dari Teater

6 Tips Menulis untuk Belajar Dari Teater – Saya telah belajar banyak tentang teater selama setahun terakhir melalui minat saya pada musikal, kelas teater kampus saya, dan berpartisipasi dalam beberapa kelompok teater. Sepanjang semua pengalaman ini, saya telah melihat banyak kesamaan antara melakukan atau menulis drama dan menulis cerita. Banyak tips menulis yang bisa kita ambil dari panggung.

6 Tips Menulis untuk Belajar Dari Teater

1. Anda harus siap berimprovisasi.

americanplacetheatre – Seorang aktor bisa melupakan dialognya kapan saja, alat peraga bisa hilang, efek suara bisa meledak pada saat yang salah, dan sejumlah hal lain bisa salah selama produksi. Para aktor dan kru harus siap untuk mengubah cara mereka mendekati permainan untuk kembali dari kesalahan ini.

Baca Juga : Ulasan The Musical Los Angeles: Pesta visual yang mewah dan dekaden

Hal yang sama dapat dikatakan untuk menulis. Bahkan jika Anda memiliki cerita yang diuraikan dengan sempurna, Anda mungkin berada di tengah-tengahnya dan menyadari bahwa Anda memang membutuhkan karakter itu tetap hidup, atau mungkin Anda membutuhkan lebih banyak kegembiraan untuk mempertahankan minat pembaca. Tidak peduli seberapa banyak Anda merencanakan ke depan, Anda harus siap untuk mengubah arah jika itu lebih sesuai dengan cerita.

2. Tidak ada bagian kecil.

Karakter yang hanya mendapat satu baris dalam sebuah drama masih bisa memiliki kekuatan untuk mengubah segalanya bagi protagonis Anda. Bahkan karakter yang tidak mengatakan apa-apa sama sekali dapat mengubah plot sepenuhnya. Jumlah waktu adegan yang diperoleh seseorang atau seberapa banyak dialog yang mereka lakukan tidak berkorelasi langsung dengan seberapa penting mereka.

3. Anda memberi makan audiens Anda.

Ketika seorang aktor masuk ke komedi, itu mungkin karena mereka ingin membuat orang tertawa. Jika seorang aktris memiliki adegan kematian yang dramatis dan tragis, mereka pasti ingin penonton meneteskan air mata. Ketika penonton merespon, itu mempengaruhi bagaimana aktor memainkan peran mereka.

Penulis dapat menggunakan audiens mereka untuk meningkatkan juga. Bagikan tulisan Anda dengan mitra kritik dan pembaca beta dan lihat bagaimana mereka menanggapi pekerjaan Anda. Apakah mereka bereaksi seperti yang Anda inginkan? Jika tidak, itu berarti ada pekerjaan yang harus diselesaikan. Mintalah mereka mengomentari tulisan Anda dan memutuskan apa yang harus dilakukan secara berbeda.

4. Cerita Anda memiliki beberapa babak dan klimaks.

Ini terutama berlaku untuk pekerjaan yang lebih lama. Biasanya, aksi satu berakhir dengan ledakan. Itu harus membuat penonton terengah-engah atau terisak atau tertawa histeris. Anda perlu memiliki klimaks mini dan meninggalkan mereka dengan emosi yang kuat dan cliffhanger sehingga mereka bertahan untuk babak kedua.Setelah Anda berhasil mencapai babak terakhir, Anda menjadi besar atau pulang. Klimaksnya harus lebih menggairahkan daripada yang ada di babak pertama dan akhirnya harus membuat audiens Anda puas.

5. Biarkan dialog Anda mengungkapkan sifat asli karakter Anda.

Tentu saja aktor membawa spin mereka sendiri ke karakter apa pun yang mereka mainkan, tetapi naskah dialog adalah tempat karakter pertama kali lahir. Apa yang karakter katakan, bagaimana mereka menanggapi karakter lain, semuanya bermuara pada kata yang diucapkan.Biarkan dialog Anda yang paling banyak berbicara. Siapa karakter Anda? Apa yang mereka katakan dan bagaimana mereka mengatakannya?

6. Anda tidak bisa langsung ke malam pembukaan.

Bayangkan menjadi seorang sutradara dan memberi tahu pemain dan kru Anda bahwa hari pertama mereka bekerja adalah malam pembukaan. Mereka pasti kaget dan panik, kan? Latihan mutlak diperlukan untuk membuat hari pertunjukan menjadi yang terbaik.Draf Anda sama. Draf pertama bukanlah produk akhir, tidak peduli seberapa pendeknya. Beberapa revisi adalah kunci untuk membuat cerita Anda mendekati sempurna. Ini mungkin proses yang panjang dan melelahkan, tetapi Anda akan merasa senang setelah selesai.

Ulasan The Musical Los Angeles: Pesta visual yang mewah dan dekaden
Film Teater

Ulasan The Musical Los Angeles: Pesta visual yang mewah dan dekaden

Ulasan The Musical Los Angeles: Pesta visual yang mewah dan dekaden – Seperti film Baz Luhrmann yang bombastis yang menjadi dasarnya , produksi panggung Moulin Rouge! The Musical (dimainkan di Pantages Theatre di Los Angeles hingga 4 September) penuh semangat, campy, dan lincah. Tentu saja, ketika Anda memulai pertunjukan dengan “Lady Marmalade”, sinyalnya jelas: Duduk, rileks, dan bersiaplah untuk kehilangan diri Anda sendiri pada “kebenaran, keindahan, kebebasan, dan cinta”.Berjalan ke Pantages, saya memiliki dua kekhawatiran: Apakah putri remaja saya akan tertarik dengan musikal gaya Luhrmann, penuh romansa, drama, dan lagu-lagu yang mungkin tidak dia ketahui? Dan apakah perombakan gaya Broadway dari kisah cinta Moulin Rouge akan berhasil untuk penggemar film seperti saya?

Ulasan The Musical Los Angeles: Pesta visual yang mewah dan dekaden

americanplacetheatre – Saya mendapatkan jawaban pertama saya dalam beberapa menit, ketika putri saya terpesona oleh desain set yang mewah, yang mencakup kincir angin di satu sisi panggung dan gajah di sisi lain: Ya, Gen Z bisa jatuh cinta dengan musik jukebox yang flamboyan ini. Tapi untuk semua kemewahan dan glamor acara, hubungan emosional yang membuat penonton jatuh cinta dengan film bisa terasa hilang di antara confetti, warna-warna cerah, dan angka-angka yang menarik.

Plotnya sedikit berubah dari filmnya. Christian (Conor Ryan), seorang penulis lagu muda dari Ohio, tiba di Paris dan berteman dengan Santiago (Gabe Martinez) dan Toulouse-Lautrec (André Ward), yang sedang menulis acara baru untuk teman dan mantan cintanya yang tak terbalas, headliner Moulin Rouge Satine ( Courtney Reed). Keduanya bertukar kata (yang akan terdengar akrab bagi mereka yang mengetahui soundtrack film tersebut), dan Toulouse menyatakan Christian sebagai seorang jenius dalam penulisan lagu.

Baca Juga : ‘Kematian Penulis’: Tinjauan Teater

Pemilik Moulin Rouge Harold Zidler (Austin Durant) telah mengalami beberapa kemunduran keuangan yang menempatkan klub dan artisnya dalam bahaya. Zidler tahu dia membutuhkan donor utama, dan dia tahu siapa yang harus dituju: Dia mengatur pertemuan antara Satine dan Duke of Monroth (David Harris), yang belum pernah dia temui. Ini adalah 1899 Prancis, dan di dunia di mana yang kaya dengan cepat membuang yang miskin, Satine telah belajar bagaimana bertahan hidup dengan menggunakan suaranya, penampilannya, dan tubuhnya. Dia setuju untuk bertemu Duke dan tahu itu terserah dia untuk menyelamatkan klub. Dia meyakinkan Harold bahwa Duke akan begitu tertarik padanya sehingga dia akan membiayai pertunjukan baru klub.

Disiapkan dan siap untuk bertemu Duke, Satine mengira Christian sebagai ayah gula potensial dan mendapati dirinya jatuh cinta pada penulis lagu yang manis. Ketika Harold membawa Duke yang sebenarnya, sudah terlambat – dia jatuh cinta dengan juru tulis yang tidak punya uang yang ingin menulis lagu untuknya. Keduanya menikmati perselingkuhan rahasia mereka, tetapi Duke dengan cepat menyadari bahwa Satine mungkin tidak memberikan hatinya kepadanya seperti yang dia yakini. Karena tidak terbiasa tidak mendapatkan apa yang diinginkannya, dia bersumpah untuk membalas dendam, dan Satine, yang memiliki rahasia fatalnya sendiri, harus memilih antara kehidupan cinta atau kekayaan.

Sutradara Alex Timbers melakukan pekerjaan yang luar biasa dengan mengadaptasi gaya visual Luhrmann untuk panggung, desainer pemandangan Derek McLane menghidupkan set dekaden, Justin Townsend menghadirkan desain pencahayaan yang menarik, dan Catherine Zuber memberikan kostumnya sentuhan yang mempesona. Para pemain kadang-kadang memecahkan dinding keempat, memperkuat bahwa penonton tidak hanya menonton musikal ini — melainkan, mereka adalah pelindung Moulin Rouge yang menjalani perjalanan tragis Satine.

Banyak versi film Moulin Rouge bergantung pada penonton yang percaya bahwa Satine dan Christian begitu jatuh cinta, dan mempercayainya ketika dia harus memilih nasib tragisnya. Namun, dalam pertunjukan panggung ini, kisah cinta tidak selalu bisa bersaing dengan lingkungan sekitarnya yang heboh. Kita dapat melihat kecemasan Christian dan rasa sakit Satine, tetapi nomor tarian mencolok dan lagu favorit karaoke menyelimuti 2 jam dan 35 menit pertunjukan (yang menampilkan sebuah buku oleh John Logan), membuat momen emosional mengambil kursi belakang ke kesenian yang dipamerkan. . Namun, sebagian besar masih berfungsi.

Ambil contoh pembuka Babak 2, “Backstage Romance”: Nomor ini merupakan perpaduan yang luar biasa dari “Bad Romance” Lady Gaga, “Toxic” Britney Spears, “Tainted Love” Soft Cell, “Seven Nation Army” White Stripes, ” dan Euritmik “Mimpi Manis (Terbuat dari Ini).” Pada malam pembukaan, penonton begitu larut dalam medley sehingga teater yang terjual habis meledak dengan tepuk tangan meriah sebelum not terakhir dimainkan, dan itu berlangsung beberapa menit.

Beyoncé, Sia, Rihanna, dan Katy Perry adalah beberapa tambahan kontemporer untuk buku lagu, dan mereka adalah jenis tambahan yang dapat memacu generasi baru untuk menemukan musikal. Andalan dari film seperti “Can Can Can,” “Your Song,” dan lagu cinta inti “Come What May” masih tetap ada. Anak remaja saya sekarang adalah penggemar berat Moulin Rouge! The Musical , meskipun saya tidak bisa membuatnya menonton film. Dan sementara saya akan selalu menyukai filmnya, panggung musiknya berbeda dan cukup menghibur untuk berdiri sebagai interpretasinya sendiri.

‘Kematian Penulis’: Tinjauan Teater
Film Penulis Teater

‘Kematian Penulis’: Tinjauan Teater

‘Kematian Penulis’: Tinjauan Teater-Setelah nyaris lolos dari akademi dengan hanya lutut yang basah kuyup sebelum tsunami strukturalisme menghantam dengan kekuatan penuh, kritikus ini cukup beruntung untuk merenungkan perairannya yang bergolak pada jarak yang aman selama dekade dominasi melingkarnya tanpa perlu berenang dengan berbahaya melawan arusnya. Sementara penerapan teori-teori semacam itu dapat menghasilkan beberapa wawasan asli dan perspektif yang tidak lagi baru, “postmodern” telah lama kehilangan inovasi revolusionernya untuk menjadi ortodoksi perguruan tinggi standar, menua menjadi cant dan klise. (Mari kita menahan diri sepenuhnya dari mengambil “post-postmodernisme” yang sekarang sama-sama tua).

‘Kematian Penulis’: Tinjauan Teater

americanplacetheatre-Apakah di antara kamu yang pemalu sudah berhenti membaca? Jangan takut pada materi yang kasar, karena penulis naskah Steven Drukman membuat humor dan drama yang sangat menghibur dan jernih dari studi yang tampaknya tidak masuk akal dalam pertunjukan perdana dunia yang menarik ini, yang tidak lebih sulit daripada kesuksesan populer seperti Bukti yang menggoda dengan penggambaran kehidupan ilmiah.

Baca Juga :5 Penulis Naskah Drama Legendaris di Masa Pasca Orde Baru

Kematian Pencipta mungkin telah mengambil judulnya dari esai mani 1967 oleh Roland Barthes , yang berpendapat bahwa kritik harus membebaskan kita dari prasangka memahami maksud pencipta, memahami arti dari setiap karya sepenuhnya dengan istilahnya sendiri, yang harus dipahami sebagai bisa berubah dan cair dari waktu ke waktu.

Tetapi Drukman juga seorang jurnalis, kritikus, dan profesor bersikeras untuk berusaha menjadi pengrajin yang teliti dari sebuah drama yang dibuat dengan baik, minatnya pada teori terutama untuk menyebarkannya sebagai metafora subversif untuk hubungan manusia, terutama asumsi kelas yang kita gunakan untuk merasionalisasi perilaku buruk kita terhadap satu sama lain dan untuk membenarkan diri kita sendiri atas ketidakbersalahan kita atas konsekuensi dari tindakan kita.

Mengingatkan pada David Mamet ‘s Oleanna mencetak empat karakter, bukan dua, dan akibatnya dengan lebih banyak peluang untuk variasi harmonik, Death of the Author dibuka dengan Jeff ( David Clayton Rogers dari Jane By Design and Border Patrol ), seorang anak muda dengan gaji rendah. asisten di universitas bergengsi, memanggil di atas karpet jurusan matematika pra-hukum yang istimewa, Bradley ( Austin Butler , The Carrie Diaries), untuk mengadili makalahnya tentang postmodernisme sebagai plagiarisme, yang akan mengganggu kelulusannya dan pekerjaan barunya.

Drukman memudahkan mereka berdua, dan penonton, untuk melihat satu sama lain sebagai perwakilan dari tipe yang dibenci: guru bersembunyi di balik proses prosedur yang diamanatkan, dan siswa yang berhak menganggap dia dapat membengkokkan sistem ke hak prerogatifnya.

Namun dengan cepat, ketika kepribadian dan agenda berbenturan, banyak komplikasi yang ditempa dengan halus menampakkan diri. Ini mengarah pada keterlibatan pensiunan ketua departemen, J. Trumbull Sykes ( Orson Bean , pada usia 85 menikmati peran sombong seumur hidup), mentor Jeff yang memanjakan, dan mantan pacar Bradley Sarah ( Lyndon Smith dari Parenthood ), secara akademis dan temperamental kontras dengan campuran ketidakamanan dan kesombongannya yang tidak tahu apa-apa.

Twistnya adalah bahwa Bradley, diakui sebagai otak kiri literal percaya diri, percaya dirinya untuk memenuhi tugas dengan mendekonstruksi kursus menjadi komposisi postmodern yang sebenarnya seluruhnya terdiri dari mencuri banyak kutipan sastra dan kritis tanpa atribusi individu. Dalam arti, ia telah menginternalisasi prinsip-prinsip yang diungkapkan tanpa memperhatikan konvensi pedagogik yang bisa dibilang ekstrinsik ke titik esensial postmodernisme.

Jadi politik akademis, kebencian kelas, karirisme idealis, trauma pribadi dan kesenjangan komunikasi generasi semuanya terhuyung-huyung pada kesalahpahaman mendasar di antara orang-orang, karena setiap orang berperilaku tidak masuk akal untuk apa yang mereka yakini sebagai alasan yang baik, yang hampir tidak menjadi masalah. Singkatnya, kepura-puraan bahwa niat dan kepribadian tidak relevan mendapat pukulan yang mengerikan, karena setiap individu menunjukkan dengan cara mereka sendiri bahwa konsekuensi tidak pernah tidak penting hanya karena tidak ada bahaya yang dimaksudkan.

Drukman akhirnya menyederhanakan konflik intim yang rumit ini demi resolusi keselamatan yang menyenangkan, namun ia menghormati integritas intelektual dari ironi dan paradoksnya dan dengan demikian menghormati baik penonton maupun kompleksitas kekuatan dan keterbatasan karakternya. Hal ini pada gilirannya pintar, gesit dan, sebagai klimaks mendekati, penuh dengan kecemasan petugas ketegangan untuk masalah hidup dikenali.

Selain kesenangan semata dari kejenakaan dan kecerdasan yang mencuri perhatian dari Bean, Butler pantas disebutkan secara khusus karena memberikan stereotip dangkalnya dengan tekad yang keras kepala dan kerentanan tanpa pengaruh yang mengekstrak dampak maksimum yang mungkin dari tulisan bagus yang menipu yang diberikan kepadanya.

Tempat: Geffen Playhouse, Westwood (berlangsung hingga 29 Juni)

Pemeran : David Clayton Rogers, Austin Butler, Orson Bean, Lyndon Smith
Sutradara: Bart DeLorenzo
Penulis naskah: Steven Drukman
Perancang set: Takeshi Kata
Desainer pencahayaan: Lap Chi Chu
Desainer kostum: Christina Haatainen-Jones
Desainer musik dan suara: John Ballinger

5 Penulis Naskah Drama Legendaris di Masa Pasca Orde Baru
Penulis

5 Penulis Naskah Drama Legendaris di Masa Pasca Orde Baru

5 Penulis Naskah Drama Legendaris di Masa Pasca Orde Baru – Hasanuddin WS menegaskan dalam bukunya “Drama Karya Dua Dimensi” bahwa lakon berjudul Berbasari karya Roestam Effendi yang ditulis tahun 1926 itu merupakan naskah drama pertama yang ditulis, katanya hampir bulat.

5 Penulis Naskah Drama Legendaris di Masa Pasca Orde Baru

americanplacetheatre – Hasanuddin juga membagi pengarang naskah drama Indonesia menjadi empat tahap: tahap pertama dari tahun 1926 sampai 1942.Diantaranya Utuy Tatang Sontani, Motoringgo Busye, Irjo Mulyo, Yusar Muscar, Achdiat K. Miharuja, Nah, setelah mengetahui tahapan-tahapan perkembangan naskah drama di Indonesia, mari berkenalan dengan lima penulis naskah pasca orde baru.

Baca Juga : Teater Terbaik di Dunia

WS Rendra

Dikenal juga sebagai Merak karena penampilannya yang selalu mempesona sebagai proklamator WS Rendra , nama asli WS Rendra ini dikenal dengan Willibrodus Surendra Broto, atau lebih sering disebut Rendra atau Willy. Penulis naskah ini lahir pada 7 November 1935 di Jawa Tengah, dan meninggal pada 6 Agustus 2009 di sebuah depot di Jawa Barat pada usia 73 tahun.

Berbicara tentang teater, nama Lendra tidak pernah terlewatkan. Bakat sastranya terlihat ketika Lendra masih muda. Ketika Lendra masih duduk di bangku SMP, ia menulis skenario untuk cerpen, puisi, dan drama dan mementaskannya di sekolah. Bahkan, karyanya telah dimuat di beberapa majalah sejak tahun 1952 dan berlanjut dari tahun 1960-an hingga 1970-an.

Bakat seni Lendra tampaknya berasal dari ibunya, Ayu Catalina Nice Madira, seorang penari serin di Keraton Surakarta. Ayah Lenda adalah guru tunggal sekolah Katolik bahasa Indonesia dan Jawa, sedangkan ayah Lendra adalah Cyprian Sugen Broto Atmojo. Saat masih duduk di bangku SMA, Lendra berhasil menyabet penghargaan pertamanya dengan menulis lakon “Orang Di Sudut Jalan” untuk kantor wilayah Kementerian Pendidikan dan Kebudayaan Yogyakarta.

Arifin C Noer

Dikenal dengan Arifin Chairin Noer, atau Arifin C. Noer, adalah seorang penulis naskah drama, sutradara, dan penyair kelahiran Cirebon pada 10 Maret 1941. Alifin tidak hanya dikenal sebagai penulis naskah drama Indonesia, ia juga aktif menulis cerpen dan puisi di industri perfilman Indonesia. Setelah itu, Alifin pindah ke solo, melanjutkan penelitiannya, dan bergabung dengan Lingkar Drama Lendra dan Paguyuban Sastrawan Surakarta.

Kemudian, pada tahun , Alifin melanjutkan penelitiannya di Yogyakarta. Di kota pelajar ini, ia berkesempatan menimba pengalaman di teater muslim di bawah bimbingan Mohammad Diponegoro. Alifin baru saja pindah ke Jakarta pada usia 27 tahun. Sekitar tahun 1968, ia membentuk perkumpulan teater eksperimental bernuansa keluarga yang disebut Teater Ketjil. Sehingga Alifin menjadi fenomena penting dalam sastra Indonesia.

Putu Wijaya

Saya lahir pada tanggal 11 April 1944 di Tabanan, Bali, dikenal sebagai Gustingrap Putu Wijaya atau Putu Wijaya. Dikenal sebagai penulis serba bisa yang bisa menulis drama, cerita pendek, esai, novel, dan skenario. Putu Wijaya telah menulis sejak duduk di bangku SMP, menulis sekitar 30 novel, 40 naskah drama, sekitar 1.000 cerpen, ratusan esai, artikel lepas, dan resensi teater.

Pada tahun 1968 ia muncul diBengkel Teater Lendra, dimana ia bermainan sebentar Vipbop dan Pozzo dalam sebuah drama menunggu Godot di Jakarta pada tahun 1969. Putuwijaya telah bermain di Sanger Bamboo Group sejak tahun 1959. Di studio, ia mengarahkan penampilan Lautan Singing pada tahun 1968. Setelah pindah ke Jakarta, Putu Wijaya bergabung dengan Perusahaan Teater Ketozil yang dipimpin oleh Alifin C. Noah. Putuwijaya juga berpartisipasi dalam grup teater populer yang dipimpin oleh Tugukarya.

Nano Riantiarno

Nano Riantiarno, panggilan akrab Norbertus Riantiarno, lahir pada 6 Juni 1949 di Cirebon. Kecintaannya pada teater dimulai saat masih duduk di bangku SMP dan menjadi anggota Seni TTA (Tunas Tanah Air) di Cirebon. Setelah itu, ia membaca puisi di salah satu sanggar RRI dan menjadi penulis naskah. Setelah lulus SMA, ia tinggal di Jakarta dan melanjutkan studi di Akademi Teater Nasional Indonesia dari tahun 1968 hingga 1970. The

Nano Riantiarno merupakan salah satu karakter teater orde baru yang penampilannya disambut baik oleh penonton. Nano Riantiarno memulai karir teaternya sebagai aktor, penulis skenario, penulis skenario dan sutradara. Karir pertamanya dimulai saat ia mendirikan Teater Populer bersama Teguh Karya.

Akhudiat

Dikenal sebagai penulis naskah pasca orde baru, Akdiat lahir pada 5 Mei 1946 di Banyuwangi, Jawa Timur. Siapapun yang mengenalnya hanya memanggilnya dengan nama Diat. Ketertarikannya pada dunia teater dimulai pada tahun 1962-1965 saat berada di Yogyakarta. Dia sangat tertarik dengan dunia teater dan ingin menulis naskahnya sendiri.

Tetapi pada tahun 1970, dia belum menulis naskahnya. Akhudiat selalu mengingat nasehat Arifin C. Jika Anda ingin menulis naskah untuk drama Anda sendiri yang ditulis oleh Akdiat, seperti Graffit (1972), Jaka Tarbes (1974), Luma Tak Bellatap (1974), Anda perlu membaca dan mempelajari percakapan naskah. ), Bui (1975), RE (1977), Putih dan Hitam (1978), Suminten dan Kang Lajim (1982).

Teater Terbaik di Dunia
Teater

Teater Terbaik di Dunia

Teater Terbaik di Dunia – Sebuah teater dapat memberi tahu Anda banyak hal tentang sebuah kota, karena sering kali tidak dapat dipisahkan dari jiwa masyarakat, budaya, dan sejarahnya. Dalam banyak kasus, teater agung adalah landmark atau ikon nasional, bangunan itu sendiri setenar aktor dan penyanyi yang tampil di dalamnya.

Teater Terbaik di Dunia

americanplacetheatre – Apakah Anda bisa melihat drama atau opera di perjalanan Anda atau tidak, teater memiliki cerita untuk diceritakan. Pesan tur di balik layar atau cukup lihat fasad megah dan bayangkan rahasia yang terkandung di dalamnya. Berikut adalah 10 teater terbaik di dunia, dari kuno hingga ultra-modern, masing-masing dengan sejarah yang menarik.

Gedung Opera Sydney, Sydney

Scene Sydney Opera House yang anggun adalah pemandangan yang tidak dapat dilewatkan di bawah bayang-bayang Sydney Harbour Bridge, di Bennelong Point. Ini adalah tengara yang paling banyak dikunjungi di Australia dan merupakan salah satu teater paling terkenal di dunia.

Baca Juga : Teater Tradisional Jepang

Dirancang oleh arsitek Denmark Jørn Utzon, yang memenangkan kompetisi arsitektur untuk visi petualangannya, Sydney Opera House dibuka pada tahun 1973. Namun pada saat pembukaannya yang megah, Utzon telah lama mengundurkan diri dari proyek karena meningkatnya biaya dan ketidaksepakatan dan tidak pernah kembali ke Australia untuk melihat bangunan yang sudah selesai.

Anda dapat bergabung dengan sejumlah tur, yang harus dipesan terlebih dahulu. Ada tur gedung opera, di mana Anda akan belajar tentang sejarah bangunan dan pertunjukan yang terjadi di sini, atau tur arsitektur, yang masuk ke konstruksi kompleks gedung.

Tur belakang panggung landmark Sydney ini membawa Anda ke balik layar dan dipenuhi dengan gosip dan intrik, sementara tur House After Dark yang misterius menceritakan kisah hantu dan roh yang berkeliaran di koridor, panggung, dan ruang ganti tempat tersebut.

Sydney Opera House terletak di situs yang disakralkan oleh orang-orang Gadigal selama ribuan tahun, sebuah fakta yang diakui di Badu Gili, narasi enam menit harian tentang kisah-kisah penduduk asli yang diceritakan dengan adegan dramatis dan penuh warna yang diproyeksikan ke layar saat matahari terbenam dan sepanjang malam. Jika Anda berada di Sydney untuk bermalam, Badu Gili adalah pemandangan yang indah.

Teatro Colón, Buenos Aires

Teatro Colón di Buenos Aires seanggun yang Anda harapkan di kota paling elegan ini, dibangun dengan gaya eklektik dan menempati satu blok penuh. Dibuka pada tahun 1908, gedung tujuh lantai yang megah ini memiliki akustik yang luar biasa sehingga dianggap sebagai salah satu teater terbaik di dunia, sama bergengsinya dengan La Scala di Milan atau Royal Opera House di Covent Garden London. Semua pemain hebat telah tampil di sini, dari Placido Domingo, Jose Carreras, dan Luciano Pavarotti hingga Joan Sutherland dan Maria Callas.

Di dalam, teater itu semua mewah beludru merah, emas, permadani hiasan, dan kaca patri yang indah. Tur berpemandu akan membawa Anda ke serambi setinggi dua kali, yang dilapisi marmer mewah berwarna dengan tangga menyapu ke Aula Emas yang didekorasi dengan mewah yang digunakan untuk musik kamar.

Aula Utama sangat menakjubkan dalam kemewahannya. Kubah yang dilukis dengan tangan berfungsi sebagai pusat, dari mana lampu kristal berkilauan dengan 700 lampu digantung. Anda juga akan melihat sekilas di balik layar ruang ganti artis, ruang latihan, dan toko kostum dan wig.

Teater Victoria, Singapura

Victoria Theatre and Concert Hall Singapura dibangun pada tahun 1862 ketika cakrawala kota akan terlihat sangat berbeda. Hari ini, itu adalah tengara Singapura dan fasad neoklasik abu-abu dan putihnya yang tampan kontras dengan gedung pencakar langit kota yang seperti kaca.

Teater ini awalnya dibangun sebagai balai kota dengan teater terpasang. Namun, segera, itu menjadi terlalu kecil untuk memenuhi kedua tujuan itu. Ratu Victoria meninggal pada tahun 1901 dan diputuskan bahwa aula peringatan akan dibangun di sebelah balai kota untuk menghormatinya dengan gaya Palladian yang sama dengan menara jam di tengah untuk menyatukan dua bangunan.

Apa yang akan Anda temukan hari ini di dalamnya adalah teater 614 kursi dan aula konser yang menampung 673, serta ruang latihan. Bangunan ini diperluas lebih lanjut pada tahun 1979 ketika sebuah galeri ditambahkan ke Memorial Hall, mengubah tempat tersebut menjadi rumah yang cocok untuk Singapore Symphony Orchestra yang bergengsi.

Hari ini, tempat tersebut menjadi tuan rumah konser klasik, film, teater, dan produksi tari, dan merupakan rumah bagi acara besar seperti Festival Piano Internasional Singapura.

Teatro Greco, Taormina

Taormina abad pertengahan di pulau Sisilia menutupi lereng bukit di atas resor tepi laut Giardini Naxos dengan gunung Etna yang tertutup salju sebagai latar belakang dramatisnya. Berjalan-jalan di jalan-jalan abad pertengahan akan membawa Anda ke salah satu amfiteater Yunani-Romawi terindah di dunia, Teatro Greco.

Sebuah tapal kuda yang sempurna, Teatro Greco dibangun pada abad ketiga SM dan dipotong menjadi batu tinggi di atas Mediterania yang berkilauan. Teater asli diyakini telah dibangun oleh orang Yunani kuno sebagai ruang pertunjukan dengan modifikasi yang dibuat oleh orang Romawi, yang menggunakannya untuk pertarungan gladiator di depan 5.400 penonton.

Reruntuhan panggung dan latar belakang sangat atmosfir, terutama mengingat keindahan pemandangan yang membuat jantung berdebar. Dengarkan alunan opera murni di malam yang sejuk saat matahari terbenam dan puncak Etna bersinar merah muda dalam momen keajaiban murni.

Ada program reguler konser opera dan pop di sini sepanjang musim panas, dengan pemain sebelumnya termasuk Sting, Dire Straits, Simple Minds, dan trio opera Italia Il Volo.

Teater Boneka Air, Hanoi

Pertunjukan di Teater Boneka Air Thang Long di Hanoi adalah bentuk seni yang unik di Vietnam. Pewayangan air berasal dari abad ke-11 ketika penduduk desa akan membuat pertunjukan menghibur di sawah yang tergenang air sambil berdiri setinggi pinggang di dalam air. Boneka mereka akan didukung pada tongkat panjang, memberikan ilusi bahwa mereka bergerak di atas air secara mandiri.

Pertunjukan hari ini menarik bagi penonton multibahasa, karena cerita rakyat kuno diceritakan oleh mime dan musik opera. Sebuah orkestra Vietnam mengiringi pertunjukan, menggunakan drum, simbal, lonceng kayu, dan seruling. Penonton dibawa melalui perjalanan kehidupan desa, panen, makhluk mitos, dan legenda, hanya dengan delapan dalang yang dengan cekatan menangani para aktor.

Pertunjukan berdurasi satu jam ini penuh warna dan sering kali lucu dengan penonton yang terpesona oleh keterampilan dalang dan seluk-beluk wayang, yang meliputi naga bernapas api, tukang perahu, dan kerbau. Ini adalah salah satu hal terbaik yang dapat dilakukan di Hanoi jika Anda mencari cara yang menarik dan menghibur untuk menghabiskan malam.

Shakespeare’s Globe, London

London memiliki sejumlah teater yang luar biasa, dari Royal Opera House hingga London Palladium dan Albert Hall. Salah satu teater paling terkenal di dunia adalah Shakespeare’s Globe.

Didirikan oleh mendiang sutradara visioner Amerika Sam Wanamaker, teater dibuka pada tahun 1997 di Bankside di tepi selatan Sungai Thames, di seberang Katedral St Paul. Gedung berkapasitas 1.570 orang itu dibangun seperti teater-teater pada masa Shakespeare, berbentuk bundar, tanpa atap dan panggung di tengah-tengah penonton.

Ada Teater Globe di tempat ini sebelumnya. Yang asli dibangun pada tahun 1599, khusus untuk mementaskan drama Shakespeare, tetapi terbakar pada tahun 1613. Tempat tersebut dibangun kembali dan digunakan sampai tahun 1642. Inkarnasi hari ini adalah reproduksi otentik, dibangun di atas bingkai kayu ek dengan atap jerami dan bagian luarnya bercat putih. dengan kapur.

Segala sesuatu tentang Shakespeare’s Globe sangat menarik, dari sejarah bangunan hingga fakta bahwa penonton selalu menjadi bagian dari pertunjukan, seperti yang terjadi di era Shakespeare—fakta yang juga disukai oleh para aktor. Jika Anda tidak dapat menyaksikan pertunjukan malam, ada banyak pertunjukan siang dan berbagai program tur dan lokakarya, termasuk sesi yang menghidupkan The Bard untuk anak-anak dan remaja.

Teatro La Fenice, Venesia

Teatro La Fenice, yang diterjemahkan sebagai “burung phoenix”, dinamai dengan tepat, karena gedung opera megah ini telah bangkit dua kali dari abu dan kanal hijau Venesia . Teater pertama dibuka di situs ini pada tahun 1792 tetapi dihancurkan oleh api pada tahun 1836. Gedung opera dibangun kembali dengan kecepatan luar biasa, dibuka hanya setahun kemudian pada bulan Desember 1837.

Opera yang ditulis oleh Rossini, Verdi, Bellini, dan Donizetti memiliki penampilan debut mereka di sini; baik Rigoletto Verdi dan La Traviata dipesan oleh La Fenice. Semua yang hebat dari abad ke-20 juga tampil di sini, dari Callas hingga Pavarotti. Pada tanggal 29 Januari 1996, La Fenice terbakar kembali, dan seperti sebelumnya, dibangun kembali dan dibuka pada bulan Desember 2003, seindah aslinya.

Di dalam, La Fenice sangat berornamen, gemerlap emas dan plesteran, langit-langit yang dicat, beludru merah, dan lampu gantung yang berkilauan. Ada juga pameran Maria Callas permanen, yang didedikasikan untuk tahun-tahun diva hebat di Venesia. Saksikan pertunjukan jika Anda bisa atau ikuti tur di balik layar untuk mempelajari asal usul tempat spektakuler ini.

Gran Teatre del Liceu, Barcelona

Gedung opera terkenal di Barcelona ini dibuka di La Rambla pada tahun 1847 dan telah menjadi ikon kota sejak saat itu. Tapi seperti La Fenice, itu telah diratakan dengan tanah dua kali oleh api.

Teater pertama, pada masanya yang terbesar dan paling canggih di Eropa, terbakar pada tahun 1861 setelah kebakaran di bengkel penjahit di tempat berkobar di luar kendali. Gran Teatre del Liceu yang dibangun kembali dibuka kembali pada tahun 1862 tetapi pada tahun 1994 dihancurkan lagi oleh api. Inkarnasi ketiga dibuka pada tahun 1999 dengan kinerja Turandot dalam pengaturan yang setia pada aslinya tetapi dengan mesin yang lebih berteknologi tinggi.

Anda akan melihat teater saat berjalan-jalan di sepanjang bulevar Rambla. Ikuti tur ke dalam untuk mengagumi tangga marmer yang berkilau dan tiang-tiang hiasan, gaya Florentine yang rumit di ruang depan, cermin yang diselamatkan dari api dan dipugar dengan hati-hati, dan Hall of Mirrors, yang pernah menjadi ruang pertemuan glamor bagi borjuasi Catalan.

Dengan lima tingkat dan kapasitas tempat duduk 2.292, auditorium utama terinspirasi oleh La Scala yang megah di Milan. Bergabunglah dengan tur di belakang panggung, yang meliputi panggung yang luas, ruang ganti, dan area teknis dan melukiskan gambaran yang jelas tentang kompleksitas luar biasa dari pementasan opera.

Palais Garnier, Paris

Gedung opera megah di Paris ini dirancang pada tahun 1860 oleh seorang arsitek tak dikenal bernama Charles Garnier. Sampai hari ini merupakan salah satu bangunan terindah di Kota Cahaya, mendominasi Place de l’Opera.

Palais Garnier adalah salah satu landmark utama Paris yang dikenal dan menjadi inspirasi bagi kisah Phantom of the Opera . Ikuti tur berpemandu dan Anda akan mengunjungi kotak-kotak di tingkat pertama, salah satunya milik Gaston Leroux, penulis buku tentang sosok bertopeng yang bersembunyi di katakombe di bawah Palais Garnier dan menjadi terobsesi dengan penyanyi sopran muda.

Bangunan itu sendiri benar-benar mewah. Lukisan dinding yang sangat modern oleh Chagall adalah pusat dari auditorium besar dan diterangi oleh lampu gantung perunggu dan kristal seberat delapan ton dengan 340 lampu. Di tempat lain, Anda akan melihat permadani yang menggambarkan adegan memancing dan berburu, bacchantes dan hewan menari, serta mosaik berkilauan dan patung artis terkenal.

Teatru Manoel, Valletta

Teater bersejarah Valletta dibangun pada tahun 1731 atas perintah Grandmaster Anton Manoel de Vilhena, sesuai dengan namanya. Saat ini, Manoel adalah salah satu teater kerja tertua di dunia, setelah selamat dari wabah, invasi, dan pengepungan. Anda akan melihatnya di Old Theatre Street di jantung Valletta .

Fasadnya relatif sederhana tetapi pastikan untuk meluangkan waktu untuk mengintip ke dalam selama tur. Teater ini kompak dibandingkan dengan beberapa gedung opera besar di ibu kota Eropa lainnya tetapi bagian dalamnya sangat indah, didekorasi dengan gaya rococo yang penuh hiasan dengan langit-langit trompe l’oeil biru pucat dan lampu gantung yang berkilauan. Kotak-kotak itu awalnya terbuat dari batu, yang tidak mungkin nyaman, tetapi kemudian diubah menjadi kayu dan dihiasi dengan daun emas.

Teater ini adalah rumah bagi Malta Philharmonic Orchestra, tetapi juga menyelenggarakan pertunjukan kontemporer dan klasik, termasuk pantomim keluarga saat Natal. Nama-nama terkenal yang tak terhitung jumlahnya telah tampil di sini, dari Joseph Calleja, penyanyi tenor terkenal Malta, hingga Sir Yehudi Menuhin, Dame Kiri Te Kanawa, dan Dame Moura Lympany.

Teater Tradisional Jepang
Uncategorized

Teater Tradisional Jepang

Teater Tradisional Jepang – Teater Jepang memiliki sejarah yang panjang dan kaya, tetapi gagasan untuk mengunjungi pertunjukan teater di negara asing dapat terasa menakutkan. Khawatir mereka mungkin tidak dapat mengikuti cerita di atas panggung karena kendala bahasa dan budaya, penonton teater potensial mungkin memilih untuk tidak mengambil risiko kekecewaan dan kehilangan kesempatan besar untuk membuat kenangan dan mengalami salah satu seni besar Jepang – terutama karena banyak teater siap untuk mengakomodasi pelanggan internasional dan membuat pertunjukan dapat diakses oleh mereka.

Teater Tradisional Jepang

americanplacetheatre – Panduan ini bertujuan untuk mengenalkan berbagai bentuk teater Jepang dan membantu dalam memutuskan pengalaman mana yang paling cocok untuk Anda.

Noh

Berasal dari abad ke-14, Noh adalah bentuk teater tertua yang masih dipentaskan hingga saat ini dan merupakan bagian dari Warisan Budaya Takbenda UNESCO. Tidak seperti kakak perempuannya Kabuki, Noh tidak pernah menjadi hiburan massal, awalnya melayani masyarakat kelas atas. Shogun Ashikaga Yoshimitsu adalah yang pertama dari banyak penggemar dan pelanggan setia Noh yang luar biasa. Selama periode Tokugawa (1603-1868), Noh mempertahankan perannya sebagai elit hiburan. Bahasa dan gaya penceritaan di Noh telah sangat dibakukan selama berabad-abad, sebuah tradisi yang berlanjut hingga hari ini.

Baca Juga : 13 Penulis Drama Teater Amerika Klasik Yang Harus Anda Ketahui

Secara tradisional, drama Noh sangat panjang. Satu program mencakup lima drama yang berbeda, dengan jeda komedi kyogen di antaranya. Sementara pertunjukan hari ini cenderung lebih pendek (bagaimanapun, penonton hari ini tidak terdiri dari tuan tanah feodal dengan rombongan pengikut dan pelayan untuk mengurus bisnis sementara tuan mereka menikmati hari di teater), pertunjukan itu sendiri belum berubah secara signifikan. Noh adalah pengalaman yang lambat, hampir seremonial di mana emosi disampaikan melalui gerakan yang sangat bergaya.

Kodifikasi ini lebih ditekankan oleh para pemain yang mengenakan topeng, salah satu fitur utama teater Noh. Topeng-topeng ini, yang dapat mewakili wanita, anak-anak, orang tua atau hantu, dapat “mengubah” ekspresi mereka dengan sedikit memiringkan kepala para aktor. Penampilnya secara eksklusif laki-laki, dan meskipun secara teoritis mungkin bagi perempuan untuk berakting dalam drama Noh hari ini, tradisinya kuat dengan bentuk teater kuno ini.

Lakon Noh sering kali didasarkan pada cerita tradisional, termasuk unsur supranatural. Protagonis ( shite ) dan rekannya ( waki ) didampingi oleh paduan suara ( jiutai ) dari 6-8 orang dan sekelompok instrumentalis ( hayashi ) dalam pakaian tradisional kimono dan hakama, bermain seruling dan drum.

Karena tidak ada tirai di teater Noh dan lampu biasanya tetap menyala selama pertunjukan, penonton melihat para aktor masuk dan keluar panggung melalui jembatan ( hashigakari ). Meskipun tidak ada set, para aktor yang berpakaian rumit menggunakan alat peraga bergaya seperti kipas.

Penggemar teater dapat mengalami Noh di National Noh Theatre dan Suigian di Tokyo, Ohtsuki Noh Theatre di Osaka, atau, dengan sedikit keberuntungan dan tekad, di salah satu panggung outdoor yang indah di kuil atau kuil.

Ketika kami mengunjungi Teater Ohtsuki Noh di dekat Istana Osaka pada tahun 2013, tidak ada panduan audio bahasa Inggris yang tersedia, tetapi teater tersebut memberikan informasi yang luas tentang seni Noh dan pertunjukan itu sendiri dalam bentuk pamflet bahasa Inggris.

Kabuki

Sama seperti Noh, kabuki adalah bagian dari Warisan Budaya Takbenda UNESCO. Lucunya, bentuk teater Jepang yang paling terkenal saat ini tumbuh dari oposisi terhadap “kekakuan” Noh, ingin “mengejutkan” penonton dengan cerita yang lebih modern dan cabul. Jika Noh adalah seni tinggi di Tokugawa Jepang, kabuki menandai kelahiran budaya populer. Orang-orang dari semua kelas bercampur di teater. Secara alami, shogun bukanlah penggemar.

Pada hari-hari awal setelah pertunjukan pertama pada tahun 1603, kabuki adalah domain murni perempuan. Kombinasi musik, drama dan tarian, kabuki wanita hanya bertahan selama 26 tahun sebelum dilarang pada tahun 1629 karena terlalu erotis. Solusi yang ada (ganti pemain wanita dengan anak laki-laki) tidak menyelesaikan masalah tidak pantas yang terkait dengan kabuki, yang menyebabkan aktor pria dewasa mengambil alih dan fokus beralih dari tarian ke drama.

Sementara beberapa grup wanita ada di Jepang saat ini, kabuki masih sangat banyak dicirikan oleh aktor pria yang memainkan semua peran. Aktor yang berspesialisasi dalam peran wanita disebut onnagata , dan mereka adalah bintang pertunjukan kabuki. Mengenakan kostum yang rumit dan mencolok, aktor kabuki tidak mengenakan topeng, tetapi riasan putih yang khas dengan detail kode warna (merah untuk pahlawan, biru untuk penjahat).

Meskipun kabuki dianggap jauh lebih modern daripada Noh di Tokugawa Jepang, kabuki yang kita lihat sekarang telah menjadi semakin bergaya. Untuk membentuk karakter mereka, para aktor melakukan pose berani dan berlebihan yang disebut mie, yang jika dilakukan dengan mengesankan disambut oleh penonton yang meneriakkan nama rumah aktor tersebut.

Hari ini, kami menganggap kabuki sebagai seni tinggi, tetapi selalu dikenal karena penggunaan efek khusus yang mengesankan, termasuk tahapan berputar, pintu jebakan, lift, dan mekanisme lain untuk pintu masuk yang mengejutkan dan transformasi mendadak. Berisi semua bahan untuk film blockbuster musim panas modern, kabuki menceritakan serangkaian cerita yang berbeda, dari sejarah (47 ronin) hingga domestik. Secara tradisional, kabuki telah berbagi banyak cerita dengan bunraku, karena kedua bentuk teater sangat mempengaruhi satu sama lain. Seiring waktu, banyak drama bunraku telah diadaptasi untuk kabuki, dan sebaliknya.

Tamu internasional dapat menikmati pertunjukan kabuki di Teater Kabuki-za di Ginza, Tokyo, yang menggunakan sistem teks subtitle yang sangat nyaman alih-alih panduan audio.

Untuk penggemar kabuki yang lebih menyukai pengaturan yang lebih tradisional, Kanamaru-za atau Konpira Grand Theater di Kotohira mengadakan pertunjukan di teater kabuki tertua yang tersisa di Jepang selama satu bulan dalam setahun, biasanya di musim semi. Sepanjang tahun, teater terbuka untuk umum (termasuk area belakang panggung), memberikan pengalaman yang luar biasa bagi para penggemar teater.

Bunraku

Terakhir, ada bunraku , teater boneka tradisional Jepang. Juga dikenal sebagai ningyo joruri , pertunjukan bunraku pertama diadakan di Osaka pada tahun 1684.

Bunraku tidak memiliki banyak kesamaan dengan teater boneka barat. Wayang yang tingginya bisa mencapai 1,5 meter ini digerakkan oleh tiga orang dalang yang harus memiliki keselarasan yang sempurna untuk menghidupkan karakter tersebut. Dalang kepala menggerakkan tangan kanan dan kepala, dalang kedua menggerakkan tangan kiri, dan satu lagi bertanggung jawab atas kaki dan tangan. Semua dalang beroperasi di atas panggung, terlihat jelas bagi penonton. Agar tidak mengalihkan perhatian dari lakon, para dalang yang menggerakkan tangan dan kaki kirinya berpakaian serba hitam, mengenakan kerudung. Hanya dalang kepala yang akan dibuka kerudungnya, menghormati tahun-tahun pelatihan sebelum pencapaian posisi terhormat ini.

Kepala boneka yang canggih terbuat dari kayu, dan beberapa di antaranya dapat berubah jika membutuhkan latar supranatural dari sebuah cerita.

Di sisi panggung adalah pelantun ( tayu ) dan pemain shamisen, yang keduanya merupakan bagian integral dari pengalaman. Hanya ada satu tayu dalam setiap permainan, dan itu adalah tanggung jawabnya untuk menghidupkan boneka. Memberi setiap karakter suara mereka sendiri dengan cara yang biasanya sangat dilebih-lebihkan untuk meningkatkan dampak emosional, pekerjaannya sangat menantang dan melelahkan.

Bunraku, yang berbagi beberapa cerita dengan kabuki, dikenal dengan drama bunuh diri para pecintanya dan tidak dimaksudkan sebagai bentuk teater untuk mendidik anak-anak, seperti yang mungkin diduga dengan penyebutan boneka. Sementara kabuki menawarkan panggung bagi aktor individu untuk bersinar, bunraku lebih setia pada naskah aslinya dan dianggap sebagai teater penulis.

Teater Nasional Bunraku di Osaka memiliki panduan earphone berbahasa Inggris untuk membantu pengunjung internasional mengikuti alur cerita dan memberi tahu mereka tentang makna simbolis penting dan kiasan musik untuk meningkatkan kenikmatan dan apresiasi.

Bagi penggemar bunraku internasional yang tertarik untuk mempelajari lebih lanjut tentang seni unik ini, Grup Boneka Tonda di Prefektur Shiga menyelenggarakan program pertukaran internasional untuk siswa.

13 Penulis Drama Teater Amerika Klasik Yang Harus Anda Ketahui
Penulis Teater

13 Penulis Drama Teater Amerika Klasik Yang Harus Anda Ketahui

13 Penulis Drama Teater Amerika Klasik Yang Harus Anda Ketahui – Ingin memoles teater klasik Amerika Anda? Tidak terlihat lagi dari daftar 13 penulis drama Amerika klasik yang berpengaruh. Penulis naskah di bawah ini telah memberikan kontribusi signifikan terhadap budaya teater Amerika melalui penggambaran mereka tentang Impian Amerika, rasisme, kemiskinan, identitas, feminisme, dan perjuangan pribadi, membantu membentuk teater Amerika yang kita kenal sekarang.

13 Penulis Drama Teater Amerika Klasik Yang Harus Anda Ketahui

americanplacetheatre – Dengan setiap penulis drama, kami telah menyertakan informasi dasar, beberapa trivia, dan drama yang paling terkenal.

Eugene O’Neill (1888 – 1953)

O’Neill adalah salah satu dramawan Amerika pertama yang memasukkan konsep realisme ke dalam dramanya — realisme yang memasukkan karakter pinggiran masyarakat, beragam dialek dan bahasa sehari-hari Amerika, dan ketakutan mendalam terhadap karakter realistis tersebut. Tujuan O’Neill adalah untuk melucuti teater Amerika dari sentimentalitas palsu dan menyajikan, lebih tepatnya, pandangan yang jujur ??tentang budaya Amerika. Dia dianugerahi Penghargaan Pulitzer dalam Drama pada tahun 1920, 1922, 1928, dan 1957 dan untuk Sastra pada tahun 1936.

Baca Juga : Penulis drama Jeremy O. Harris tidak melewatkan ‘teater di gedung’

George S. Kaufman (1889 – 1961)

Kaufman adalah penggemar satire, dan memasukkan jenis suara ini dalam banyak dramanya dan drama yang dia kerjakan dengan rekan penulis dramanya. Juga seorang sutradara dan produser, Kaufman menyutradarai drama dan musikal termasuk adaptasi panggung dari Of Mice and Men karya Steinbeck pada tahun 1937 dan Guys and Dolls pada tahun 1951, sebuah pertunjukan yang membuatnya mendapatkan Penghargaan Tony tahun 1951 untuk Sutradara Terbaik. Ia dianugerahi Penghargaan Pulitzer untuk Drama pada tahun 1932 dan 1937.

Thornton Wilder (1897 – 1975)

Drama Wilder berkonsentrasi pada kejadian biasa dalam kehidupan manusia dan peristiwa kosmik yang tampaknya menyelimuti mereka. Wilder juga terlibat dalam bidang hiburan dan pendidikan lainnya: akting, menulis opera librettos, film, penerjemahan, pengajaran, dan kuliah. Dia terkenal menulis draft pertama dari film thriller tahun 1943 Alfred Hitchcock Shadow of a Doubt. Wilder dianugerahi Penghargaan Pulitzer untuk Drama pada tahun 1938 dan 1942.

Lillian Hellman (1905 – 1984)

Drama Hellman banyak mengomentari isu-isu sosial seperti feminisme, penuaan, dan disfungsi keluarga. Dia dikritik habis-habisan karena simpatinya terhadap tujuan Komunis, dan berulang kali ditanyai tentang kecenderungan Komunisnya oleh House Committee on Un-American Activities (HUAC) tetapi menolak untuk menjawab pertanyaan apa pun yang mereka ajukan kepadanya. Dia kemudian masuk daftar hitam oleh HUAC, yang menyebabkan penurunan pendapatannya.

Tennessee Williams (1911 – 1983)

Dianggap sebagai salah satu dari tiga penulis naskah drama Amerika abad ke-20, Williams menggunakan hidupnya sendiri untuk menginformasikan isi dramanya. Karyanya, yang bersifat realistis, mengandung penyalahgunaan narkoba, alkoholisme, dan kekerasan dalam rumah tangga, yang semuanya ia alami pada suatu saat dalam hidupnya. A Streetcar Named Desire dan Cat on a Hot Tin Roof memenangkan Hadiah Pulitzer untuk drama masing-masing pada tahun 1948 dan 1955.

Arthur Miller (1915 – 2005)

Miller, salah satu penulis naskah drama terkemuka di teater Amerika abad ke-20, juga seorang penulis esai. Karyanya terutama berfokus pada keseimbangan antara individu dan masyarakat — bagaimana masyarakat memengaruhi individu dan bagaimana individu memengaruhi dunia di sekitar mereka. Tema dalam karyanya meliputi The American Dream, tanggung jawab sosial, kematian, dan tujuan manusia. Pada tahun 1949, ia dianugerahi Penghargaan Pulitzer untuk Drama untuk Kematian seorang Salesman.

Edward Albee (1928 – 2016)

Dikenal karena kecenderungan teaternya yang absurd, pengenalan Albee ke teater adalah pada usia yang sangat dini. Ayah angkatnya memiliki beberapa teater, dan di teater itulah Albee menyadari bahwa dia ingin menjadi penulis. Albee dianugerahi tiga Penghargaan Pulitzer untuk drama: A Delicate Balance (1967), Seascape (1975), dan Three Tall Women (1994). Dia juga menerima Tony Award untuk Lifetime Achievement pada tahun 2005.

María Irene Fornes (1930 – )

Seorang penulis drama terkemuka dari teater avant garde, Fornés lahir di Kuba dan berimigrasi ke Amerika Serikat ketika dia berusia 14 tahun. Pada tahun 1954, Fornés pindah ke Paris; ketika tinggal di sana, dia melihat produksi dari Samuel Beckett’s Waiting for Godot. Hal ini menginspirasinya untuk menjadi seorang penulis naskah drama. Drama Fornés berfokus pada masalah sosial dan pribadi, seringkali menggunakan teater sebagai pengalaman yang mendalam. Dia kemudian memenangkan Penghargaan Obie 1985 untuk Permainan Terbaik untuk karyanya, The Conduct of Life.

Lorraine Hansberry (1930 – 1965)

Warisan Hansberry di teater ditandai dengan fokusnya pada perjuangan orang kulit hitam Amerika, pembebasan Afrika, dan kebebasan seksual tahun 50-an dan 60-an. Hansberry tumbuh di sekitar intelektual kulit hitam terkemuka termasuk WEB Dubois dan Paul Robeson. Pada tahun 1959, Hansberry menjadi penulis drama Amerika termuda dan penulis drama wanita kelima yang menerima Penghargaan Lingkaran Kritikus Drama New York untuk Permainan Terbaik. Dramanya, A Raisin in the Sun, membuatnya mendapatkan kehormatan ini; dia berusia 29 tahun.

Adrienne Kennedy (1931 – )

Karya-karya Kennedy membahas rasisme, kekerasan, kekerabatan, dan keterasingan dalam kehidupan orang kulit hitam Amerika. Dia paling dikenal karena penggunaan surealisme dan cerita tanpa plot yang meminjam dari tokoh mitos, sejarah, dan khayalan yang membantu menggambarkan pengalaman manusia. Kennedy memenangkan dua Penghargaan Obie, satu pada 1964 untuk Distinguished Play for Funnyhouse of a Negro dan yang lainnya pada 1996 untuk Best New American Play for June dan Jean in Concert and Sleep Deprivation Chamber.

John Guare (1938 – )

Guare mulai menulis satu babak dan drama pendek yang menampilkan plot absurd dan komedi tinggi. Gayanya kemudian terfokus pada drama domestik yang sekaligus pedih dan komedi. Dramanya The House of Blue Leaves ditayangkan perdana di Off-Broadway pada tahun 1971 dan telah dihidupkan kembali beberapa kali sejak itu. Pada tahun 1991, Six Degrees of Separation memenangkan Penghargaan Obie untuk Permainan Terbaik dan menjadi finalis untuk Penghargaan Pulitzer.

David Mamet (1947 – )

Seorang anggota pendiri Atlantic Theatre Company, Mamet memenangkan Penghargaan Pulitzer untuk Drama untuk dramanya Glengarry Glen Ross pada tahun 1984. Gaya penulisan dialognya — garis pendek yang menampilkan karakter menggunakan bahasa secara manipulatif — telah dijuluki “Mamet berbicara”. Tulisannya seringkali berfokus pada persahabatan laki-laki dan cara bawah sadar di mana karakter menunjukkan kasih sayang satu sama lain, menunjukkan preferensi homoseksual di bawah kedok heteroseksual.

Agustus Wilson (1945 – 2005)

Karya Wilson membahas aspek komik dan tragis kehidupan Afrika-Amerika di Pittsburgh selama abad ke-20. Dramanya, masing-masing menggambarkan dekade yang berbeda, disebut The Pittsburgh Cycle . Karakter dalam drama Wilson sebagian besar didasarkan pada orang-orang yang dia temui ketika dia mulai melakukan pekerjaan kasar pada usia 16 tahun. Dia dianugerahi Penghargaan Pulitzer untuk Drama pada tahun 1987 dan 1990, masing-masing, untuk Fences dan The Piano Lesson , mantan pemenang Tony Award 1987 untuk Permainan Terbaik.

Penulis drama Jeremy O. Harris tidak melewatkan ‘teater di gedung’
Penulis

Penulis drama Jeremy O. Harris tidak melewatkan ‘teater di gedung’

Penulis drama Jeremy O. Harris tidak melewatkan ‘teater di gedung’ – Bagaimana teater akan mengatasi pandemi? Terutama dalam bentuknya yang lebih berani, ia akan selalu beradaptasi untuk menjangkau khalayak, kata Jeremy O. Harris.

Penulis drama Jeremy O. Harris tidak melewatkan ‘teater di gedung’

americanplacetheatre – “Suara-suara yang paling penting saat ini adalah suara-suara yang radikal dan yang menemukan cara untuk membuat suara mereka didengar, apa pun yang terjadi,” Harris, penulis naskah dan aktor di balik “Slave Play,” mengatakan kepada PBS NewsHour. “Mereka tidak membutuhkan gedung.”

Pandemi memaksa bioskop tutup di Broadway pada pertengahan Maret, menghentikan produksi hingga 2020. Dan ketika — atau jika — teater akhirnya dibuka kembali, aturan jarak sosial dapat membuat latihan lebih sulit dan akhirnya membatasi penjualan tiket.

Tapi Harris sedang menonton apa yang terjadi di luar ruang tradisional ini untuk teater langsung, memperhatikan “teater yang sangat jelas” yang terjadi di media sosial, di panggung digital dan “secara harfiah di jalan-jalan kita.”

“Saya sangat tertarik pada bagaimana teater, pada intinya, adalah tentang menyatukan orang untuk melakukan tugas sipil. Dan tugas sipil itu adalah tentang terlibat dengan beberapa bagian budaya yang mengubah atau membingkai ulang cara Anda melihat dunia tempat Anda berinteraksi setiap hari. Jadi mungkin, Anda bisa menjadi warga negara yang lebih baik,” kata Harris.

Pada usia 29, Harris membuat nama untuk dirinya sendiri ketika “Slave Play” memulai debutnya di Broadway tahun lalu. Disebut sebagai “mimpi demam antebellum”, drama tiga babak ini bercerita tentang sekelompok pasangan antar ras yang melakukan “terapi kinerja seksual” di sebuah retret. Drama tersebut memicu diskusi tentang ras, jenis kelamin dan kekuasaan, dan menghadapkan sejarah perbudakan barang.

Baca Juga : Penulis Drama Sanaz Toossi Membuat Teater

Setelah “Slave Play” selesai ditayangkan pada bulan Januari, Harris pindah ke London untuk produksi baru, “Daddy,” yang menavigasi perselingkuhan antara seniman kulit hitam muda dan kolektor seni kulit putih yang lebih tua dan kaya. Ketika Teater Almeida ditutup sementara pada bulan Maret karena pandemi, Harris memutuskan untuk tinggal di Inggris.

PBS NewsHour bertemu dengannya dari London Timur untuk membahas mengapa panggung bukanlah sesuatu yang dia lewatkan saat ini, bagaimana protes adalah bentuk teater, dan apa yang dapat dilakukan seniman muda untuk mengatasi selama pandemi.

Penyebaran COVID-19 telah menutup Broadway untuk tahun ini. Apa arti pandemi bagi teater langsung sekarang?

Saya pikir teater langsung tidak pernah pergi. Banyak orang sangat sedih karena beberapa bangunan ditutup, dan itu benar-benar membuat frustrasi. Ada fakta bahwa pekerjaan yang terjadi di gedung-gedung itu membuat atap di atas rumah-rumah penduduk dan memberi makan keluarga dan saya sepenuhnya mengakui dan menghormati itu.

Tapi saya pikir banyak keluhan tentang cara orang tidak bisa menonton musikal favorit mereka di Times Square, [ada] orang pergi ke teater yang sangat jelas yang telah terjadi di seluruh media sosial dan jenis digital. panggung dan secara harfiah di jalan-jalan kita.

Bahkan protes anti-COVID yang terjadi pada semua pekerja kulit putih di Michigan dan di Midwest, terhadap Black Lives Matter dan cara Black Lives Matter, saat itu mungkin menjadi tontonan terbesar untuk membuka dekade ini, Baik? Dan bukan “tontonan” dalam arti beberapa kedangkalan, tetapi tontonan dalam arti sebenarnya dari fungsi tontonan Aristotelesdalam “Puisi.”

Sesuatu yang penting bagi kita untuk mencapai katarsis, sesuatu yang penting bagi kita untuk mendapatkan momen pengakuan. Jadi saya rasa saya kurang tertarik dengan bangunan-bangunan itu. Saya tidak tertarik dengan apa yang terjadi dengan mereka sekarang, atau apa yang akan terjadi pada mereka nanti karena banyak dari mereka tampaknya tidak tertarik dengan apa yang terjadi di jalanan secara nyata. Jadi itu menunjukkan bahwa mereka memiliki lebih sedikit investasi di teater sebenarnya yang penting bagi hidup saya daripada teater yang mungkin penting bagi borjuasi, Anda tahu, penonton kulit putih yang kaya, yang biasanya mereka layani.

Apa yang Anda lewatkan tentang teater langsung dan komunitas fisik yang dibinanya?

Teater di gedung bukanlah sesuatu yang saya rindukan saat ini. Karena saya pikir begitu banyak hal tentang 2020 tentang refleksi dan pertimbangan ulang, dan melihat fakta bahwa, dalam 100 tahun terakhir, ada begitu banyak kontribusi luar biasa, transformatif, inventif ke panggung, dan menjadi gagasan tentang apa teater adalah atau bisa jadi, yang mengacu pada hal-hal dari 200, 300, 400 hingga 500 tahun yang lalu yang umumnya diabaikan oleh kompleks industri teater tempat saya menjadi bagiannya. Saya kurang tertarik untuk memikirkan teater di gedung-gedung dan apa yang saya rindukan tentangnya dan lebih banyak lagi tentang semua teater yang ada di sekitar saya dan apa yang telah saya pelajari darinya.

“Suara-suara yang paling penting saat ini adalah suara-suara yang radikal dan yang menemukan cara untuk membuat suara mereka didengar, apa pun yang terjadi. Sehingga mereka tidak membutuhkan gedung.”

Saya telah belajar banyak dari cara-cara di mana anak-anak dapat membuat panggung digital untuk diri mereka sendiri di TikTok, yang dapat membangun audiensi dengan cara yang sangat besar dan sangat diskursif ini. Saya sangat tertarik pada bagaimana teater, pada intinya, adalah tentang menyatukan orang untuk melakukan tugas sipil. Dan tugas sipil itu adalah tentang terlibat dengan beberapa bagian budaya yang mengubah atau membingkai ulang cara Anda melihat dunia tempat Anda berinteraksi setiap hari. Jadi mungkin, Anda bisa menjadi warga negara yang lebih baik. Saya melihat itu terjadi di Twitter pada momen-momen argumen diskursif ini, pada momen-momen opini ini, dan respons terhadap opini, dan kemudian respons terhadap respons terhadap opini. Itu telah menjadi teater yang lebih menarik dan nostalgia bagi saya daripada apa pun yang saya lihat di atas panggung dalam dua musim terakhir.

Jadi, apakah menurut Anda 2020 telah membawa dan bisa membawa perubahan yang sangat dibutuhkan di teater?

Saya tidak tahu bahwa teater telah membawa perubahan karena saya merasa begitu banyak perubahan harus berarti bahwa itu akan bertahan lama. Dan saya pikir, bagaimanapun, saya mengatakan bahwa hubungan saya dengan hal-hal itu telah berubah. Saya pikir ada seniman teater lain yang hubungannya telah berubah. Tapi saya tidak tahu bahwa dunia teater atau industri telah membuat atau tampaknya tertarik pada perubahan struktural yang sebenarnya.

Apakah menurut Anda teater radikal akan terpengaruh karena akan lebih sulit dibiayai?

Tidak, saya tidak berpikir teater radikal membutuhkan siapa pun untuk membiayainya. Teater radikal menemukan jalan. Dan teater radikal menemukan tempat. Teater biasa-biasa saja di sini akan lebih sulit untuk dibiayai karena jika Anda telah membuat sesuatu yang biasa-biasa saja, Anda tidak akan menempatkan diri Anda pada garis untuk membuat orang melihatnya. Sebaliknya, jika Anda membuat sesuatu yang radikal, Anda akan menemukan cara untuk menyampaikannya kepada orang-orang yang ingin Anda lihat.

Dan bagaimana dengan suara-suara muda dan baru? Apakah menurut Anda pandemi ini akan mengganggu kemunculan mereka?

Ini semua tentang bagaimana Anda melihat kemunculan, dan semua tentang bagaimana Anda melihat saat ini. Ini pasti akan berarti bahwa banyak penulis drama muda tidak akan bisa masuk ke musim teater di New York seperti yang saya atau Aleshea Harris atau Branden Jacobs-Jenkins atau penulis lain miliki selama dekade terakhir. .

Namun bukan berarti hidup atau karir mereka terhambat karena momen ini. Sebenarnya, pikirkan lagi. Suara-suara yang paling penting saat ini adalah suara-suara yang radikal dan yang mencari cara untuk membuat suara mereka didengar apa pun yang terjadi. Sehingga mereka tidak membutuhkan gedung.

Mereka tidak membutuhkan beberapa perusahaan teater dengan seperti tiga eksekutif Exxon di dewan eksekutif mereka untuk membayar mereka untuk melakukan pertunjukan pertama mereka, itu penting. Mereka akan bermain di ruang bawah tanah di atas Zoom. Dan entah bagaimana itu akan menangkap orang-orang yang seharusnya ditangkap karena mereka mungkin memecahkan cara sebenarnya untuk melakukan permainan dalam bentuk itu yang membuatnya merasa seperti Anda berada di teater lagi atau membuatnya merasa seperti Anda berada di sekolah menengah lagi , atau apa pun yang Anda butuhkan untuk terhubung ke bagian dari stagecraft yang Anda saksikan.

Setiap penonton akan merilis sesuatu yang berbeda untuk merasa seperti mereka telah dibangunkan dengan keindahan dan kompleksitas stagecraft. Jadi, orang atau suara-suara muda yang benar-benar penting saat ini akan membuang banyak hal yang telah dilakukan dan sukses untuk orang lain, lima tahun, tiga tahun, satu tahun untuk mereka dan membawa sesuatu yang sama sekali dan tanpa penyesalan. baru dan perlu.

Jadi, masa depan seperti apa yang Anda bayangkan untuk teater? Menurut Anda, ke mana arah teater masa depan? Apa yang akan terlihat seperti?

Aku tidak tahu. Banyak teater yang saya bicarakan adalah teater yang merupakan bagian dari masa kini dan masa depan, karena tidak disaksikan oleh cukup banyak orang di masa sekarang, bukan? Tidak diakui seperti itu oleh orang-orang di masa sekarang. Jadi saya pikir lebih banyak teater di masa depan akan terlihat dan terasa dan terdengar lebih canggung, kurang mudah, mungkin lebih berwawasan sipil daripada teater mana pun yang biasa kita tonton saat ini. Tapi sekali lagi, saya mungkin salah. Ini mungkin akan menjadi seperti tiga dekade “Cruel Intentions,” satu, dua dan tiga, musikal. Itu akan menjadi teater bagi masyarakat umum karena, sekali lagi, kapitalisme menemukan cara untuk membuat dirinya dikenal.

Saya bertanya-tanya apakah Anda dapat menangkap beberapa suara di sini, orang-orang yang menurut Anda menarik dan menjelaskan alasannya. Dua atau tiga nama suara radikal di industri.

Saya sangat senang dengan seorang penulis drama muda di London yang telah terhubung dengan saya. Namanya Jasmine Lee-Jones. Dia menulis sebuah drama berjudul “Tujuh Metode Membunuh Kylie Jenner” yang menggunakan Twitter sebagai salah satu bentuk utamanya dan atau bentuk penataan struktur dramatis utama.

Dan itu adalah permainan yang sangat menggembirakan dan indah tentang apropriasi dan kewanitaan muda kulit hitam. Hak perempuan kulit berwarna untuk memiliki kepemilikan kekerasan dan bahasa kekerasan. Itu salah satu hal baru favorit saya yang saya baca dalam beberapa saat. Dan saya banyak berpikir tentang seorang koreografer bernama Jonathan González. Karyanya berurusan dengan tubuh di tubuh , dan bagaimana kita saling memperebutkan kekuasaan dengan gerakan terkecil.

Penulis Drama Sanaz Toossi Membuat Teater
Penulis

Penulis Drama Sanaz Toossi Membuat Teater

Penulis Drama Sanaz Toossi Membuat Teater – Wish You Were Here  sebuah drama baru yang dibuka Senin di Playwrights Horizons di New York berpusat pada lima teman baik di Karaj, Iran, sekitar 30 mil di luar Teheran.

Penulis Drama Sanaz Toossi Membuat Teater

americanplacetheatre – Berusia 20-an di bagian atas pertunjukan dan di awal 30-an pada akhir, mereka tertangkap melakukan hal-hal yang dilakukan wanita muda: mengobrol, merokok, menembak, memaki, saling mencakar kaki, dan bertanya-tanya tentang masa depan mereka. Bahwa Perang Iran-Irak pecah di sekitar mereka adalah relevan tetapi tidak sepenuhnya menjadi inti dari cerita mereka, setidaknya tidak pada awalnya; mereka kebanyakan berpikir itu adalah hambatan. Namun perang dan waktu mengubah banyak hal.

Ketika saya berbicara dengan penulis drama Iran-Amerika berusia 30 tahun Sanaz Toossi pada awal April, baru dua minggu sejak English , drama yang berfungsi sebagai tesis MFA-nya di Universitas New York, ditutup setelah pertunjukan singkat tetapi dirayakan di Teater Atlantik Perusahaan. Dia mengalami tahun yang sangat sibuk, tetapi latihan yang menyenangkan untuk Wish You Were Here berjalan dengan baik. “Sungguh luar biasa akhirnya bisa melakukan drama ini setelah bertahun-tahun menunggu,” katanya kepada saya dari rumahnya di Brooklyn.

Baca Juga : Dramawan Teater Rusia

Dia merujuk, tentu saja, pada anggapan bahwa pandemi itu ditayangkan di teater langsung (Toossi dan sutradara Gaye Taylor Upchurch sebagian besar pemerannya dikumpulkan pada musim semi 2020), tetapi jalannya menuju penulisan naskah secara umum adalah perjalanan yang panjang. “Saya tidak pernah berpikir bahwa saya akan melakukan ini. Saya tidak tahu bagaimana orang melakukan ini,” katanya. “Saya akan pergi ke sekolah hukum dan menjadi gadis imigran generasi pertama yang baik. Tapi saya tahu saya tidak bisa.” Setelah lulus dari University of California, Santa Barbara—Toossi dibesarkan di Orange County—ia merasa terombang-ambing. “Saya benar-benar berjuang untuk melihat seperti apa kehidupan yang memuaskan nantinya,” katanya. “Tapi saya melihat drama 4000 Miles oleh Amy Herzog, dan saya terkejut bahwa sebuah drama bisa melakukan itu.”

Meskipun akting selalu “tampak mengerikan, dan masih tetap begitu”, teater telah menjadi daya tarik bagi Toossi sejak kecil. Dia menulis beberapa untuk dirinya sendiri sebelum memutuskan untuk “mengambil lompatan” dan mendaftar ke sekolah pascasarjana, dan dia diterima di Tisch dengan beasiswa. “Saya tidak pernah benar-benar melihat ke belakang sejak itu,” katanya.

Bahasa Inggris , yang berlangsung di ruang kelas di Iran saat siswa mempersiapkan diri untuk Tes Bahasa Inggris sebagai Bahasa Asing (atau TOEFL), berasal dari tempat pribadi; Toossi menyelesaikannya pada tahun 2018, marah dengan larangan Muslim Presiden Trump dan retorika anti-imigrasi yang penuh kebencian lainnya. “Saya hanya ingin sedikit berteriak ke dalam kehampaan,” katanya kepada The New York Timesdi bulan Februari. “Ini adalah hal yang besar untuk belajar bahasa yang berbeda, hal yang besar untuk melepaskan kemampuan untuk mengekspresikan diri sepenuhnya, bahkan jika Anda memiliki perintah penuh atas bahasa.” Dia merasakan beberapa kerentanan yang sama sebagai mahasiswa MFA, mencoba untuk mengartikulasikan visi kreatifnya. “Aku hampir lulus,” lanjutnya. “Saya ingin menjadi seorang penulis, dan [pertunjukan itu] mungkin juga muncul dari rasa tidak aman saya sendiri bahwa saya tidak akan pernah benar-benar memiliki kata-kata untuk mengatakan apa yang saya inginkan.”

Bahasa Inggris diterima dengan sangat baik ( The Washington Post menyebutnya “salah satu drama yang sangat lucu dan menarik yang memuaskan rasa ingin tahu yang tidak Anda ketahui”), sesuatu yang Toossi masih belum sepenuhnya membungkus kepalanya. “Saya pikir itu akan membawa saya bertahun-tahun untuk memproses apa pengalaman itu bagi saya,” katanya. “Kami seharusnya bisa bahasa Inggrisdi teater kotak hitam yang sangat kecil, dan kemudian pandemi terjadi, dan pengaturan dibuat, dan kami cukup beruntung untuk membawakan kembali pertunjukan di Atlantik di panggung utama.” Kesempatan itu menarik tetapi juga benar-benar menakutkan. “Ini adalah produksi pertama saya. Saya sangat senang tentang hal itu dan juga memiliki lubang di perut saya karena saya pikir itu berarti jika kami gagal, kami akan gagal cukup besar.

Namun yang terjadi justru sebaliknya, bahkan di tengah lonjakan omicron. “Kami mendapatkan pratinjau pertama kami, dan kemudian kami membukanya, dan tanggapan yang kami dapatkan sangat, sangat menyentuh,” kata Toossi. “Saya pikir kita semua sedikit terjatuh.”

Marjan Neshat, anggota lima orang pemeran bahasa Inggris yang akrab, menggemakan kejutannya yang menyenangkan. “Untuk melakukan drama yang tidak membedakan orang Iran dan di mana kami tidak ditugaskan untuk memberikan pelajaran sejarah, kami hanya hidup dengan jujur di dunia yang lucu, menyedihkan, dan romantis ini  dan itu menjadi hit… pikir salah satu dari kita pernah mengalaminya sebelumnya, ”katanya.

Wish You Were Here, yang ditulis Toossi dalam hiruk-pikuk selama minggu yang menegangkan di tahun 2019 ketika Trump menyetujui dan kemudian membatalkan serangan militer terhadap Iran, dibintangi oleh Nikki Massoud, Nazanin Nour, Artemis Pebdani, Roxanna Hope Radja, dan Neshat. “Saya pikir, sulit bagi saya untuk tidak beristirahat lebih lama di sela-sela pertunjukan,” kata Toossi. “Tapi saya bahkan tidak bisa membayangkan seperti apa Marjan. Saya suka bercanda bahwa dia tidak melihat keluarganya dalam setahun, dan saya tidak berpikir itu lelucon yang lucu , tapi saya masih sangat suka membuatnya.”

Karya tersebut mengacu pada pengalaman ibu Toossi dan teman-temannya selama perang, beberapa di antaranya tragis: Penghilangan selama bertahun-tahun dan kematian mendadak keduanya terinspirasi oleh peristiwa nyata. Namun aksi permainan terbatas pada saat-saat tenang antara yang besar, ketika Nazanin, Salme, Zari, Shideh, dan Rana berkumpul dalam kombinasi yang berbeda untuk mengejar ketinggalan. “Saya ingin tahu apakah ini sesuatu yang khusus untuk wanita, tetapi kami mengenal diri kami sendiri melalui mata wanita lain,” kata Toossi. “Begitulah cara saya memikirkan banyak karakter dalam drama ini.”

Dalam mengembangkan karakternya, Nazanin, Neshat yang pindah ke Amerika dari Iran sejak kecil beralih ke ibunya sendiri untuk mendapatkan wawasan. “Karena saya masih sangat kecil ketika perang dimulai, saya banyak berbicara dengannya tentang detailnya. Saya telah bertanya kepadanya bagaimana rasanya kebebasannya dirampas dan apakah dia harus pergi ke tempat perlindungan bom,” katanya. Namun, dia memuji tulisan Toossi karena keakrabannya yang mempengaruhi. “Hal yang dimungkinkan oleh penulis seperti Sanaz adalah membuka pintu ke dunia lain ini sehingga orang bisa datang dan melihat diri mereka sendiri,” katanya.

Memang, elemen-elemen tertentu dari drama itu berasal dari kehidupan Toossi: Satu karakter “didasarkan pada salah satu teman terbaik saya dan hal-hal yang dia katakan kepada saya dan cara-cara mengerikan saya menanggapinya,” katanya sambil tertawa. “Dan kemudian lelucon yang tidak pantas adalah milik semua orang, milik ibuku dan milikku, tapi aku menghargai mereka.” Faktanya, humor di Wish You Were Here—dan ada banyak sekali, tajam dan berkilau dan intim—meluas ke arah panggung suara Toossi juga. Karakter Nazanin digambarkan sebagai “semacam jahat”; Zari adalah “kasus luar angkasa, tetapi banyak tumbuh”; dan Toossi mencatat bahwa para aktor “harus merasa bebas untuk tertawa, melihat, berhenti memperhatikan sesuatu yang mereka anggap membosankan, dll.” “Tujuan terbesar saya dalam hidup adalah membuat arah panggung menjadi menarik,” katanya. “Saya pikir aturan sekolah lama adalah, seperti, lebih sedikit lebih banyak , tapi apa pun—saya orang Iran, dan lebih banyak lagi. Selalu begitu.”

Toossi memuji Upchurch, yang pertama kali dia temui untuk minum kopi yang berubah menjadi makan siang yang panjang bertahun-tahun yang lalu, karena bertahan dengan pertunjukan selama bertahun-tahun, karena itu meluncur dengan tidak pasti dari produksi panggung ke produksi Audible dan kembali. “Alasan saya ingin bermain teater adalah untuk dapat menulis cerita seperti ini untuk ibu saya dan wanita Iran lainnya dan saya sendiri, dan gagasan bahwa itu tidak akan pernah terjadi membuat saya melihat karir saya dengan keras,” Toossi mengatakan. “Salah satu hal paling menakjubkan yang dilakukan GT untuk saya adalah berpegang pada gagasan bahwa kami akan melakukan permainan itu.”

Wish You Were Here adalah “jenis permainan yang saya suka kerjakan karena berbagai alasan,” kata Upchurch. “Ini semacam menyentuh titik manis bagi saya. Saya sangat suka mengerjakan drama yang memprioritaskan misteri daripada kejelasan—yang melihat keberadaan biasa tetapi menemukan akses ke pertanyaan yang lebih besar melalui momen-momen kecil, yang hanya dilakukan oleh drama ini dalam sekop. Saya juga suka menemukan humor dalam kegelapan, begitu juga Sanaz. Saya pikir itu mungkin salah satu hal favorit saya yang dilakukan manusia—kita bisa melihat ke dalam jurang dan menemukan cara untuk tertawa.”

Dalam karyanya ke depan, Toossi berharap untuk terus menceritakan kisah-kisah yang paling berarti baginya: “Sangat penting bagi saya untuk melihat pengalaman saya tentang wanita tercermin di atas panggung,” katanya. Namun, mengingat keanehan beberapa tahun terakhir, penulis naskah muda itu tahu lebih baik daripada terlalu menentukan seperti apa bentuknya. “Saya pikir kita semua telah belajar melalui COVID bahwa karier Anda mungkin terlihat jauh berbeda dari yang Anda kira, dan ada rasa sakit di dalamnya, tetapi juga bisa ada kegembiraan dan kejutan,” kenangnya. “Jadi, siapa yang tahu apakah saya akan melakukan ini selamanya—tetapi saya senang melakukannya sekarang.”

Dramawan Teater Rusia
Penulis Teater

Dramawan Teater Rusia

Dramawan Teater Rusia – Pada pagi hari tanggal 19 April, dramawan Rusia Mikhail Durnenkov di Facebook-nya berharap tentara Rusia “mengalahkan dan menghancurkan”, dan Ukraina “kekuatan dan keberanian.

Dramawan Teater Rusia

americanplacetheatre – Sebagai tanggapan, ketua Serikat Pekerja Teater, Alexander Kalyagin, menyerukan agar penulis drama itu dikeluarkan dari Serikat Pekerja Teater dan berjanji untuk membahas masalah ini kepada komisi, yang akan bertemu pada 16 Mei.

Sejak tahun lalu, Durnenkov bekerja di STD sebagai sekretaris dramaturgi – yaitu, ia bertanggung jawab atas semua proyek yang terkait dengan mendukung penulis teater. Aktor dan wakil Duma Negara Nikolai Burlyaev berbicara lebih keras tentang penulis naskah dan menyerukan “membawanya ke pengadilan”, setelah itu dia memutuskan kontrak dengan DurnenkovSekolah Teater Seni Moskow, tempat dia mengajar. Pada awal Maret, penulis naskah dan istrinya, artis teater terkenal Ksenia Peretrukhina, berangkat ke Helsinki – mereka sedang mengerjakan drama di teater Finlandia Klockrike. Kritikus teater Anton Khitrov bertanya kepada Durnenkov tentang perpisahan dengan Rusia dan prospek di Eropa.

Alexander Kalyagin ingin mengeluarkanmu dari Serikat Pekerja Teater

Setelah saya mempublikasikan posting saya, saya mulai menerima ratusan ancaman. Saya menyadari bahwa beberapa mekanisme sedang berjalan. Secara harfiah satu jam, dan seorang sutradara dari teater Moskow mengirimi saya pesan: ada instruksi dari departemen budaya ibu kota – bahwa tidak boleh ada drama oleh Durnenkov dan Ivan Vyrypaev di Moskow. Saya menyarankan agar dia menghapus nama saya dari poster penampilannya – tiba-tiba itu akan berhasil. Saya bukan satu-satunya penulis pertunjukan, seratus orang lebih berpartisipasi dalam ini. Tidak adil jika mereka menutupnya karena aku. Antara lain, penting bagi saya bahwa itu terdengar di ruang Moskow.

Saya langsung menyurati seorang teman di STD: ayo keluarkan saya dari sekretariat. Setengah jam atau satu jam kemudian, dia menjawab: sudah terlambat, mereka menuntut reaksi publik dari kami. Lalu ada pertunjukan oleh Kalyagin, pemecatan dari Sekolah Teater Seni Moskow. Di bioskop yang saya peringatkan, mereka bereaksi berbeda: beberapa pertunjukan menurut teks saya ditutup, beberapa masih berlangsung, tetapi tanpa kepengarangan saya – mungkin tidak lama, tetapi saya masih senang tentang itu.

Baca Juga : Apa yang dilakukan Penulis Drama Teater ?

Semuanya terjadi dengan cepat – secara harfiah dalam dua atau tiga jam. Wakil Alexander Khinshtein berbicara . Tampaknya bagi saya bahwa jika mereka bertarung secepat kilat ketika mereka membatalkan saya, mereka sudah akan memandikan sepatu bot mereka di Samudra Pasifik. Tetapi, mungkin, keterampilan utama yang dapat dikembangkan oleh sistem manajemen kita – khususnya, Departemen Kebudayaan Kantor Walikota Moskow – adalah pembalasan terhadap orang-orang yang tidak pantas.

Anda telah berbicara menentang perang sejak hari-hari pertamanya

Saya tahu bahwa cepat atau lambat itu akan terjadi. Saya pertama kali memikirkannya segera setelah perang dimulai. Saya mulai menandatangani petisi, mengaturnya – jelas bahwa ini adalah jalan satu arah. Tapi tidak mungkin menjadi penulis dan berdiam diri. Jika saya diam, maka saya bukan penulisnya. Lalu siapa aku? Di sini sudah dimulai pertanyaan lain, ini adalah pilihan eksistensial.

Nikolai Burlyaev menyerukan penuntutan pidana Anda

Saya memeriksa Gosuslugi dari waktu ke waktu – jika tidak, saya tidak akan dapat mengetahui bahwa sebuah kasus telah dibuka terhadap saya, tetapi mereka tidak dapat mengirimi saya panggilan di Helsinki. Saya pikir itu cukup nyata. Setiap hari saya menerima kesaksian tentang penganiayaan terhadap orang-orang yang menentang perang. Teman saya punya kenalan yang seorang seniman grafiti, polisi mencari dia, dia bersembunyi, tetapi dia tidak meninggalkan aktivitasnya dan tidak pergi ke mana pun, yang membuat saya kagum. Satu hal yang harus dipahami: artis tidak punya pilihan lain selain menentang perang dan pejabat tidak punya pilihan lain selain menganiaya para pembangkang  kita semua adalah sandera dalam situasi ini.

Ternyata Kalyagin lebih dari seorang pejabat?

Situasi dengan Kalyagin menunjukkan bagaimana tugas lembaga publik di Rusia dibalik. Anak saya tidak masuk sekolah selama seminggu karena guru-guru Finlandia mogok kerja. Ini adalah cara yang sering dan efektif bagi serikat pekerja untuk membuat pekerja mereka terlihat oleh publik.

Ketika seorang pejabat tidak dapat bekerja dengan tenang karena seorang anak ada di rumah, ia memahami bahwa pekerjaan guru itu penting dan bahwa upah mereka layak untuk dipikirkan. Serikat Pekerja Teater adalah serikat pekerja. Tujuannya adalah untuk melindungi serikat pekerja, bukan aliran uang publik. STD melakukan banyak hal baik, ini bukan Serikat Penulis yang sudah mati, ini adalah organisasi yang hidup. Tetapi hari ini tidak mungkin untuk menghemat anggaran dan wajah.

Di Rusia, ada sedikit uang pribadi, semuanya tergantung pada negara – oleh karena itu, orang telah lupa bagaimana mempertahankan hak-hak mereka dan terbiasa membuat pilihan yang tidak berpihak pada hati nurani. Hari ini mereka menuntut untuk mengusir saya, besok mereka akan menuntut untuk menulis pengaduan. Sekarang direktur artistik teater negara diam tentang perang untuk menyelamatkan timnya. Dan besok dia akan kembali menghadapi pilihan serupa.

Dan begitu setiap hari. Anda hanya dapat meninggalkan jalan ini di awal, mengorbankan karir Anda. Ini terjadi dengan Pusat Meyerhold: Elena Kovalskaya mengumumkan posisi anti-perangnya, staf mendukungnya – tidak sehari pun berlalu sebelum teater dibubarkan . Tetapi masing-masing dari orang-orang ini dapat mengatakan apa pun yang mereka pikirkan.

Ketika Anda mencoba menjelaskan bagaimana sistem ini bekerja di luar negeri, semua orang terkejut. Tidak ada teater negara bagian di Finlandia seperti itu. Ada sistem hibah yang sangat berkembang di sini: menguntungkan bagi perusahaan yang memproduksi, katakanlah, bahan kimia rumah tangga untuk mendukung seni – untuk ini negara mengizinkannya membayar pajak lebih sedikit. Tidak menguntungkan bagi kita untuk menjadi seorang filantropis.

Di musim dingin, Satyricon mementaskan penampilan Yuri Butusov “R” berdasarkan “Inspektur Jenderal” Gogol, yang teksnya Anda tulis. Ini terjadi sebelum perang, tetapi meskipun demikian bagi saya tampaknya kenyataan Rusia menyebabkan keputusasaan hitam di tim Anda. Aku benar?

Ada perasaan bahwa negara telah mencapai titik di mana tidak mungkin lagi untuk kembali. Tapi kami tidak mengharapkan hal-hal menjadi buruk ini. Kami kekurangan imajinasi. Ya, situasinya semakin buruk – untuk kebebasan, untuk kreativitas, untuk manusia. Tetapi kita harus memberi penghormatan kepada pemerintah Federasi Rusia – terobosan dibuat sedemikian rupa sehingga kita, para seniman, sekarang mengangkat tangan.

Apa yang dilakukan Penulis Drama Teater ?
Teater

Apa yang dilakukan Penulis Drama Teater ?

Apa yang dilakukan Penulis Drama Teater ? – Seorang Penulis Drama sering kali bekerja di waktu mereka sendiri menulis drama yang kemudian dapat diterbitkan atau diambil oleh perusahaan teater untuk dipentaskan. Ada juga peluang bagi Penulis untuk ditugaskan oleh perusahaan untuk menulis drama berdasarkan brief mereka.

Apa yang dilakukan Penulis Drama Teater ?

americanplacetheatre – Apa tanggung jawab utama seorang Penulis Drama?

  • Untuk membuat dan menulis drama
  • Tulis sinopsis dan daftar karakter
  • Untuk tetap berpegang pada brief yang diberikan
  • Untuk dapat menceritakan sebuah kisah melalui kata-kata tertulis untuk teater
  • Bekerja dengan tenggat waktu yang ketat
  • Meneliti dan mengumpulkan data
  • Bekerja sama dengan Penerbit, Sutradara, dan Produser
  • Merancang ulang dan mengerjakan ulang drama

Kualifikasi apa yang saya perlukan untuk menjadi Penulis Drama ?

Baca Juga : Penulis Drama Teater di Prancis pra-revolusioner

Meskipun tidak ada kualifikasi khusus yang diperlukan untuk menjadi Penulis Drama, kursus ini dapat bermanfaat:

  • Penulisan drama
  • Penulisan naskah
  • Penulisan Kreatif
  • Literatur Inggris

Berikut adalah beberapa mata pelajaran yang dapat Anda pelajari di sekolah yang akan mengajarkan Anda beberapa keterampilan yang berguna untuk menjadi Penulis Drama:

  • Penulisan Kreatif
  • Studi Drama/Teater
  • Bahasa inggris

Keterampilan apa yang saya perlukan untuk menjadi Penulis Drama?

Ini adalah keterampilan yang diinginkan untuk menjadi kandidat ideal untuk pembukaan Dramawan:

  • keterampilan sastra
  • Keahlian komputer/TI
  • Keterampilan membaca bukti
  • Kemampuan untuk mendengarkan dan memahami pedoman
  • Berpikir kreatif
  • Ide-ide imajinatif
  • Manajemen waktu
  • Motivasi diri
  • Meneliti keterampilan

Seperti apa karir dalam penulisan naskah drama?

Sebagai Penulis Drama memulai, Anda akan menghabiskan sebagian besar waktu Anda sendirian, membuat dan menulis drama di waktu luang Anda. Anda kemudian dapat mengirim drama Anda ke bioskop atau perusahaan yang mungkin memutuskan untuk mengambil pekerjaan Anda dan menampilkannya. Setelah Anda memiliki pengalaman memainkan drama Anda, Anda mungkin mendapatkan kesempatan untuk ditugaskan oleh teater atau perusahaan untuk menulis drama untuk mereka. Anda juga bisa mendapatkan Agen Sastra dan Penerbit untuk menerbitkan karya Anda. Beberapa Penulis Drama juga merupakan Aktor, Sutradara dan/atau Produser juga.

Berapa penghasilan seorang Penulis Drama?

Sebagai pekerja lepas, Anda dapat menegosiasikan biaya Anda dengan perusahaan, ini biasanya didasarkan pada durasi pertunjukan, ukuran penonton, dan harga tiket. Jika permainan Anda dipublikasikan maka Anda akan mendapatkan keuntungan dari penjualan permainan Anda.

Bagaimana menjadi freelancer di teater

Apa itu freelance?

Bekerja sebagai pekerja lepas atau pekerja lepas berarti bekerja berdasarkan kontrak untuk berbagai perusahaan daripada menjadi karyawan satu perusahaan. Freelancer sering wiraswasta.

Ada banyak peran di teater yang dapat Anda lakukan sebagai pekerja lepas daripada kontrak permanen. Ada banyak keuntungan yang didapat dengan menjadi pekerja lepas termasuk fleksibilitas untuk melakukan pekerjaan yang menginspirasi Anda. Sebelum Anda menetapkan diri untuk bekerja sebagai pekerja lepas, ini adalah empat hal utama yang perlu Anda ketahui.

Jaringan/promosi diri

Pikirkan diri Anda sebagai bisnis; produk yang Anda jual adalah diri Anda sendiri dan kerajinan Anda. Kenali apa kekuatan Anda sehingga Anda tahu bagaimana meningkatkan diri Anda sendiri, dan juga memahami di mana letak kelemahan Anda sehingga Anda dapat mengatasinya.

Memiliki kepercayaan diri untuk mendekati orang dan mendiskusikan peluang adalah penting sebagai pekerja lepas. Memiliki kartu nama dengan rincian kontak Anda dan deskripsi singkat tentang apa yang Anda lakukan adalah titik awal yang baik dan memberi Anda alasan untuk mendekati seseorang.

Berjejaring bisa menjadi hal yang menakutkan, tetapi ingatlah bahwa orang hanyalah manusia biasa dan terkadang hanya melakukan percakapan singkat dan memperkenalkan diri dapat membuat perbedaan besar. Jika Anda menonton pertunjukan teater yang Anda sukai dan memiliki kesempatan untuk bertemu dengan Sutradara, Produser, atau Direktur Artistik setelahnya, maka tidak apa-apa untuk mendekati mereka dan memuji mereka di pertunjukan tersebut. Misalnya, jika Anda bercita-cita menjadi Desainer Pencahayaan, pikirkan bagian pencahayaan yang membuat Anda terkesan dan alasannya.

Pastikan Anda profesional dan jangan terlalu banyak bicara atau terlalu lama menerima sambutan Anda saat memulai percakapan. Pergi dengan maksud hanya mengatakan komentar cepat, jika mereka menghasut mereka ingin melanjutkan percakapan maka itu bagus, tetapi juga jangan tersinggung jika mereka tidak. Percakapan singkat Anda tetap dapat memberikan dampak besar dan kesan abadi.

Promosikan diri Anda di media sosial. Gunakan Twitter, Facebook, dan Instagram untuk mengikuti profesional industri dan mengomentari pertunjukan yang telah Anda lihat atau lokakarya yang pernah Anda ikuti, dll. Jika Anda telah bertemu dengan profesional industri dan kemudian menindaklanjutinya dengan tweet singkat, ini dapat mengingatkan mereka tentang siapa Anda. dan apa yang Anda lakukan.

Motivasi diri

Di sela-sela pekerjaan sebagai freelancer adalah di mana motivasi diri diperlukan. Mengelilingi diri Anda dengan orang-orang yang berpikiran sama dan orang lain dalam industri yang sama seperti yang Anda benar-benar dapat membantu. Terus belajar dan berkembang dengan kerajinan Anda, pergi ke kelas atau lokakarya.

Saat Anda tidak bekerja, beri diri Anda alasan untuk bangun dari tempat tidur. Jika Anda menghabiskan waktu ini untuk menambah portofolio Anda, berlatih lagu, atau mengirim aplikasi maka ide melakukan ini dari tempat tidur Anda menggoda, namun bisa menjadi kebiasaan yang sulit untuk diubah. Atur alarm Anda, mandi dan berpakaian seolah-olah Anda akan bekerja karena ini akan membantu mengubah pola pikir Anda ke ‘mode kerja’ dan Anda mungkin merasa lebih produktif.

Faktur/HMRC

Anda harus mendaftarkan diri sebagai wiraswasta dengan HMRC untuk membayar pajak Anda. Ini wajib untuk setiap freelancer atau bisnis. Setiap tahun Anda akan mengirimkan penghasilan Anda ke HMRC dan mereka akan menghitung berapa banyak pajak yang harus Anda bayar, atau jika Anda membutuhkan potongan pajak. Jika Anda adalah karyawan PAYE maka pajak akan secara otomatis dipotong dari slip gaji Anda, namun ketika Anda menagih perusahaan untuk waktu Anda pajak tidak akan dipertimbangkan sehingga Anda perlu menyatakan ini untuk membayar pajak yang tepat. Situs web dan aplikasi baru telah disiapkan bernama Sans Drama, ini telah dibuat oleh Pelaku dan Akuntan untuk membantu mereka yang bekerja di teater memahami cara mengajukan pajak Anda.

Pengeluaran

Anda dapat mengklaim biaya yang telah Anda beli terkait dengan perdagangan Anda. Misalnya, simpan tanda terima kelas, lokakarya, atau perjalanan apa pun yang perlu Anda lakukan untuk menyelesaikan pekerjaan Anda sebagai pekerja lepas. Saat Anda memasukkan pajak Anda ke HMRC, Anda juga dapat menambahkan tanda terima ini dan mengklaim pajak Anda. Beberapa orang mempekerjakan seorang Akuntan untuk membantu mereka memasukkan pajak dan pengeluaran mereka ke HMRC.

Penulis Drama Teater di Prancis pra-revolusioner
Teater

Penulis Drama Teater di Prancis pra-revolusioner

Penulis Drama Teater di Prancis pra-revolusioner – Sebuah gerakan yang berkembang dalam teater Prancis adalah merebut kembali karya seniman perempuan yang terlupakan, dan menghidupkan kembali konsep yang hilang: le matrimoine.

Penulis Drama Teater di Prancis pra-revolusioner

americanplacetheatre – Berapa banyak wanita yang memiliki karir profesional sebagai penulis drama di Prancis pra-revolusioner , antara abad ke-16 dan ke-18? Ayo, coba tebak.

Jawabannya, menurut beasiswa terakhir, adalah sekitar 150. Namun jika Anda menebak jumlahnya mendekati nol, Anda tidak sendirian. Selama beberapa dekade, asumsi default adalah bahwa ketidaksetaraan yang mendalam mencegah wanita menulis secara profesional hingga abad ke-20.

Baca Juga : Dramawan Terbaik Dalam Sejarah Teater

Sekarang gerakan yang berkembang dalam teater Prancis merebut kembali karya seniman perempuan yang terlupakan, dan menghidupkan kembali konsep yang hilang di sepanjang jalan: le matrimoine . Matrimoine adalah padanan feminin dari patrimoine diterjemahkan sebagai warisan, atau apa yang diwarisi dari nenek moyang laki-laki. Dalam bahasa Prancis, bagaimanapun, patrimoine juga merupakan istilah umum untuk menggambarkan warisan budaya. Melalui matrimoine , seniman dan akademisi mendorong pengakuan terlambat kontribusi perempuan untuk sejarah seni, dan kembalinya drama mereka ke panggung.

Matrimoine bukanlah neologisme. “Kata itu digunakan pada Abad Pertengahan tetapi telah dihapus,” kata cendekiawan dan sutradara panggung Aurore Evain. “ Patrimoine dan matrimoine pernah hidup berdampingan, namun pada akhirnya yang tersisa hanyalah agensi perkawinan.”

Ketika Dr. Evain mulai meneliti penulis wanita pra-revolusioner, sekitar tahun 2000, dia segera menyadari bahwa akademisi Prancis berada di belakang rekan-rekan Amerika mereka. Pada awal 1990-an, Perry Gethner, seorang profesor bahasa Prancis di Oklahoma State University, telah menerjemahkan drama-drama karya Françoise Pascal, Catherine Bernard dan wanita abad ke-17 dan ke-18 lainnya ke dalam bahasa Inggris, dan menerbitkannya.

Di rumah, di sisi lain, gagasan bahwa rekan perempuan Molière telah diabaikan bertabrakan dengan narasi yang mengakar. Repertoar Prancis klasik berkisah tentang trinitas penulis drama laki-laki — Molière, Jean Racine, dan Pierre Corneille — yang karyanya diajarkan di sekolah-sekolah dan secara luas dipandang sebagai model jenius sastra nasional.

Namun ketiga pria itu berpapasan dengan rekan-rekan wanita yang diakui. “Le Favori” (“Pria Favorit”), sebuah syair tragikomedi yang ditulis pada tahun 1665 oleh Madame de Villedieu, dibawakan oleh rombongan Molière sendiri di hadapan raja di Versailles. Ketika Dr. Evain mementaskannya lagi pada tahun 2015, lebih dari tiga abad setelah terakhir kali dipentaskan, penulis naskah dan sutradara Prancis Carole Thibaut dikejutkan oleh kesamaan antara “Le Favori,” yang berkisah tentang seorang abdi dalem yang menantang kemunafikan bantuan kerajaan, dan “Misanthrope” karya Molière, yang ditulis tahun depan.

“Saya suka Molière, tetapi ada dua adegan yang pada dasarnya adalah plagiarisme,” kata Thibaut dalam sebuah wawancara telepon. “Dia banyak meminjam dari ‘Le Favori.’”

Sebelum Revolusi Prancis, kebanyakan penulis naskah perempuan adalah perempuan lajang kelas atas yang perlu mencari nafkah. Pada abad ke-19, jumlah mereka terus bertambah: Para cendekiawan telah menemukan setidaknya 350 wanita yang dibayar untuk tulisan mereka, dari aktivis revolusioner Olympe de Gouges hingga Delphine de Girardin, keduanya memainkan repertoar Comédie-Française. Banyak dari mereka menjadi tuan rumah salon sastra, dimulai dengan Germaine de Staël; beberapa, seperti George Sand, juga menulis dengan nama samaran untuk menghindari prasangka berbasis gender.

Namun tidak satu pun dari wanita ini memiliki kehadiran yang berarti di panggung Prancis hari ini. Sampai akhir 2000-an, bahkan penulis feminis tidak tahu apa-apa tentang pekerjaan mereka. Jilid pertama dari antologi Perancis dari penulis drama wanita pra-revolusioner (diedit oleh Dr. Evain, Gethner dan profesor Universitas New York Henriette Goldwyn) tidak dirilis sampai tahun 2007.

Ketika Thibaut, yang sekarang memimpin Pusat Drama Nasional di kota Montluçon, pertama kali mendengar Dr. Evain berbicara di sebuah konferensi dua tahun kemudian, gagasan tentang matrimoine muncul sebagai wahyu. “Aku hancur berantakan. Saya mulai menangis,” katanya. “Dia mengajari saya bahwa alih-alih berada di awal kebangkitan feminis, kami adalah bagian dari siklus, yang melihat wanita muncul dan kemudian dihapus.”

Wawasan sejarah itu bertepatan dengan fokus baru pada ketidaksetaraan gender di teater Prancis, setelah dua audit pemerintah. Hingga tahun 2006, tidak satu pun dari lima teater nasional Prancis yang pernah memiliki sutradara wanita. Ada beberapa kemajuan sejak: Sementara hanya 7 persen pusat drama nasional dan regional, tingkat berikutnya dari lembaga publik, dipimpin oleh perempuan pada tahun 2006, proporsinya adalah 27 persen pada tahun 2019. Namun, pada bulan Maret, sebuah surat terbuka diterbitkan di surat kabar Prancis Libération mengeluh tentang kurangnya perempuan yang ditunjuk untuk pekerjaan teater teratas sejak awal pandemi.

Sejak 2009 dan seterusnya, Thibaut, Dr. Evain dan aktivis lainnya bergabung melalui sebuah asosiasi, yang dikenal sebagai HF, untuk mendorong perubahan, dan matrimoine menjadi salah satu seruan mereka. Pada tahun 2013, Dr. Evain meluncurkan “Hari-hari Matrimoine” tahunan, sebuah festival yang berjalan bersamaan dengan “Hari-hari Patrimoine”, sebuah perayaan nasional warisan budaya Prancis.

Visibilitas itu sekarang mempengaruhi generasi muda cendekiawan dan seniman, seperti Julie Rossello Rochet, seorang penulis drama yang menyelesaikan disertasi doktoral tahun lalu tentang pendahulunya di abad ke-19. Dalam sebuah wawancara telepon, dia mengatakan bahwa mempelajari pekerjaan mereka telah membantunya memproses kegelisahan yang dia rasakan sebagai penulis muda: “Saya terus mendengar, ‘Oh, sangat jarang, seorang wanita yang menulis untuk panggung.’ Sebenarnya tidak.”

ara cendekiawan yang diwawancarai sepakat bahwa drama wanita menawarkan perspektif yang berbeda dari penulis drama pria — tatapan wanita, bisa dikatakan, dibentuk oleh pengalaman hidup penulis. “Mereka mempromosikan kecerdasan wanita,” kata Dr. Rossello Rochet.

“Mereka menciptakan karakter wanita yang kuat, yang memilih politik daripada cinta, serta karakter pria yang memilih cinta,” kata Dr. Evain, yang juga menunjukkan perhatian yang mereka berikan pada peran ayah.

Dua drama pra-revolusioner yang disutradarai oleh Dr. Evain sejak 2015 berbicara dengan orisinalitas itu. Selain “Le Favori”, dia membawakan kembali “La Folle Enchère” (“The Mad Bid”-nya Madame Ulrich), sebuah komedi yang tayang perdana pada tahun 1690 di Comédie-Française. Plotnya dengan cerdik mempermainkan ekspektasi gender: Di dalamnya, seorang wanita yang lebih tua berusaha menikahi pria yang lebih muda, yang juga seorang wanita yang menyamar. “Ini adalah permainan queer awal, di mana semuanya terbalik,” kata Dr. Evain. “Ketertiban tidak pernah dipulihkan: Wanita terkemuka terseret sampai akhir.”

Sementara beberapa teater yang lebih kecil, seperti Ferme de Bel Ebat di Guyancourt, telah menyambut produksi seperti “La Folle Enchère,” membujuk programmer untuk berinvestasi dalam matrimoine tetap menjadi tantangan. Comédie-Française, di mana banyak wanita telah mempresentasikan karya mereka selama berabad-abad, belum menghidupkan satu pun dari drama ini.

Dalam sebuah wawancara dengan surat kabar Prancis Le Monde pada tahun 2017, direktur rombongan, Eric Ruf, mengatakan bahwa dia sedang “mengerjakannya”, tetapi menambahkan bahwa akan sulit untuk menjual tiket panggung utama untuk seorang penulis drama yang “kurang dikenal”. (Seorang juru bicara Comédie-Française menolak untuk mengatakan apakah ada rencana untuk membawa kembali drama oleh wanita di musim mendatang.)

Namun kaum feminis percaya bahwa jika drama wanita awal ini tidak dilakukan dan diajarkan, sejarah mungkin akan terulang kembali. “Jika kita mengabaikan matrimoine kita , jika kita tidak mengubah cara kita berpikir tentang budaya kita, para wanita yang datang setelah kita mungkin juga tidak akan meninggalkan warisan,” kata Thibaut.

Di mata Dr. Rossello Rochet, manfaatnya jelas bagi penulis naskah muda. “Memiliki sejarah telah memberi saya akar yang lebih dalam,” katanya. “Itu membuatku merasa lebih kuat.”

Dramawan Terbaik Dalam Sejarah Teater
Sejarah Teater

Dramawan Terbaik Dalam Sejarah Teater

Dramawan Terbaik Dalam Sejarah Teater – Penulis naskah drama terbesar yang diakui secara universal dalam sejarah sastra dan teater dunia. Salah satu pencapaian utamanya dianggap menjadi standar untuk drama klasik, baik itu drama, film, atau bahkan permainan.

Dramawan Terbaik Dalam Sejarah Teater

americanplacetheatre – Hari ini, setiap karya dramatis dibangun sesuai dengan hukum yang dibuat oleh Shakespeare. Hamlet, Macbeth, Romeo, dan Juliet adalah semua kerangka kerja yang, bahkan berabad-abad kemudian, memberikan kesempatan kepada penulis baru untuk membuat cerita dan interpretasi yang unik.

Shakespeare mengubah persepsi sosio-budaya teater: awalnya, dramanya adalah tentang tindakan dan emosi, dan mereka mulai menguraikan metafora yang tersembunyi di dalamnya jauh kemudian. Mereka memiliki sesuatu untuk ditemukan baik sebagai orang biasa maupun intelektual yang pilih-pilih. Hamlet, misalnya, pada mulanya sangat populer di kalangan pelaut dan pengrajin mabuk.

Henrik Ibsen (1828-1906)

Dramawan utama Norwegia pada akhir abad ke-19 menciptakan kanon drama baru di panggung Eropa. The “drama baru”, di mana Ibsen adalah pendiri, memikirkan kembali tujuan, makna, dan alat. Ibsen mengganti tindakan dengan dialog. Konflik eksternal – internal. Analisis moral, refleksi semua ini tentang karya Ibsen. Dan hasilnya tidak lama kemudian – dramanya dipentaskan di seluruh dunia, dan “Rumah Boneka” miliknya (nama lain adalah “Nora”) umumnya menjadi produksi paling populer dalam sejarah.

Baca Juga : Penulis Teater Yang Sangat Terkenal

Anton Pavlovich Chekhov (1860-1904)

Tidak banyak penulis yang bisa menulis dengan cemerlang baik prosa maupun drama. Chekhov melakukannya. Inilah yang unik. Sebuah singkatan yang tak terlukiskan dan kecanggihan gaya dalam cerita ada, ditambah dengan tindakan, dialog pendek, tiba-tiba dan komentar dalam drama.

Chekhov berdiri pada asal mula tragikomedi modern pernyataan sosial yang mendalam sering diungkapkan melalui situasi absurd yang sekilas lucu. “The Cherry Orchard”, “Three Sisters”, “The Seagull” semua drama ini terkenal di dunia, produksi mereka dapat dilihat di hampir setiap teater di Rusia, termasuk Novosibirsk.

Samuel Beckett (1906-1989)

Seorang inovator dalam dunia teater dan sastra abad ke-20. Modernis, salah satu perwakilan utama teater absurd. Karyanya adalah perjuangan melawan konvensi dan kanon yang telah ditetapkan oleh momen bersejarah dalam drama itu. Beckett mencoba menemukan makna pahlawannya adalah pelampung di laut, bergoyang kacau, dibiarkan berjuang sendiri, didorong oleh ombak yang harus mereka lawan. Pemenang Hadiah Nobel dalam Sastra pada tahun 1969. “Menunggu Godot” dianggap oleh banyak kritikus sebagai salah satu karya dramatis yang paling signifikan dari abad ke-20.

Oscar Wilde (1854-1900)

Seperti semua peserta dalam peringkat kami, Oscar Wilde menambahkan halaman baru yang sangat penting bagi perkembangan drama dunia. Dia memutuskan untuk meninggalkan nuansa sosial yang akut, moralisme, dan pencarian terus-menerus untuk interpretasi yang relevan.

Dia pergi ke dekadensi dan mencoba untuk menunjukkan bahwa seni adalah prevalensi simbolisme estetika atas nilai-nilai etika. Satir anggun, paradoks modernis, Nietzscheanisme – semua ini menyebabkan skandal di Inggris abad ke-19, tetapi sekarang Wilde dicintai dan dipentaskan di seluruh dunia. Banyak produksi Oscar Wilde dapat dilihat di Moskow. Di Novosibirsk sayangnya, tidak.

Masing-masing dari kita menikmati menonton film adaptasi dari sastra klasik, tetapi untuk produksi teater, hal-hal yang agak lebih rumit di sini. Jika film yang buruk dapat dimatikan, maka meninggalkan kinerja yang buruk sama sekali tidak mudah. Untuk menghormati Hari Teater Sedunia, kami telah membuat ikhtisar dari produksi teater paling mencolok di Moskow, dibuat berdasarkan karya sastra terkenal, sehingga Anda pasti tidak salah dalam memilih. Mungkin pertunjukan-pertunjukan inilah yang akan membantu Anda melihat segi-segi baru dari buku-buku hebat.

Penulis Teater Yang Sangat Terkenal
Penulis Teater

Penulis Teater Yang Sangat Terkenal

Penulis Teater Yang Sangat Terkenal – Dramawan atau dramawan adalah seseorang yang menulis drama. Kadang-kadang dramaturge juga digunakan, tetapi sebutan ini mencakup banyak bidang. Tidak semua drama ditulis sepenuhnya sebelumnya, pikirkan teater improvisasi. Sebaliknya, orang sering berbicara tentang fase teks.

Penulis Teater Yang Sangat Terkenal

americanplacetheatre – Penulis drama paling awal yang kita kenal berasal dari Yunani Kuno, dengan penyair tragedi Aeschylus, Sophocles dan Euripides, dan penyair komedi Aristophanes dan Menander. Penyair Romawi seperti Plautus dan Seneca telah banyak mengadopsi metode kerja mereka.

Selama Abad Pertengahan teater sebagian besar didasarkan pada agama Kristen atau budaya istana. Kisah-kisah itu diturunkan dan diceritakan secara lisan, dan naratornya tidak disebutkan namanya. Namun, pada akhir Abad Pertengahan, drama, seperti Elckerlyc dan Mariken van Nieumeghen, mulai ditulis. Seorang penulis juga dikenal untuk beberapa karya.

Dalam Renaisans, individualisme kembali diakui dan menjadi kebiasaan untuk menerbitkan karya dengan nama. Sekarang kita juga melihat penyair teater muncul di Eropa Barat, bertanggung jawab atas teks yang dimainkan. Antara abad ke-15 dan ke-17, semua teks ditulis ulang (dan dicetak) dan direpresentasikan secara harfiah.

Ini adalah perubahan penting bagi budaya panggung: liriknya menjadi hampir sakral. Tren ini terus berlanjut sepanjang abad kedua puluh dan hingga hari ini; Samuel Beckett telah menyatakan dalam surat wasiatnya, misalnya, bahwa karya-karyanya harus dilakukan dengan tepat dan setiap instruksi arah, seperti yang telah ditentukannya. Thomas Bernhard bahkan melarang eksekusi karyanya di Austria sampai lima puluh tahun setelah kematiannya.

Namun, tren lain terus ada, yaitu “fase bebas”; improvisasi memainkan peran penting dalam hal ini. Commedia dell’arte hanya terdiri dari karakter karakteristik dan indikasi perkiraan; Molière menulis karyanya sendiri, tetapi dia harus mengandalkan kinerja; Carlo Goldoni memodifikasi genre sedemikian rupa sehingga kembali menjadi drama tekstual. Dari tahun 70-an dan 80-an abad terakhir Teater karya yang dikenal; potongan-potongannya berasal dari improvisasi, tetapi teks akhir telah diperbaiki dan banyak yang telah diterbitkan.

Baca Juga : Dramawan Terkenal Dan Penting Dari Sejarah

Dalam praktik teater Belanda modern, kita masih melihat dikotomi yang sama antara teater teks dan teater improvisasi. Perusahaan repertoar besar bermain terutama (tetapi tidak hanya) teater teks; selain itu, dalam pantomim, pertunjukan dan kabaret, banyak pertunjukan yang dibuat atas dasar improvisasi.

Sejak tahun 70-an (70-an) sekitar Action Pomodoro dan munculnya Il teatro del lavoro terletak di Belanda dan Flanders di interiornya Teater (tulisan) sedang mengalami perubahan. Banyak perusahaan kecil bermunculan di samping yang lebih besar, lebih banyak yang dimainkan datar, para aktor telah menjadi desainer set dan sering menjadi penulis drama . Ini menciptakan sekelompok penulis naskah baru yang belum tentu bekerja dalam genre sastra lain, seperti: Gerardjan Rijnders, Karst Woudstra, dan Rob de Graaf.

Penulis atau dramawan

Sebuah divisi yang sangat berbeda adalah di mana penulis menulis terutama atau secara eksklusif memainkan, atau terutama puisi atau prosa, dan kadang-kadang bermain. Herman Heijermans dianggap sebagai penulis drama, meskipun ia menulis karya lain; Hugo Claus, terlepas dari kepandaiannya yang luar biasa, juga salah satu penulis naskah berbahasa Belanda yang paling penting; Willem Frederik Hermans dan Harry Mulisch pada dasarnya adalah novelis, meskipun mereka telah menulis drama. Judith Herzberg adalah seorang penyair dan penulis drama.

Teater adalah seni terapan; oleh karena itu, terlepas dari peran yang dimainkannya, penulis adalah bagian dari proses produksi. Menulis sebuah pertunjukan membutuhkan banyak pengetahuan tentang praktik teater, penulis menulis baik untuk aktor maupun untuk penonton / pembaca. Menulis untuk drama televisi ini membutuhkan kualitas lain; singkatnya, seseorang harus sangat sadar akan mediumnya.

Perbedaannya dengan dramawan produksi adalah bahwa yang terakhir terus-menerus terlibat dalam produksi. Pada abad-abad sebelumnya penulis adalah keduanya; saat ini fungsinya terpisah dan penulis sering tidak ada hubungannya dengan produksi yang sebenarnya.

Dramawan Terkenal Dan Penting Dari Sejarah
Sejarah Teater

Dramawan Terkenal Dan Penting Dari Sejarah

Dramawan Terkenal Dan Penting Dari Sejarah – Dramawan paling terkenal dan penting dari sejarah dan hari ini.

Dramawan Terkenal Dan Penting Dari Sejarah

americanplacetheatre – Kenali kehebatan subjek Anda: Siapa penulis naskah drama yang hebat, siapa penulis naskah drama terkenal? Mereka termasuk Johann Wolfgang von Goethe, William Shakespeare, Friedrich Schiller dan Richard Wagner .

Nama-nama yang dikaitkan dengan istilah sastra GDR saat ini bukanlah nama-nama tahun-tahun awal, fase perkembangan setelah Perang Dunia Kedua dan berdirinya GDR. Bukan penulis kelas dunia seperti Anna Seghers (1900-1983) dan Bertolt Brecht (1898-1956), yang, setelah kembali dari pengasingan, memilih bagian sosialis Jerman.

Empat dekade kepenulisan GDR mencakup rentang yang sangat luas: penulis naskah Heiner Müller (1929-1995) sama banyaknya dengan penulis esai, penyair, dan penerjemah Franz Fühmann (1922-1984). Penyair besar seperti Günter Kunert (1929-2019), yang meninggal pada September 2019 , penyair Elke Erb (lahir 1938) atau penyair Durs Grünbein, lahir di Dresden pada 1962.

Daftar penyair dan penulis yang memulai karya mereka di GDR tetapi kemudian hanya dapat diterbitkan dengan penerbit Barat sangatlah panjang. Monika Maron dengan novelnya “Flying Ash” dari tahun 1981 adalah contoh yang menonjol – ini adalah novel lingkungan pertama di GDR. Pelecehan pada protes terhadap ekspatriat penyanyi-penulis lagu Wolf Biermann1976 diikuti, menyebabkan eksodus benar-benar seniman dan penulis terkenal.

Baca Juga : Penulis Teater Terkenal Di Kanada

Misalnya, penulis Jürgen Fuchs dan Jurek Becker, yang sangat populer di kalangan anak muda dan yang telah menandatangani surat protes, dikeluarkan dari GDR. Penyair Reiner Kunze (volume prosanya “The Wonderful Years” diterbitkan di Barat pada tahun 1976) dan penyair terkenal Sarah Kirsch juga pindah ke Barat, dan penulis oposisi Erich Loest mengikuti pada tahun 1981 untuk menyebutkan beberapa saja.

Lingkungan hidup GDR

Jika seseorang berbicara tentang sastra GDR hari ini, maka ini bukan tentang delimitasi ilmiah, jadi untuk berbicara tentang definisi area koleksi tertutup. Ini berarti, di atas segalanya, novel-novel yang berhubungan dengan kehidupan di GDR, yang menjadi pembicaraan hari ini dan yang memberi kesan bahwa setiap satu dari 16 juta warga GDR yang bisa membaca telah melahapnya.

Ini termasuk judul-judul realisme sosialis yang dihargai secara resmi seperti “Aula” karya Hermann Kant tetapi juga “Bückware”, judul-judul kritis seperti “Jakob der Lügner” karya Jurek Becker atau “König Davidbericht” karya Stefan Heym, yang diterbitkan di GDR, namun tetap saja sulit didapat.

Tanpa klaim kelengkapan, kami menghadirkan penulis paling penting dari novel-novel GDR ini di sini. Mereka sangat penting bagi kehidupan budaya bagian timur Jerman bahkan jika tidak semua dari mereka akan menerima segel tes positif dari evaluasi sejarah dalam jangka panjang.

Erwin Strittmatter (1912-1994)

Christa Wolf dan Erwin Strittmatter adalah penulis paling populer di GDR. Strittmatter, sekretaris pertama asosiasi penulis, terlihat di Barat sebagai orang yang setia pada garis, GDR adalah Jerman yang lebih baik baginya dan SED adalah partai yang harus diterima sebagai pihak berwenang bahkan jika dia berulang kali bertengkar dengannya.

dia. Satir birokratnya “Ole Bienkopp” (1963), salah satu novel yang paling banyak dibaca di GDR, dan kritiknya terhadap Stalinisme “Der Wundertäter III” (1980) dikritik tajam oleh kritikus sastra resmi GDR.

Karya utama selanjutnya termasuk trilogi otobiografi yang kuat “Der Laden” (1983-1987-1992) , yang menjadi buku terlaris di Jerman Timur setelah reunifikasi. Di dalamnya, penulis Sorbian menggambarkan kehidupan desa di Lusatia, dan dalam jilid terakhir penggabungan paksa KPD dan SPD untuk membentuk SED.

Meskipun Strittmatter berulang kali diserang oleh kritik sastra resmi GDR, ia tetap memenangkan lima penghargaan nasional. Setelah Tembok runtuh diketahui bahwa ia pernah bekerja sebagai informan rahasia untuk Keamanan Negara dari tahun 1958 hingga 1964 .

Stefan Heym (1913-2001)

Stefan Heym adalah salah satu penulis yang memutuskan untuk tinggal di GDR setelah kembali dari pengasingan. Jurnalis Yahudi beremigrasi ke Amerika Serikat pada tahun 1935 dan menerbitkan novel pertamanya di New York. Sebagai seorang sosialis dan anti-fasis yang yakin, ia meninggalkan Amerika pada tahun 1952 dan pindah ke GDR.

Tetapi bahkan di sana, menulis menjadi sulit baginya. Pada tahun 1956, ketika bukunya tentang Pemberontakan 17 Juni tidak diizinkan untuk diterbitkan, humas yang garang itu berkonflik dengan partai. Pada tahun 1965 ia menerima larangan publikasi umum. Dia diterbitkan di Barat dan segera dihukum untuk itu. Tidak ada penulis lain yang diawasi secara ketat oleh Stasi seperti Heym. Bahkan buku hariannya, yang disimpan di brankas, dibaca oleh pihak keamanan.

Sebagai hasil dari pelonggaran kebijakan budaya, “Laporan Raja David” diterbitkan dalam edisi kecil pada tahun 1972. Novel yang membahas tentang kekuasaan dan penyalahgunaan kekuasaan itu menjadi sensasi bagi banyak pembaca. Tapi dari tahun 1974 Heym hanya bisa menerbitkan buku-bukunya di Barat.

Pada tahun 1976 ia tidak hanya salah satu penandatangan protes terhadap ekspatriat penyanyi-penulis lagu Wolf Biermann, ia juga membantu merumuskan surat itu. Itu dan publikasi Barat menyebabkan pengusirannya dari Serikat Penulis pada tahun 1979. Intelektual politik tetap setia pada dirinya sendiri bahkan selama dan setelah reunifikasi. Heym terus mengadvokasi sosialisme yang lebih baik .

Hermann Kant (1926-2016)

Hermann Kant, yang lahir di Hamburg, juga pergi ke GDR setelah ditawan pada tahun 1949 sebagai seorang anti-fasis yang yakin. Dia bergabung dengan SED. Novelnya Die Aula, yang diterbitkan pada tahun 1965, tetap menjadi karya utamanya. Dengan nada ironis-satir, Kant menggambarkan pengalaman di fakultas buruh dan tani. Novel yang berkisar pada topik “revolusi pendidikan di GDR”, membuatnya sangat populer di GDR dan juga terkenal di Republik Federal.

Kant adalah ketua lama dari Asosiasi Penulis GDR. Pada tahun 1986 ia menjadi anggota Komite Sentral SED – dan dengan demikian juga seorang pejabat tinggi dan politikus budaya yang berpengaruh di negara tersebut. Novel keduanya, “Das Impressum” (1972), semacam sekuel dari “Aula”, digambarkan terlalu tidak berbahaya dan jauh dari realitas sosial, bahkan oleh para kritikus GDR.

Pada 1990-an, Kant dituduh sebagai kolaborator tidak resmi dengan Stasi. Dia membela diri terhadap tuduhan itu. Tidak pernah mungkin untuk membuktikan bahwa dia adalah seorang mata-mata. Hermann Kant tetap menjadi salah satu tokoh paling kontroversial dalam sastra Jerman Timur.

Penulis Teater Terkenal Di Kanada
Penulis Sejarah Teater

Penulis Teater Terkenal Di Kanada

Penulis Teater Terkenal Di Kanada – Daftar penulis drama terkenal atau terkenal dari Kanada, dengan biografi dan foto, termasuk penulis drama top yang lahir di Kanada dan bahkan beberapa penulis drama populer yang berimigrasi ke Kanada.

Penulis Teater Terkenal Di Kanada

americanplacetheatre – Jika Anda mencoba mencari tahu nama-nama penulis drama Kanada yang terkenal, maka daftar ini adalah sumber yang sempurna untuk Anda. Penulis drama ini termasuk yang paling menonjol di bidangnya, dan informasi tentang setiap penulis drama terkenal dari Kanada disertakan jika tersedia.

Daftar penulis drama bersejarah dari Kanada ini dapat membantu menjawab pertanyaan “Siapa saja penulis drama terkenal Kanada?” dan “Siapakah penulis naskah drama paling terkenal dari Kanada?” Penulis drama terkemuka Kanada ini mungkin masih hidup atau tidak, tetapi kesamaan yang mereka miliki adalah bahwa mereka semua adalah penulis drama Kanada yang dihormati.

Gunakan daftar penulis drama Kanada terkenal ini untuk menemukan beberapa penulis drama baru yang tidak Anda kenal. Jangan lupa untuk membagikan daftar ini dengan mengklik salah satu ikon media sosial di bagian atas atau bawah halaman.

Baca Juga : Penulis Teater Theodor Fontane Dan Tuntutan Pasar Sastra

Drama yang mengubah segalanya untuk teater Kanada

Ketika kami diminta untuk menyerahkan daftar drama dan penulis naskah Kanada yang penting, kami merasa terhormat tetapi kami juga tahu bahwa kami berada dalam masalah. Bagaimana mungkin kita bisa membuat daftar terbatas dengan begitu banyak karya yang sangat diperlukan dan mempesona untuk dipilih? Jadi kami fokus pada kata esensial: drama yang memengaruhi kami telah memengaruhi penulis, aktor, dan sutradara lain telah menarik perhatian teater Kanada dari luar Kanada dan, dalam beberapa kasus, drama yang membuka jalan baru.

Juga, kami hanya menganggap drama berusia minimal 10 tahun (membutuhkan beberapa pengasinan untuk menjadi penting). Akhirnya, kami tidak akan memasukkan siapa pun dari lingkaran terdekat kami, hanya untuk bersikap adil. Tidak mudah menyaringnya menjadi 14, tetapi daftar itu harus berakhir di suatu tempat atau itu bukan daftar seperti buku hei, ada ide!

Keberuntungan dan Mata Pria oleh John Herbert (1964)

Sebuah drama yang luar biasa, dan film berikutnya, mengeksplorasi homoseksualitas dan kekerasan di penjara pria. Saat menjalani hukuman enam bulan karena kepemilikan ganja, Smitty menjadi bawahan seksual Rocky, yang menempati puncak rantai makanan penjara.

Drama tersebut mengacu pada pengalaman Herbert sendiri melakukan waktu setelah keyakinannya untuk berpakaian drag pada tahun 1947 di bawah “undang-undang aktivitas seksual sesama jenis” yang baru dicabut pada tahun 1969. Meskipun karya Herbert sekarang menjadi drama yang paling banyak diterbitkan di Kanada, pada tahun 1967 tidak ada seorang pun di sini yang akan menyentuh mahakarya modern ini dengan tiang setinggi 10 kaki.

Namun, Actors Studio New York tidak melewatkan kesempatan itu, dan segera mengerjakannya dengan Dustin Hoffman dan Jon Voight yang berperan sebagai Rocky and Smitty,. Herbert tinggal di Toronto dan menulis beberapa drama lagi, tetapi yang satu ini adalah pengubah permainan, mengangkat topik yang sebelumnya tak terkatakan dan kerasnya kehidupan penjara.

Les Belle-Soeurs oleh Michel Tremblay (1968)

Ini adalah drama yang menandai pergantian penjaga di teater Quebec, dan bahkan mungkin masyarakat Quebec. Dalam bahasa drama, dan dalam pilihan materi pelajaran dan karakter, Tremblay membawa Revolusi Tenang ke panggung. Dia mendekati subjek kelas dengan cara yang terhormat. Karakternya adalah orang-orang kelas pekerja, mereka cerdas, dan dia sangat menghormati mereka.

Creeps oleh David Freeman (1971)

“Groundbreaking” nyaris tidak menutupinya. Creeps adalah drama pertama yang pernah menampilkan cerita tentang orang-orang cacat dan disfungsi dari keheningan dan penolakan yang sering mereka hadapi. Produksi asli adalah bagian dari musim pertama Tarragon Theatre Toronto dan termasuk pertunjukan pijar oleh John Candy dan Frank Moore. Freeman mendemonstrasikan bagaimana pribadi dapat diubah menjadi komentar sosial yang tajam dan berseni yang menyentuh kita semua.

Sepuluh Tahun yang Hilang oleh George Luscombe (1974)

Sepuluh Tahun yang Hilang mulai hidup sebagai sebuah buku, sejarah lisan Depresi Hebat seperti yang diceritakan oleh para penyintasnya kepada penulis Barry Broadfoot. Itu diterbitkan pada tahun 1973, dan tahun berikutnya, Luscombe, bersama dengan penulis Jack Winter dan musisi Cedric Smith, membawa buku itu ke panggung Toronto Workshop Productions yang inovatif di Luscombe.

Di atas panggung, Ten Lost Years adalah kumpulan cerita dan musik yang kompleks, dan kata-kata yang diucapkan oleh 10 aktor datang langsung dari halaman buku. Luscombe adalah pelopor drama dokumenter semacam ini yang menceritakan kisah tentang kelas pekerja Kanada.

Kritikus Jack Kapica menulis di Montreal Gazette bahwa Sepuluh Tahun yang Hilang”membungkus pukulan emosional yang lama tak tertandingi dalam sejarah teater Kanada.” Selama periode dua tahun, lebih dari 66.000 orang Kanada menyaksikan pertunjukan tersebut selama 42 minggu tur di 10 provinsi.

Siklus Bermain Keluarga Mercer oleh David French (1972–88)

Seorang Newfoundlander yang ditransplantasikan, Prancis tidak pernah menyimpang jauh dari kekayaan pengetahuan dan tradisi keluarga yang dia gali untuk menciptakan karya klasik ini, termasuk Leaving Home dan Of the Fields, Lately. David French menciptakan karakter Kanada yang setara dengan karakter Tennessee Williams dengan pandangan mereka yang menghantui, mendalam, penting dalam meninggalkan rumah, politik, cinta, dan drama keluarga yang abadi.

Penulis Teater Theodor Fontane Dan Tuntutan Pasar Sastra
Penulis Sejarah Teater

Penulis Teater Theodor Fontane Dan Tuntutan Pasar Sastra

Penulis Teater Theodor Fontane Dan Tuntutan Pasar Sastra – Siapapun yang menulis biografi Theodor Fontane (1819-1898) hari ini memiliki kualifikasi terbaik.

Penulis Teater Theodor Fontane Dan Tuntutan Pasar Sastra

americanplacetheatre – Saat ini, sesaat sebelum ulang tahun ke-200 dari hari ulang tahunnya, penelitian Fontane berkembang pesat: Penerbit ilmiah terus-menerus menerbitkan studi, konferensi diadakan, dan Edisi Besar karya-karya Fontane Edisi Brandenburg hampir selesai.

Sulit bagi seorang penulis biografi Fontane untuk menemukan jalannya dalam kelimpahan ini. Iwan-Michelangelo D’Aprile, yang mengajar di Universitas Potsdam, tidak diragukan lagi berhasil; bukunya Fontane, dengan indeks 600 nama, memproses temuan awal serta risalah klasik oleh Tau, Roch dan Reuter hingga karya dan komentar surat yang lebih baru dan terbaru.

D’Aprile memiliki aksen tersendiri; “Satu abad bergerak” adalah subjudul biografinya. Lebih dari penulis biografi Fontane lainnya sebelum dia, ia juga prihatin dengan kecenderungan dan perubahan sosiologis, politik dan ideologis abad ke-19. Fontane mengalaminya, dan tidak hanya itu: dia harus bereaksi terhadap mereka untuk menciptakan karya-karyanya – karya yang memberi dia dan keluarganya penghidupan.

Penulis terpaksa mempertimbangkan “profil surat kabar dan majalah, persyaratan penerbit dan editor, dan “fleksibel terhadap persyaratan pasar”. Itu dibaca dengan berani, tetapi dibenarkan dengan hati-hati oleh D’Aprile; dia adalah ahli yang sangat baik di dunia penerbitan dan media saat itu.

Pada satu titik dia pergi sejauh ini bahwa dia menyebut karya Fontane sebagai “permainan petak umpet seumur hidup”. Dia meringkasnya: Citra “jenius yang menghasilkan karyanya ‘organik’ dari individualitasnya merindukan realitas tulisan Fontane”.

Baca Juga : Penulis Teater Terkenal Dan Terhebat Di Eropa

Akhirnya, di masa tuanya, ketika ia terkenal, Fontane sendiri, dalam novelnya yang hebat Der Stechlin , dengan sangat artistik menggambarkan bagaimana fakta politik sehari-hari dan politik budaya memengaruhi pikiran dan tindakan kita. Penjelasan tiga belas halaman D’Aprile tentang Stechlin, “gambaran zaman polifonik dari masyarakat dalam transisi” dengan “tablo sekitar seratus angka”, adalah interpretasi ahli yang merangkum literatur sekunder yang sangat besar tentang novel ini dan memperdalamnya di sini dan di sana.

Dengan melakukan itu, dia membuat pengamatan yang lucu: Di Stechlin, orang-orang terus bertemu secara acak, mirip dengan Round Dance karya Arthur Schnitzler, “kecuali bahwa mereka tidak tidur bersama seperti yang dilakukan Schnitzler, mereka hanya berbicara”.

Tapi mari kita perkenalkan buku D’Aprile dengan mengangkat tiga tema kehidupan, pekerjaan, dan zaman secara individual. Sejauh menyangkut fakta-fakta vita Fontane: penulis mencatatnya dengan jelas, seperti yang telah ditunjukkan oleh judul-judul dari tiga bab utamanya mereka adalah “apoteker dalam pelarian” di sini 30 tahun pertama, Fontane dalam profesi sipil dan penulis balada sejarah, “jurnalis bertugas” pekerjaan yang menyedihkan di kantor pers, tetapi dengan pengalaman di Inggris dan kebangkitan jurnalis budaya dari Mark Brandenburg dan “Romancier of the capital” transkrip dari 17 novel kontemporer dan sosial utamanya.

Kita mengetahui bahwa Fontane pergi ke barikade sebagai seorang demokrat pada tahun 1848, kemudian menawarkan dirinya kepada surat kabar konservatif dan berkata di usia tua: “Semua kepentingan terletak pada perkebunan keempat. Borjuis itu mengerikan”. D’Aprile tidak meninggalkan apa pun yang penting.

Sangat menarik bagaimana Fontane membangun jaringan kenalan dari apoteker dan ahli kimia (Rostocker Friedrich Witte, pemasok untuk produksi Pepsi-Cola, adalah salah satunya), bagaimana dia adalah salah satu paket turis pertama ke London pada tahun 1844 bepergian dan bagaimana, berkat perjalanan pendidikannya yang sebelumnya diselesaikan ke Italia, ia berhasil menjadi pegawai negeri (hanya untuk waktu yang singkat) di Akademi Seni Berlin.

Ketika Fontane menjadi tawanan perang Prancis, kalangan yang asing baginya, yaitu “Prancis, Yahudi, dan Katolik”, yang membebaskannya. pemasok untuk produksi Pepsi-Cola, adalah salah satunya), bagaimana dia melakukan perjalanan ke London pada tahun 1844 sebagai salah satu turis paket pertama dan bagaimana, berkat perjalanannya yang sebelumnya diselesaikan ke Italia sebagai kelas menengah yang berpendidikan, dia berhasil menjadi seorang pegawai negeri (hanya untuk waktu yang singkat) di Akademi Seni Berlin.

Ketika Fontane menjadi tawanan perang Prancis, kalangan yang asing baginya, yaitu “Prancis, Yahudi, dan Katolik”, yang membebaskannya. pemasok untuk produksi Pepsi-Cola, adalah salah satunya), bagaimana dia melakukan perjalanan ke London pada tahun 1844 sebagai salah satu turis paket pertama dan bagaimana, berkat perjalanannya yang sebelumnya diselesaikan ke Italia sebagai kelas menengah yang berpendidikan, dia berhasil menjadi seorang pegawai negeri (hanya untuk waktu yang singkat) di Akademi Seni Berlin. Ketika Fontane menjadi tawanan perang Prancis, kalangan yang asing baginya, yaitu “Prancis, Yahudi, dan Katolik”, yang membebaskannya.

Penulis Teater Terkenal Dan Terhebat Di Eropa
Penulis Teater

Penulis Teater Terkenal Dan Terhebat Di Eropa

Penulis Teater Terkenal Dan Terhebat Di Eropa – Drama telah menjadi bentuk sastra yang sangat populer dan terkenal sejak zaman kuno. Aristoteles adalah orang yang menetapkan standar bagaimana seharusnya drama terlihat. Dia berbicara tentang lima tindakan dan memperkenalkan tiga unit : tindakan, waktu dan tempat.

Penulis Teater Terkenal Dan Terhebat Di Eropa

americanplacetheatre – Selain itu, berkat dia, dikenal istilah katarsis yang berarti pemurnian pengaruh tertentu dalam diri pembaca atau pemirsa. Ini adalah salah satu ide yang paling berpengaruh dalam sejarah sastra, yang diambil lagi dan lagi di abad-abad berikutnya oleh penulis yang kita kenal sekarang dan dianggap sebagai dasar untuk drama yang bagus.

Penulis drama terbaik berasal dari Inggris, Prancis, dan Jerman

Selain Aristoteles dan penulis serta filsuf kuno lainnya seperti Sophocles atau Euripides, banyak dramawan luar biasa telah muncul seiring berjalannya waktu. Nama-nama yang paling sering disebutkan dalam sejarah sastra adalah yang berasal dari Inggris (Shakespeare, Beckett), Prancis (Molire, Sartre) atau Jerman (Goethe, Schiller). Sayangnya, kami tidak dapat membahas semuanya dalam artikel ini, oleh karena itu pemilihan harus dilakukan dalam teks berikut.

Shakespeare dan bahasanya

Salah satu dramawan terbesar (jika bukan yang terhebat) sepanjang masa tentu saja William Shakespeare dengan banyak dramanya yang sukses secara global seperti Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth, Much Ado About Nothing, Romeo and Juliet Komedi dan tragedi adalah salah satu karya yang paling sering difilmkan dan ditampilkan.

Ia juga terkenal dengan ragam gaya bahasanya, yang berkisar dari bahasa jalanan terendah hingga bahasa istana tertinggi. Selain itu, kosakata yang ia gunakan saat menulis karyanya hampir mencapai 18.000 kata. Tambahkan ke ini pentingnya citranya dan pengenalan kata-kata baru di mana pun diperlukan. Beberapa di antaranya masih dipertahankan hingga saat ini.

Baca Juga : Penulis Drama Prancis Paling Terkenal

Weimar klasik

Dua penulis lain yang harus disebutkan dalam konteks ini jelas merupakan dua perwakilan dari Klasisisme Weimar Johann Wolfgang von Goethe dan Friedrich Schiller. Dengan Faust -nya, Goethe mengangkat topik yang relevan sebelum zamannya dan tetap relevan setelah zamannya keinginan untuk awet muda dan keabadian. Untuk ini, pahlawan Goethe bersedia membuat perjanjian dengan iblis dan menyerahkan jiwanya untuk itu.

Friedrich Schiller, di sisi lain, berurusan dengan subjek kejatuhan yang besar . Dalam drama sejarahnya Wallenstein, Maria Stuart dan Jean d’Arc, ia menjadikan orang-orang dengan nama yang sama sebagai pahlawan utama dari karyanya dan mengambil kejatuhan mereka sebagai tema. Semakin tinggi Anda, semakin dalam Anda jatuh. Drama-drama ini diterima dengan sangat baik oleh penonton, karena mereka dapat mengidentifikasikan diri dengan raja dan pahlawan dan mereka dapat melihat bahwa yang besar juga menderita.

Teater Epik

Drama Aristotelian tidak begitu populer di kalangan semua orang. Bertolt Brecht keberatan. Ia merasa katarsis bukanlah tujuan sebuah pertunjukan. Pemirsa tidak boleh berempati dan mengidentifikasi dengan para pahlawan. Seseorang harus menjauhkan diri dari peristiwa di atas panggung dan memikirkannya secara rasional.

Itulah sebabnya Brecht memperkenalkan V-effect (Verfremdungseffekt) pada saat penonton mengikuti aksi dengan penuh perhatian, ia menyisipkan beberapa elemen yang mengalihkan perhatian dari aksi utama, misalnya kostum gila, karakter yang tidak relevan dengan sebelumnya. tindakan, dll.

Henrik Ibsen dianggap sebagai salah satu pendiri teater modern

Pada akhir abad ke-19 , Henrik Ibsen sepenuhnya menulis ulang aturan drama yang berlaku hingga saat itu. Bahkan hari ini, realisme Ibsen adalah model untuk banyak drama. Dia mengubah teater Eropa paling-paling menjadi mainan dan pengalih perhatian bagi yang bosan dan menantang konvensi dan moralitas borjuis yang berlaku.

Tidak ada karakter dongeng, tidak ada plot yang tidak masuk akal: Ibsen membawa pendengarnya ke rumah orang biasa, di balik tirai borjuasi dan rahasia yang dijaga dengan cermat . Ibsen menyajikan asumsi-asumsi sosial dan konflik-konflik yang dihasilkan dengan latar belakang borjuis yang realistis dan mengembangkan dialog-dialog yang tajam dengan perhatian yang cermat terhadap detail.

Paling tidak karena ini, ia mendapatkan tempat dalam sejarah teater dan dianggap sebagai penulis drama terbesar di alam semesta bersama William Shakespeare. Berbicara tentang alam semesta, International Astronomical Union menghormati Ibsen dan bahkan menamai sebuah planet dengan namanya!

Karya-karya penting Gynt antara lain Brand, Peer Gynt, An Enemy of the People, Nora, or a Doll’s House, Hedda Gabler, Ghosts, The Wild Duck, When We Dead Awaken dan Builder Solness”. Dalam semua drama, karakter yang kuat dan menantang memunculkan intrik yang masih dibicarakan sampai sekarang.

Drama yang paling banyak dimainkan di dunia mungkin adalah Nora, atau Rumah Boneka, yang memuncak pada peran Nora yang meninggalkan suaminya Torvald dan ketiga anak mereka tidak pernah terdengar ketika diputar perdana pada tahun 1879! Itu masih salah satu karya politik gender paling terkenal dalam sastra dunia. Nora bahkan memiliki status kultus: Warisan Dokumen Dunia UNESCO menggambarkan Nora sebagai “simbol bagi wanita dari seluruh dunia yang berjuang untuk pembebasan dan kesetaraan”.

Penulis Drama Prancis Paling Terkenal
Penulis Sejarah

Penulis Drama Prancis Paling Terkenal

Penulis Drama Prancis Paling Terkenal – Sayangnya, dramawan Prancis sering diabaikan dibandingkan dengan teater Anglophone dan Yunani yang hebat seperti Sophocles dan Shakespeare.

Penulis Drama Prancis Paling Terkenal

americanplacetheatre – Mungkin dengan pengecualian Molière, sebagian besar tidak dapat menyebutkan satu pun penulis drama Prancis. Untuk mencoba dan memperbaiki kesalahan ini, saya telah membuat daftar tujuh dramawan Prancis terkenal favorit saya, bersama dengan pengantar gaya mereka dan drama paling terkenal.

Semua penulis naskah drama ini adalah pionir pada zaman mereka, dan mencakup abad ke-17, 18, 19, dan 20. Saya telah memilih hanya penulis pra-WW2, sehingga Anda dapat yakin bahwa para penulis hebat ini telah bertahan dengan baik dan benar-benar bertahan dalam ujian waktu.

Ini sama sekali bukan daftar yang lengkap, dan ada banyak penulis drama Prancis hebat lainnya yang ditempatkan di sana. Perlu juga dicatat bahwa banyak orang dalam daftar ini, seperti Victor Hugo misalnya, tidak hanya menulis drama, tetapi juga menghasilkan esai, novel , dan puisi.

Moliere (1622-73)

Tidak diragukan lagi, penulis naskah drama Prancis yang paling terkenal, Molière juga secara umum diakui sebagai dramawan komik terbesar di Barat. Komedi-komedinya penuh dengan komentar sosial, baik menganalisis maupun mengejek berbagai jenis orang, seperti orang yang bertele-tele, pemanjat sosial, dan misanthrope. Sindiran ini sering menimbulkan kegemparan di antara mereka yang menerima lelucon, yang secara teratur adalah anggota masyarakat kelas atas dan kelas atas.

Mungkin kontroversi terbesar dalam karir Molière adalah yang disebabkan oleh Tartuffe , sebuah drama yang menyindir orang-orang munafik agama dan berbagai elemen Gereja Katolik Roma. Setelah pertama kali dilakukan pada tahun 1664, Tartuffe dikecam oleh banyak orang karena dianggap menyerang agama dan pertunjukannya di depan umum dilarang selama lima tahun.

Di antara inspirasi Molière untuk karyanya adalah commedia dell’arte Italia , yang berkembang di Eropa pada saat rombongan commedia berkeliling benua. Namun demikian, karakter Molière pada dasarnya adalah Prancis dan berakar pada pengamatan yang cerdik terhadap perilaku sosial.

Di samping Tartuffe , kesuksesan besar Molière lainnya termasuk L’Avare ( The Miser ), Dom Juan , Le Bourgeois gentilhomme ( The Bourgeois Gentleman ) dan Le Malade imaginaire ( The Imaginary Invalid ). Selama pertunjukan yang terakhir, ketika Molière memainkan peran utama, dia pingsan dan meninggal hari itu juga.

Baca Juga : Dramawan Rusia Hebat Yang Harus Anda Ketahui

Jean Racine (1639-1699)

Juga menulis selama masa pemerintahan Louis XIV yang panjang, Jean Racine sering dianggap sebagai penulis naskah drama Prancis yang tragis . Dramanya yang paling terkenal sering kali diambil dari karya klasik, di mana ia memperoleh pemahaman yang luar biasa selama pendidikannya di Port-Royal des Champs.

Phèdre, umumnya diakui sebagai karya terbesarnya, didasarkan pada Hippolytus , sebuah tragedi Yunani kuno yang ditulis oleh penulis drama Euripides. Racine dan Euripides keduanya membahas cerita yang sama dari mitologi Yunani, tetapi sementara penulis naskah kuno berfokus pada Hippolytus sendiri, Racine memilih untuk fokus pada ibu tirinya Phaedra (Phèdre).

Jean Racine juga meminjam dari sejarah Romawi, seperti di Brittanicus , sebuah tragedi mulia yang menyangkut kaisar Nero. Selain dua karya ini, drama Racine terkenal lainnya termasuk Andromaque , Bajazet , Athalie , dan Bérénice .

Drama Jean Racine sering dipuji karena penggunaan bahasanya yang puitis, yang diyakini banyak orang tidak dapat diterjemahkan, atau setidaknya tidak tanpa menangkap keanggunan dan intensitasnya. Namun demikian, sejak tahun 1670-an, banyak terjemahan bahasa Inggris dari karyanya telah muncul.

Terlepas dari bakatnya, Racine pensiun dari panggung di puncak karirnya dan memperoleh posisi bergengsi sebagai historiografer kerajaan di istana Louis bersama temannya Nicholas Boileau. Dia kembali ke penulisan drama meskipun dengan dua drama Alkitab ( Athalie dan Ester ) yang dibuat mengikuti permintaan dari istri Louis XIV, Madame de Maintenon. Dia meminta Racine untuk memainkan drama yang dapat dilakukan oleh gadis-gadis di sekolah di Saint-Cyr yang dia dirikan bersama, dan di mana dia juga mengajar.

Pierre Corneille (1606-1684)

Bersama dengan Molière dan Jean Racine, Pierre Corneille diakui sebagai salah satu dari tiga penulis naskah drama Prancis abad ke-17. Dia dianggap sebagai bapak tragedi klasik Prancis, dan terkenal karena empat tragedinya Le Cid (1637), Horace (1640), Cinna (1641), dan Polyeucte (1643), yang secara kolektif dikenal sebagai “klasik” Corneille. tetralogi”.

Le Cid , sering dianggap sebagai karya terbaiknya, didasarkan pada drama karya dramawan Spanyol Guillén de Castro y Bellvís (1569-1531) berjudul Las mocedades del Cid , yang didasarkan pada legenda El Cid.

Cinna prihatin dengan rencana pembunuhan terhadap Augustus, kaisar Romawi pertama, dan Polyeucte menceritakan kisah seorang mualaf Kristen yang memilih untuk mati sebagai martir daripada meninggalkan imannya. ( Polyeucte diatur pada saat Kekaisaran Romawi menganiaya orang Kristen.)

Share via
Copy link
Powered by Social Snap