Teater Memiliki Makna Dalam Kehidupan

Teater Memiliki Makna Dalam Kehidupan sehari-hari. Dari sekian banyak karya seni yang ada, teater adalah salah satu objek untuk menyampaikan aspirasi dan imajinasi banyak orang. Beberapa orang juga melakukan teater jika memberikan sindiran untuk pemerintah. Awalnya teater adalah tempat / studio seni tempat mempersiapkan seni pertunjukan. Istilah tersebu kemudian berkembang menjadi, Bangunan menampilkan drama atau film; Studio dan organisasi sekelompok orang yang aktif di bidang seni pertunjukan drama. Drama bukan dari segi karakter cerita, tetapi dari teknik pelatihan dan kreativitas.

Dalam perkembangannya, seni teater seperti bentuk seni lainnya memiliki beberapa peran. Ekspresi Media: Salah satu kebutuhan manusia adalah menyalurkan naluri untuk berekspresi melalui gerakan dan ucapan yang bermakna. Dalam kehidupan manusia selalu ada hal-hal yang menyebabkan kekacauan psikologis. Salah satu cara untuk menangani proses ini adalah dengan mengungkapkannya melalui peniruan / manipulasi bentuk kehidupan dan masalah manusia itu sendiri. Jadi, seni teater lahir dari Komunikasi Media dan seringkali memunculkan gagasan dan pesan yang akan disampaikan dalam bahasa langsung. Ketidaksiapan intelektual, emosional, dan spiritual ketika menerima informasi membuat tidak semua manusia ingin memahami atau menerima pesan, terutama yang bertentangan dengan minat mereka.

Penulis teater yang sering menghabiskan waktuya  kami bisa mengungkapkan dan memanipulasi realitas cerita secara jujur, adil / tidak memihak, secara komprehensif, sehingga dapat menyentuh hati nurani dan akal sehat manusia. Dengan pertunjukan yang menyentuh nilai-nilai kemanusiaan, kami berharap masih ada sisi baik dari manusia yang dapat menerima permohonan / gagasan untuk kebaikan bersama. Bentuk media komunikasi teater ini seringkali lebih efektif daripada komunikasi langsung dengan informasi yang tidak terlalu rumit. Dengan mempertimbangkan semua aspek persiapan yang mapan, teater dapat bertindak sebagai media komunikasi yang baik, Pengembangan Potensi Media dan Kreativitas: Potensi yang dimiliki oleh manusia tidak sama, sehingga kehidupan manusia saling melengkapi.

National Arts Festival, Festival Teater Tahunan Yang Digelar di Afrika Selatan
Teater

National Arts Festival, Festival Teater Tahunan Yang Digelar di Afrika Selatan

National Arts Festival, Festival Teater Tahunan Yang Digelar di Afrika Selatan – National Arts Festival (NAF) adalah festival seni pertunjukan tahunan di Grahamstown, Afrika Selatan. Ini adalah festival seni terbesar di benua Afrika dan salah satu festival seni pertunjukan terbesar di dunia berdasarkan jumlah pengunjung. Festival ini berlangsung selama 11 hari, dari minggu terakhir bulan Juni hingga minggu pertama bulan Juli setiap tahunnya. Itu terjadi di kota universitas kecil Grahamstown, di provinsi Eastern Cape di Afrika Selatan.

National Arts Festival, Festival Teater Tahunan Yang Digelar di Afrika Selatan

americanplacetheatre – NAF terdiri dari program Utama dan festival Fringe, keduanya dikelola oleh National Arts Festival Office, sebuah Perusahaan Bagian 21 nirlaba. Program Festival meliputi seni pertunjukan (teater, tari, komedi stand-up dan musik live), pameran seni visual, film, bincang-bincang dan lokakarya, pameran makanan dan kerajinan besar, serta wisata sejarah kota.

Baca Juga : Sejarah Intiman Theatre Festival Yang Berdiri Pada Tahun 1972 di Seattle

NAF menyelenggarakan festival seni anak-anak selama periode yang sama dan sejumlah festival lainnya berlangsung di Makhanda selama periode NAF, seperti Festival Jazz Pemuda Nasional. Pertunjukan berlangsung di seluruh kota di sekitar 60 tempat (seperti teater, gereja, sekolah) serta di berbagai lokasi luar ruangan untuk pertunjukan jalanan. Festival ini menarik banyak pengunjung lokal dan internasional dan merupakan salah satu kontributor terbesar bagi perekonomian wilayah tersebut.

Program utama

Sebuah komite kurator di berbagai disiplin ilmu memilih konten program utama. Proses perencanaan memperhitungkan apa yang tersedia secara lokal dan dari luar Afrika Selatan. Tiga pertimbangan yang mempengaruhi keputusan adalah nilai artistik dari setiap penyerahan, pembuatan program yang bervariasi dan seimbang, dan biaya yang terlibat.

Komite berusaha untuk keunggulan dalam semua aspek program, sebuah pendekatan yang telah membantu mendatangkan uang sponsor untuk pertunjukan kelas dunia dari sejumlah pemerintah asing dan perusahaan multinasional besar.

Pinggiran

Hari ini, Fringe sejajar dengan Festival Utama. Pemain berpengalaman dan sutradara terkenal dapat dengan mudah ditemukan di salah satu program, dan slot di program utama satu tahun tidak menghalangi kembalinya ke Fringe berikutnya. Ciri khas Fringe adalah terbuka untuk semua dan dibebaskan dari proses seleksi yang berlaku untuk program utama.

Peserta Fringe bertanggung jawab atas biaya mereka sendiri dan 85% dari penjualan box office mereka diperoleh secara langsung. Mereka bertanggung jawab atas pembayaran tertentu untuk sewa tempat dan biaya pendaftaran.

Penghargaan Artis Muda

Penghargaan Artis Muda, yang disponsori oleh Standard Bank, dipersembahkan oleh Komite Seni Festival Seni Nasional kepada seniman Afrika Selatan yang relatif muda yang telah menunjukkan kemampuan luar biasa di bidang pilihan mereka tetapi belum mencapai eksposur dan pengakuan nasional.

Anggota Komite Festival, sesama seniman dan anggota masyarakat yang tertarik, menominasikan seniman. Komite NAF, sekelompok ahli dalam berbagai disiplin seni, memutuskan penerima akhir.

Dirancang untuk mendorong penerima dalam mengejar karir mereka, aspek kunci dari penghargaan adalah bahwa mereka menjamin tempat seniman di program utama Festival Seni Nasional yang akan datang. Terlepas dari hadiah uang tunai, masing-masing pemenang menerima dukungan finansial yang besar untuk partisipasi Festival mereka apakah ini melibatkan pemasangan pameran atau pementasan produksi.

Maksimal lima penghargaan diberikan setiap tahun di salah satu disiplin ilmu drama, musik, jazz, seni visual, tari dan film. Sejak dimulainya penghargaan pada tahun 1981, lebih dari 150 penghargaan telah diberikan ditambah lima penghargaan khusus kepada seniman sebagai pengakuan atas kontribusi mereka pada Festival Seni Nasional dan seni Afrika Selatan.

Penghargaan pinggiran

Pada tahun 2010, National Arts Festival meluncurkan serangkaian penghargaan baru untuk produksi Fringe Standard Bank Ovation Awards. Penghargaan ini mengakui keunggulan di Fringe, dan bertujuan untuk mencari produksi yang inovatif, orisinal, dan kreatif yang luar biasa. Di akhir Festival, penghargaan Emas dan Perak dipilih dari daftar pemenang, memberikan penghargaan kepada produksi terbaik dalam kategori teater, tari, komedi, musik.

Penerima Penghargaan Ovation Bank Standar mendapat manfaat dari pengakuan yang diberikan oleh pengakuan tersebut, dengan perusahaan atau artis sering ditawari tur yang diperpanjang, peluang internasional untuk tampil, peningkatan peluang pendanaan, dan undangan untuk mengajukan proposal untuk program Arena tahun berikutnya. Artis yang memenangkan penghargaan Emas dan Perak menerima insentif uang sederhana.

Pertumbuhan dan perkembangan

NAF telah berkembang sejak awal. Pada tahun 1974 ada 64 acara pada program utama. (Acara mengacu pada produksi, pameran, lokakarya, kuliah, tur, dan sebagainya. Produksi drama atau tari dihitung sebagai satu acara, terlepas dari berapa kali pertunjukan itu dilakukan.) Fringe dimulai pada 1979 dengan 10 acara. Pada 2010 Festival Seni Nasional terdiri lebih dari 350 acara dengan lebih dari 1.200 pertunjukan.

Pameran kerajinan Village Green diperkenalkan pada tahun 1989 dengan sekitar 90 kios. Sekarang menarik hampir 1.000 pemilik kios. Pameran ini menawarkan pengunjung kesempatan untuk membeli berbagai barang, mulai dari sweater wol murni hingga kerajinan manik-manik, dan ada kios yang menawarkan berbagai makanan eksotis. Selain itu, ada Craft Villages di Fiddlers Green dan di Church Square.

Tanggung jawab sosial

Festival Seni Nasional mengklaim sebagai festival yang bertanggung jawab secara sosial, namun hal ini ditentang. Tangan di! Masker Mati! Program berfokus pada penguatan keterampilan kewirausahaan komunitas seni dengan menyatukan pengusaha seni untuk berbagi keterampilan dan pengetahuan dengan generasi baru manajer seni. Pada tahun 2010 Remix Laboratory melihat 120 seniman berbasis komunitas dari seluruh negeri berpartisipasi dalam program residensi selama NAF.

Para ulama mengikuti lokakarya, seminar, pertunjukan dan kunjungan ke galeri sambil dibimbing dalam praktik seni dan apresiasi seni. The Art Factory mengajarkan keterampilan kinerja pemuda yang terpinggirkan dan rentan seperti juggling dan akrobat dan menggabungkan ini dengan fokus strategis untuk membangun keterampilan hidup dan kepercayaan diri kaum muda. Pabrik Seni berfungsi sebagai proyek sepanjang tahun di Makhanda.

Sebagai bagian dari Program ArtsReach, Festival Seni Nasional membawa seni ke rumah sakit, klinik, panti jompo dan daerah pedesaan. Sejumlah seniman di Fringe menjadi sukarelawan penampilan mereka untuk program ArtsReach selama NAF. The Arts Encounter Project mendistribusikan sejumlah tiket kepada individu yang tidak mampu untuk memungkinkan mereka menikmati produksi dari program utama dan program pinggiran NAF.

Publikasi

Festival Seni Nasional menerbitkan paket atau program pemesanan tercetak setiap tahun, yang mencakup informasi artistik dan jadwal tentang pertunjukan serta tips tentang cara memesan tiket, pergi ke Makhanda, dan tempat menginap. PDF lengkap dari program ini tersedia online melalui situs web NAF di www.nationalartsfestival.co.za.

Pemesanan

Sistem pemesanan terkomputerisasi diperkenalkan pada tahun 1989. Pada tahun 1997, untuk pertama kalinya dalam sejarah teater Afrika Selatan, Festival Seni Nasional memperkenalkan pemesanan internet. Situs web NAF, yang diluncurkan pada tahun 1994, bertindak sebagai sarana pendaftaran online bagi para seniman dalam persiapan Festival, dan sebagai pusat pemesanan tiket untuk Festival. Aplikasi seluler yang dapat diunduh gratis juga telah dikembangkan, yang memungkinkan pengunjung menelusuri pertunjukan dan memesan tiket.

Staf

Baca Juga : Pertunjukan Theater Keluarga Harwich Junior

Festival Seni Nasional memiliki staf tetap kecil yang terdiri dari sekitar 10 anggota staf penuh waktu. Nobesuthu Rayi adalah Produser Eksekutif dan Rucera Seethal sebagai Direktur Artistik. Mantan presenter radio dan manajer sponsor Tony Lankester menjabat sebagai CEO selama lebih dari satu dekade, mengundurkan diri pada tahun 2019 untuk mengambil posisi di Inggris. Selama masa jabatan Lankester, administrator seni terhormat Ismail Mahomed menjabat sebagai Direktur Artistik hingga 2016.

Mahomed bertanggung jawab untuk mengawasi kurasi konten artistik NAF. Ia digantikan oleh penulis naskah drama dan administrator seni Ashraf Johaardien, yang pergi pada akhir 2018. Selama Festival, staf pelengkap bertambah menjadi sekitar 400, termasuk staf teknis, yang sebagian besar diambil dari komunitas lokal MMakhanda.

Sejarah Intiman Theatre Festival Yang Berdiri Pada Tahun 1972 di Seattle
Teater

Sejarah Intiman Theatre Festival Yang Berdiri Pada Tahun 1972 di Seattle

Sejarah Intiman Theatre Festival Yang Berdiri Pada Tahun 1972 di Seattle – Intiman Theatre Festival di Seattle, Washington, didirikan pada tahun 1972 sebagai teater residen oleh Margaret “Megs” Booker, yang menamakannya untuk teater Stockholm August Strindberg. Dengan fokus yang dideklarasikan sendiri pada “ansambel akting residen, kesetiaan pada niat penulis naskah dan hubungan dekat antara aktor dan penonton”, Intiman segera menyebut dirinya sebagai “teater klasik Seattle”.

Sejarah Intiman Theatre Festival Yang Berdiri Pada Tahun 1972 di Seattle

americanplacetheatre – Musim debutnya pada tahun 1972 termasuk Rosmersholm, The Creditors, The Underpants, dan Brecht on Brecht. Teater telah menjadi tuan rumah bagi sutradara nominasi Tony Bartlett Sher (yang menjabat sebagai sutradara dan direktur artistik), aktris nominasi Tony Celia Keenan-Bolger, dan aktor film Tom Skerritt.

Baca Juga : Mengenal Sejarah Festival Teater Internasional Edinburgh dan Festival Adelaide

Itu juga rumah bagi pemutaran perdana dunia musikal Broadway pemenang Tony The Light in the Piazza, Hutan Bernyanyi Craig Lucas dan “Miracle!” Dan Savage! Lucas juga menjabat sebagai Associate Artistic Director. Intiman memenangkan Penghargaan Tony Award Teater Regional 2006.

Pada April 2011, Teater Intiman menyadari perlunya jeda, refleksi, dan peluncuran kembali dengan model baru yang berkelanjutan secara finansial dan dinamis secara artistik.

Setelah mendengarkan masukan dari seniman, penonton, penyandang dana dan masyarakat, Intiman meluncurkan festival teater musim panas pertamanya pada bulan Juli dan Agustus 2012 di bawah kepemimpinan Artistic Director Andrew Russell dan Managing Director Keri Kellerman. Festival, yang dikuratori dari dorongan kolektif seniman, menampilkan empat drama dan kumpulan 17 aktor yang membentang melalui lebih dari 40 peran. The Intiman Theatre Playhouse berganti nama menjadi Cornish Playhouse pada tahun 2013 dan sekarang dikelola oleh Cornish College of the Arts.

Pada tahun 2017, Phillip Chavira menjadi Direktur Eksekutif pertama Intiman, dan orang kulit berwarna pertama yang memimpin organisasi ini. Pada akhir tahun 2017, Andrew Russell menyelesaikan masa jabatannya sebagai Producing Artistic Director dan Jennifer Zeyl menjadi Artistic Director ketujuh Intiman.

Sejarah

Lokasi asli Intiman adalah teater 65 kursi di Kirkland, Washington. Di bawah kepemimpinan direktur artistik Megs dan John Booker, Intiman secara resmi didirikan sebagai teater nirlaba pada tahun 1973.

Selama beberapa tahun berikutnya, perusahaan memasang produksi di Cornish College  dan Gary Austin Teater Panggung Kedua di Seattle,  jumlah penonton dan anggaran meningkat setiap musim. Pada tahun 1978, Intiman menyebut dirinya “Seattle’s Classic Theatre” dan menampilkan empat belas aktor, termasuk Megan Cole, Clayton Corzatte, Ted D’Arms, John Gilbert, Patricia Healy, Richard Riele, Peter Silbert , Meg Hilton, Barry Mulholland, dan Jean Smart..

Pada tahun 1977, Intiman membuka kantor administrasi sepanjang tahun di Pioneer Square dan mempekerjakan Simon Siegl sebagai manajer umum pertamanya. Dengan musim lima drama klasik , Intiman juga memulai program paralel “New Plays Onstage”, mementaskan pembacaan karya kontemporer yang disutradarai dan dibawakan oleh anggota ansambel. Selama beberapa tahun berikutnya, Intiman dianugerahi status kelembagaan oleh King County dan Washington State Arts Commissions dan menerima hibah tantangan NEA.

Setelah proses perencanaan selama tiga tahun, Intiman berpartisipasi dalam Scandinavia Today 1982, sebuah pameran internasional budaya Nordik, yang diadakan di lima kota di Amerika. Intiman menampilkan pembacaan lima karya kontemporer dan dua karya klasik hebat di panggung utamanya: The Wild Duck dan A Dream Play, bekerja sama dengan sutradara, desainer, dan penulis naskah papan atas Skandinavia,

Sementara itu, Second Stage, venue Intiman selama sembilan musim teater, menghadapi pembongkaran untuk memberi jalan bagi Washington State Convention Center. Selama beberapa tahun, Intiman, tidak seperti teater residen profesional lainnya di daerah itu, beroperasi tanpa rumah permanen. Di bawah kepemimpinan berkelanjutan Booker dan Siegl, Intiman menyewa berbagai tempat pertunjukan di sekitar kota dalam jangka pendek, termasuk Broadway Performance Hall di kampus Seattle Central Community College.

Gambaran ini berubah secara radikal setelah tahun 1985, ketika Peter Davis datang sebagai direktur pelaksana pertama Intiman. Davis, mantan desainer pemandangan yang pernah bekerja untuk Intiman dan Seattle Repertory Theatre sepenuhnya merestrukturisasi keuangan dan administrasi Intiman. Dia berhasil merundingkan rencana Intiman untuk mengoperasikan dan mengelola fasilitas teater di halaman Seattle Center.

Fasilitas itu, Seattle Center Playhouse (kemudian Intiman Playhouse dan kemudian Cornish Playhouse) telah dibangun untuk Pameran Century 21 (Pameran Dunia Seattle 1962), dan kemudian berfungsi sebagai rumah asli Seattle Repertory Theatre. Pada tahun 1982, Rep telah pindah ke fasilitas baru di tempat lain di dasar Seattle Center. Intiman mendapat sewa selama 22 tahun dari City.

Setelah renovasi senilai US$1,2 juta, pada tahun 1987, untuk pertama kalinya dalam sejarahnya, Intiman memiliki satu fasilitas dengan area pertunjukan, latihan, produksi, toko dan administrasi. Saat pindah ke fasilitas barunya, Intiman mempekerjakan direktur artistik baru, Elizabeth Huddle, yang menjabat selama enam tahun berikutnya, digantikan pada 1993 oleh Warner Shook.

Pada tahun 1994, Intiman menjadi perusahaan teater regional pertama di negara tersebut yang diberikan hak untuk memproduksi dua bagian epik Angels in America yang memenangkan Tony Kushner dan Pulitzer. Bagian Satu: Millennium Approaches menutup musim 1994 milik Intiman, dan Bagian Dua: Perestroika membuka musim 1995.

Disutradarai oleh Shook, The Complete Angels in America adalah produksi paling sukses secara komersial yang pernah diproduksi di teater, mencapai lebih dari 63.000 penonton selama dua tahun. Selama dekade berikutnya, Intiman memproduksi drama oleh penulis Amerika yang provokatif dan berpengaruh seperti Edward Albee, Moisés Kaufman, Ellen McLaughlin, Terrence McNally, David Rabe, Anna Deavere Smith, Paula Vogel, dan Chay Yew.

Pada tahun 2008 Intiman menyelesaikan sebuah proyek berjudul The American Cycle, serangkaian lima drama yang ditulis oleh tokoh-tokoh Amerika, empat di antaranya tidak ditulis sebagai drama. Mereka adalah: Thornton Wilder’s Our Town (2004) mengadaptasi novel John Steinbeck The Grapes of Wrath (2005) mengadaptasi novel Richard Wright Native Son (2006) mengadaptasi novel Harper Lee To Kill a Mockingbird (2007), dan mengadaptasi novel Robert Penn Warren All the King’s Men (2008) Sebuah proyek baru, The New American Cycle, dimulai pada tahun 2009 dengan Abe Lincoln dari Robert E. Sherwood di Illinois.

Selama tahun 2008–2010 Intiman mengalami transisi dari satu kelompok pemimpin ke kelompok berikutnya. Laura Penn keluar sebagai Managing Director pada Maret 2008. Penggantinya, Brian Colburn, secara resmi dimulai pada November 2008 tetapi tidak pindah ke Seattle hingga awal 2009.. Colburn mengundurkan diri pada 1 November 2010. Kate Whoriskey menggantikan Bartlett Sher sebagai Direktur Artistik pada 2010.

Awalnya mereka berencana untuk bersama-sama mengelola musim pertama transisi, tetapi itu berubah ketika Mr. Sher pergi pada Maret 2010. Pada 16 April 2011 Dewan Pengawas memilih untuk menutup Teater Intiman dan memberhentikan seluruh staf, termasuk Artistic Director Kate Whoriskey.

Pada bulan November 2010, Intiman menemukan bahwa teater tersebut memiliki utang sebesar $2,3 juta dan telah memulai upaya penggalangan dana untuk membayar biaya yang telah jatuh tempo dan mengurangi utang. Namun, tak lama setelah musim dibuka, Dewan memutuskan bahwa situasi keuangan akan memaksa Dewan untuk menutup teater, sementara. Dewan melibatkan Susan Trapnell, seorang konsultan, untuk memberi nasihat tentang rencana membuka kembali teater pada tahun 2012.  Pada tanggal 5 Agustus 2011 pertunjukan pertama Seattle Theatresports berlangsung, pertunjukan yang sebelumnya telah dilakukan di Gum Wall Theater di Pike Place Market.

Baca Juga : Sejarah Harwich Junior Theatre Dimasa Lalu

Festival Musim Panas 2013 menampilkan produksi dari:

  1. “Trouble in Mind” oleh Alice Childress.
  2. “Kami Tidak Akan Membayar! Kami Tidak Akan Membayar!” oleh Dario Fo. “
  3. Lysistrata” oleh Aristophanes. dan
  4. “STU For Silverton”, musikal baru tentang Stu Rasmussen, walikota transgender pertama yang diketahui di Amerika.

Festival Musim Panas 2016 menampilkan produksi:

  1. “Stick Fly” oleh Lydia R. Diamond.
  2. “Wedding Band: A Love/Hate Story in Black and White” oleh Alice Childress.

Festival Musim Panas 2017 menampilkan produksi:

  • “Barbecue” oleh Robert O’Hara.
  • “Dragon Lady”, musikal baru oleh Sara Porkalob.
Mengenal Sejarah Festival Teater  Internasional Edinburgh dan Festival Adelaide
Teater

Mengenal Sejarah Festival Teater Internasional Edinburgh dan Festival Adelaide

Mengenal Sejarah Festival Teater Internasional Edinburgh dan Festival Adelaide – Festival Seni Adelaide, juga dikenal sebagai Festival Adelaide, adalah festival seni tahunan yang diadakan di ibu kota Australia Selatan, Adelaide pada bulan Maret. Dimulai pada tahun 1960, ini dianggap sebagai salah satu perayaan seni utama dunia, dan acara budaya unggulan di Australia.

Mengenal Sejarah Festival Teater Internasional Edinburgh dan Festival Adelaide

Festival Adelaide

americanplacetheatre – Festival ini terutama berpusat di pusat kota dan tamannya, dengan beberapa tempat di pinggiran kota bagian dalam (seperti Teater Odeon, Norwood) atau kadang-kadang lebih jauh. Pusat Festival Adelaide dan River Torrens biasanya menjadi inti dari acara tersebut, dan dalam beberapa tahun terakhir Elder Park telah menjadi tuan rumah upacara pembukaan.

Baca Juga : 24:7 Theatre Festival, Acara Tahunan di Manchester Yang Hadirkan Drama Inovatif

Ini terdiri dari banyak acara, biasanya termasuk opera, teater, tari, musik klasik dan kontemporer, kabaret, sastra, seni visual, dan media baru. Acara musik dunia empat hari, WOMADelaide, dan festival sastra Adelaide Writers ‘Week juga merupakan bagian dari Festival.

Awalnya disajikan dua tahun sekali, bersama dengan Adelaide Fringe (awalnya tidak resmi), Fringe telah diadakan setiap tahun sejak 2007, dengan Festival of Arts menjadi tahunan beberapa tahun kemudian, pada tahun 2012. Dengan semua acara ini, ditambah pengunjung tambahan, aktivitas dan konser musik yang dibawakan oleh acara balap motor sirkuit jalanan yang dikenal dengan Adelaide 500, waktu dalam setahun sering disebut sebagai “Mad March” oleh penduduk setempat.

Sejarah

Festival Adelaide dimulai dengan upaya Sir Lloyd Dumas pada akhir 1950-an untuk menyelenggarakan festival seni besar yang akan menghadirkan pameran budaya kelas dunia di Australia Selatan. Pada tahun 1958, Sir Lloyd menyelenggarakan pertemuan para anggota terkemuka komunitas bisnis, seni, dan pemerintahan Adelaide. Proposal untuk acara yang mirip dengan Festival Internasional Edinburgh didukung dan Dewan Gubernur Festival pertama dibentuk.

Acara mulai terwujud ketika Sir Lloyd bermitra dengan John Bishop, Profesor Musik di Universitas Adelaide. Keduanya mendapat dukungan dari Walikota dan Dewan Kota Adelaide dan dukungan finansial sebesar 15.000 pound. Sejumlah bisnis terkemuka mensponsori festival pertama, termasuk The Advertiser, Bank of Adelaide, John Martin & Co., Adelaide Steamship Company, dan Kelvinator.

Festival Seni Adelaide yang pertama berlangsung dari 12 hingga 26 Maret 1960 dan disutradarai oleh Uskup dengan beberapa bantuan dari Ian Hunter, Direktur Artistik Festival Edinburgh. Ada 105 pertunjukan yang mencakup hampir semua aspek seni. Pada tahun pertamanya, acara ini juga melahirkan Adelaide Fringe, yang telah berkembang menjadi acara terbesar dari jenisnya di dunia setelah Edinburgh Fringe.

Festival Adelaide terus berkembang selama beberapa tahun berturut-turut dengan dukungan dari Pemerintah Australia Selatan. Ini mengembangkan sejumlah acara yang tergabung termasuk Adelaide Writers ‘Week, festival sastra asli Australia. WOMADelaide, festival musik dunia. dan, Festival Ide Adelaide. Adelaide International adalah program seni visual kontemporer internasional yang diselenggarakan dalam kemitraan dengan Museum Samstag dari tahun 2010 hingga 2014.

Setelah mengalami beberapa kesulitan di bawah kepemimpinan Peter Sellars pada 2001-2, acara ini sekali lagi dianggap sangat kuat, dengan reputasinya yang utuh sebagai acara unggulan di negara itu, pada 2006, Festival Adelaide berubah dari acara dua tahunan menjadi acara tahunan mulai tahun 2012.

Tahun 2013 menandai tahun pertama Festival Adelaide yang diadakan setiap tahun, dan awal dari masa jabatan tiga tahun David Sefton yang terkenal dan dihormati di dunia sebagai Direktur Artistik, kemudian diperpanjang untuk satu tahun lagi. Program 2013 juga termasuk untuk pertama kalinya, ‘festival dalam festival’ tiga malam: Unsound Adelaide menampilkan artis internasional yang memainkan musik elektronik multi-dimensi. “Ulasan tidak sehat”. Pengiklan. 15 Maret 2013.

Debut Adelaide Festival dari Artistic Directors Neil Armfield AO dan Rachel Healy menandai kembalinya ke karya seni dalam skala besar, termasuk produksi opera terkenal dari Saul Barrie Kosky. “Neil Armfield dan Rachel Healy direktur seni bersama Adelaide Festival of Arts 2017”. Sydney Morning Herald. 7 Mei 2015. Keempat festival mereka dari 2017-2020 telah sukses besar memecahkan rekor box office tahun demi tahun.

Beberapa jam setelah Festival Adelaide 2020 selesai, Pemerintah Australia mengeluarkan undang-undang untuk melarang pertemuan lebih dari 500 orang karena wabah COVID-19 – menutup festival dan acara di seluruh negeri.

Tata kelola dan pendanaan

Pada tahun 1998 Adelaide Festival Corporation didirikan sebagai badan hukum oleh Adelaide Festival Corporation Act 1998 (AFC Act), melapor kepada Menteri Kesenian. Sejak sekitar tahun 1996 Arts SA (kemudian Arts South Australia) bertanggung jawab atas hal ini dan beberapa badan hukum lainnya seperti Museum Australia Selatan dan Galeri Seni Australia Selatan, hingga akhir 2018, ketika fungsinya dialihkan ke pengawasan langsung oleh Departemen bagian Utama dan Kabinet, Seni dan Budaya.

Pada Juni 2019, diumumkan bahwa Festival akan menerima dana tahunan A $ 1,25 juta selama tiga tahun berikutnya, untuk membantu “terus menarik pertunjukan dan acara besar”.

Festival Internasional Edinburgh

Edinburgh International Festival adalah festival seni pertunjukan tahunan di Edinburgh, Skotlandia, selama tiga minggu pada bulan Agustus. Atas undangan dari Direktur Festival, Festival Internasional menghadirkan pemain musik kelas atas (terutama musik klasik), teater, opera dan tari dari seluruh dunia untuk tampil.

Festival ini juga menyelenggarakan serangkaian pameran seni visual, bincang-bincang, dan lokakarya. Festival Internasional pertama (dan “Festival Fringe” pertama, meskipun tidak diketahui seperti itu pada tahun pertama) berlangsung antara 22 Agustus dan 11 September 1947. Sejak saat itu Festival berlangsung setiap Agustus, kecuali Agustus 2020 karena Pandemi COVID-19.

Sejarah

Gagasan tentang Festival dengan tujuan untuk “menyediakan landasan bagi perkembangan jiwa manusia” dan memperkaya kehidupan budaya Skotlandia, Inggris, dan Eropa muncul setelah Perang Dunia Kedua. Ide untuk membuat festival internasional di Inggris pertama kali dikandung oleh Rudolf Bing, Manajer Umum Glyndebourne Opera Festival, pelindung seni Lady Rosebery, sutradara teater Sir Tyrone Guthrie, dan Audrey Mildmay (istri John Christie) selama tur masa perang dari produksi Glyndebourne skala kecil dari The Beggar’s Opera.

Rudolf Bing merencanakan festival untuk menyembuhkan luka perang melalui bahasa seni. Ini adalah raison d’être utamanya. Ini pertama kali dibiayai oleh Lord Roseberry dengan kemenangan £ 10.000 dari kudanya Ocean Swell yang memenangkan dua balapan kuda utama yang dijalankan di masa perang termasuk Piala Emas Jockey pada tahun 1944.

Jumlah ini dicocokkan oleh Dewan Kota Edinburgh dan kemudian sejumlah uang di giliran diatur oleh Dewan Seni Inggris Raya yang dibentuk oleh Lord Keynes pada akhir perang. Bing juga ikut mendirikan Festival dengan Henry Harvey Wood, Kepala British Council di Skotlandia, Sidney Newman, Profesor Musik Reid di Universitas Edinburgh, dan sekelompok pemimpin sipil dari Kota Edinburgh, khususnya Sir John Falconer.

Bing telah melihat-lihat beberapa kota di Inggris sebelum mengalihkan fokusnya ke Skotlandia dan menetap di Edinburgh, kota yang telah dia kunjungi dan kagumi pada tahun 1939. Secara khusus, kastil Edinburgh mengingatkannya pada Salzburg di mana dia pernah menjadi direktur festival sebelum perang. Harvey Wood menggambarkan pertemuan di mana ide itu ditetaskan:

Festival Musik dan Drama Internasional Edinburgh pertama kali didiskusikan di atas meja makan siang di sebuah restoran di Alun-alun Hanover, London, menjelang akhir tahun 1944. Rudolf Bing, yakin bahwa festival musik dan opera pada sesuatu seperti skala sebelum perang tidak mungkin terjadi. diadakan di salah satu pusat yang hancur dan miskin selama bertahun-tahun yang akan datang, sangat ingin mempertimbangkan dan menyelidiki kemungkinan mengadakan Festival semacam itu di suatu tempat di Inggris pada musim panas 1946.

Dia yakin dan dia meyakinkan rekan-rekan saya dan saya sendiri bahwa usaha seperti itu, yang berhasil dilaksanakan, mungkin pada saat ini di masa Eropa, menjadi lebih dari signifikansi sementara dan dapat membangun di Inggris sebagai pusat resor dunia bagi pecinta musik, drama, opera, balet dan seni grafis.

Prasyarat tertentu jelas dibutuhkan dari pusat semacam itu. Ini harus menjadi kota dengan ukuran yang wajar, mampu menyerap dan menghibur antara 50.000 dan 150.000 pengunjung selama tiga minggu sampai satu bulan. Kota ini harus, seperti Salzburg, memiliki daya tarik yang cukup indah dan indah dan harus diatur di negara yang mungkin menarik bagi wisatawan dan pengunjung asing. Itu harus memiliki jumlah teater, ruang konser dan ruang terbuka yang memadai untuk pementasan yang memadai dari program yang bersifat ambisius dan beragam.

Di atas segalanya, kota itu haruslah yang cenderung merangkul kesempatan dan bersedia menjadikan festival sebagai perhatian utama tidak hanya di Kamar-kamar Kota tetapi di hati dan rumah setiap warga negara, betapapun sederhananya. Sangat berani tetapi bukannya tanpa rasa percaya diri, saya merekomendasikan Edinburgh sebagai pusatnya dan berjanji untuk melakukan penyelidikan awal.

Wood mendekati Falconer, yang dengan antusias menyambut inisiatif atas nama kota. Karena sudah terlambat untuk menyelesaikan pengaturan untuk tahun 1946, rencana dibuat untuk tahun berikutnya. Festival Internasional pertama (dan “Festival Fringe” pertama, meskipun tidak dikenal pada tahun pertama) berlangsung antara 22 Agustus dan 11 September 1947. Sejak saat itu Festival berlangsung setiap bulan Agustus.

Baca Juga : Mengenal Sejarah Pertunjukan Theater Harwich Junior yang Melegenda

Festival pertama terkonsentrasi terutama pada musik klasik, puncaknya adalah konser yang diberikan oleh Vienna Philharmonic, dipertemukan kembali dengan mantan konduktor mereka Bruno Walter, yang telah meninggalkan Eropa setelah pendudukan Nazi di tanah airnya. Kesuksesan dramatis pertama Festival datang pada tahun berikutnya ketika sebuah adaptasi dari The Thrie Estaites karya Sir David Lyndsay dipertunjukkan dengan pujian besar untuk pertama kalinya sejak 1552 di Aula Pertemuan di Bukit.

Keinginan Angkatan Darat Inggris untuk menampilkan dirinya selama periode Festival menyebabkan pementasan independen Edinburgh Military Tattoo pertama, yang menampilkan pertunjukan piping dan tarian, pada tahun 1950. Acara tahunan ini telah dianggap sebagai bagian integral dari festival resmi, meskipun itu terus diatur secara terpisah.

24:7 Theatre Festival, Acara Tahunan di Manchester Yang Hadirkan Drama Inovatif
Program

24:7 Theatre Festival, Acara Tahunan di Manchester Yang Hadirkan Drama Inovatif

24:7 Theatre Festival, Acara Tahunan di Manchester Yang Hadirkan Drama Inovatif – 24:7 Theatre Festival adalah acara tahunan di Manchester, Inggris Raya, yang mengkhususkan diri dalam menampilkan bakat menulis baru dari seluruh Barat Laut. Didirikan pada tahun 2004 oleh David Slack dan Amanda Hennessey, dan terus berlanjut setiap tahun sejak itu, dengan pelanggan termasuk aktor Robert Powell, John Henshaw, David Fleeshman dan Sue Jenkins. Festival ini juga menarik dukungan finansial dari Dewan Seni Inggris, Dewan Kota Manchester, Bandara Manchester dan The Co-Operative.

24:7 Theatre Festival, Acara Tahunan di Manchester Yang Hadirkan Drama Inovatif

americanplacetheatre – 24: 7 bertujuan untuk menghadirkan drama inovatif kepada orang-orang Manchester dan memupuk bakat menulis, mengarahkan, tampil, dan memproduksi masa depan. Setiap tahun, skrip dipilih menggunakan proses ajudikasi ‘buta’: semua drama dibaca tanpa nama tanpa ada juri yang mengetahui nama penulisnya, memberikan semua peserta kesempatan yang sama untuk ditampilkan dalam festival, masing-masing ditampilkan di tempat yang biasanya tidak terkait dengan teater pertunjukan. Ini termasuk The Midland Hotel, New Century House dan berbagai pub, klub dan ruang bar di seluruh pusat kota.

Baca Juga :Teater Fisik, Pertunjukan Teater Yang Mencakup Pencitraan Melalui Gerakan Fisik

David Slack menemukan ide di balik 24: 7, ketika dia tampil di Edinburgh Festival Fringe pada 2002. Terinspirasi oleh kota yang hidup dengan semangat kreatif, dia mengembangkan rencana untuk membawa elemen Fringe yang paling menarik ke Manchester. Fokusnya adalah pada tulisan baru dan bakat akting yang belum dimanfaatkan. sebuah karya untuk teater orisinal dan menggairahkan yang dibawa ke tempat-tempat yang tidak biasa di jantung kota kelahirannya.

24: 7 Theatre Festival 2004

Festival perdana dimulai pada 24 Juli 2004, dan menampilkan delapan puluh pertunjukan dari tujuh belas pertunjukan di lima tempat berbeda. Entah bagaimana, uji coba ini berhasil – dengan hampir 1.500 penonton untuk tahun pertama, di berbagai lokasi. Semua ini adalah tempat yang tidak biasa untuk melakukan pertunjukan di sekitar Exchange Square di Manchester dan Chapel Street di Salford.

Pers awalnya positif – dengan situs web lokal BBC menunjukkan minat yang besar. Tahun itu diakhiri dengan kemenangan di Manchester Evening News Theatre Awards – saat 24: 7 meraih Pendatang Baru Terbaik.

24: 7 Theatre Festival 2005

Festival kedua kembali berlangsung selama tujuh hari mulai 24 Juli, dan tim berusaha untuk menyelenggarakan 24 drama tahun itu, meskipun kemunduran kecil menghasilkan 21 pertunjukan yang direncanakan di lima tempat: The Midland Hotel, Life Cafe, Baby Grand dan Late Room (semua di Peter Street, Manchester), dan The King’s Arms di Salford. Namun, Baby Grand ditutup tiba-tiba dan The King’s Arms terbukti tidak tersedia, memaksa perubahan tempat ke Bedlam dan ruang kedua di The Midland Hotel.

Dengan 105 pertunjukan selama lima hari, lagi-lagi beberapa bakat akting dan penulis drama terbaik di kawasan itu ikut serta. Jumlah penonton naik 70% pada tahun pertama, dan pers sangat positif, dengan BBC Manchester kembali memberikan liputan yang kuat secara khusus.

Seperti yang dikatakan David kepada mereka: “Kami menyajikan teater alternatif untuk semua orang, dalam porsi ukuran kecil di lokasi sehari-hari dengan harga terjangkau. Dengan membatasi pertunjukan hanya satu jam, kami membuka diri bagi penonton teater baru yang mungkin awalnya ingin berendam seorang pekerja kantoran yang bisa pergi menonton drama pada jam makan siang mereka. “

Tahun 2005 juga menyaksikan 24: 7 menyelenggarakan serangkaian Lokakarya Kinerja untuk aktor, non-aktor dan penasaran. Acara dua jam ini memungkinkan mereka yang datang untuk mengasah keterampilan dalam pertempuran panggung, pertunjukan topeng, keterampilan vokal, dan memimpikan sebuah drama dalam sehari, hanya seharga £ 12 masing-masing: dengan demikian menawarkan cara yang terjangkau untuk mempelajari trik perdagangan dari spesialis yang diakui di bidangnya, dan memastikan bahwa 24: 7 adalah jantung dari membuat teater di barat laut lebih baik dari sebelumnya.

24: 7 Theatre Festival 2006

Festival ketiga mengikuti kesuksesan festival pertama. All About Manchester menjulukinya sebagai “acara budaya tahunan yang ditunggu-tunggu”, dan Tony Wilson menyatakan 24: 7 adalah “sebuah karya untuk bakat dramatis dari kota yang sangat berbakat”.

Berbicara kepada Channel M, kepala festival David Slack berkomentar: “Hari pertama festival tahun ini terasa seperti kelanjutan dari festival tahun lalu. Sungguh menakjubkan bagaimana atmosfer, orang-orang, dan penontonnya meningkat, naik, naik!”

Dengan lebih dari seratus entri untuk dipilih, Festival terakhir, yang berlangsung dari 24-30 Juli menyelenggarakan tujuh belas drama satu jam di empat tempat di sepanjang koridor Oxford Road / Peter Street. Tempat reguler The Midland Hotel, dan tempat tahun sebelumnya, Bedlam, bergabung dengan Walkabout di Quay Street dan Palace Theatre, yang memungkinkan pertunjukan mengambil alih area Stalls Bar dan Grand Tier Bar mereka.

Drama tersebut adalah Cold Light Singing oleh Yvonne Pinnington, Fanya oleh Jeff Morris dan Peter Sudworth, Owen Parker oleh Bailey Lock, Canaveral’s Lurch oleh Neil A. Edwards Mengambil Stok, The Diversification of Veg Boy, The Judgment of Mr Jenkins, Trapped, After The Blood Rush oleh Conor McKee, A Song for the Lovers oleh Sarah McDonald Hughes, All Eyes In You oleh Anna Baatz dan Cathy Shiel, Seeds of Doubt oleh Rina Silverman, Divas And Double Glazing, My Life’s Work oleh James Allen dan Jack Lord, Relativitas oleh Claire Berry, Two Sisters oleh Caroline Harding and Vegetable oleh Diane Whitley.

Bersamaan dengan ini, datanglah pilihan lokakarya terbesar, dengan pilihan dalam Harmoni Bernyanyi, Pertarungan Panggung, Penulisan & Pertunjukan Kreatif, Dinamika Vokal, Wayang Kulit, Teater Fisik dan Latihan Aktor totok. Ada juga lokakarya tambahan di pusat kota, termasuk Pertunjukan Topeng, ‘Menulis sebagai Pembalasan’, ‘Permainan dalam Sehari’, dan tantangan khusus situs selama dua hari untuk penulis dan aktor.

Dua dari pertunjukan tahun ini juga menang di Manchester Evening News Theatre Awards: Divas & Double Glazing dianugerahi Alpha Award untuk Pendatang Baru Terbaik (yang dimenangkan 24: 7 pada tahun 2004), dan The Judgment of Mr Jenkins memenangkan Best Produksi Fringe.

24: 7 Theatre Festival 2007

Berlangsung dari tanggal 23-29 Juli, inkarnasi keempat dari festival tersebut melanjutkan pekerjaan yang disusun oleh acara awal, menampilkan pilihan drama terbaik yang baru ditulis dari wilayah Barat Laut dan, dengan kata-kata mereka sendiri, “sepelemparan batu di luar” .

Sekali lagi, The Midland Hotel menyelenggarakan sejumlah besar produksi, dengan sisanya diselenggarakan di tiga ruang di dalam tempat The Printworks Pure. Dua puluh satu produksi dipentaskan di seluruh ruang, di samping serangkaian sesi sore dan tur lencana biru. Laporan pers sekali lagi sangat melengkapi, dengan Metro mendeklarasikan festival tersebut sebagai “salah satu kekuatan budaya yang paling berkembang di Manchester” dan “menghirup udara segar”.

Di samping pertunjukan, ada serangkaian Sesi Sore yang dipimpin oleh pakar industri. Hanya dengan £ 5 per sesi, siapa pun yang tertarik dapat menghadiri sesi ini untuk membantu merencanakan pengembangan ide kreatif mereka. Mereka yang dijadwalkan berlangsung termasuk Kevin Bourke (editor teater, MEN), Will Kintish (pembicara jaringan bisnis), Mark Simpson (direktur pajak, Simpson Burgess Nash), Katherine Beacon (manajer proyek, BBC Writersroom North) dan Samantha Lansbury (rekan pengacara, Hill Dickinson).

24: 7 Theatre Festival 2008

Festival kelima berlangsung dari 21-27 Juli 2008, menampilkan pertunjukan drama baru, sekali lagi di tempat non-teater di Manchester. Jumlah drama yang dipilih tahun ini turun menjadi enam belas, meskipun staf lebih dari 200 orang (kebanyakan sukarelawan) bekerja untuk menghidupkan festival. The Midland Hotel bergabung dengan toko rekaman Zavvi di Pusat Perbelanjaan Arndale, dan area The Printworks sekali lagi. Lebih dari 100 skrip telah diserahkan untuk dipertimbangkan.

Dilucuti dari arahan seni seperti mimpi tahun-tahun sebelumnya, festival 2008 disajikan dengan cara yang minimalis, konfrontatif, namun menyenangkan. “Berapa banyak penulis yang dibutuhkan untuk membuat ruang kosong menjadi hidup?”, Tanya poster di seluruh Manchester.

Bintang Emmerdale Jeff Hordley dan bintang Coronation Street Vicky Binns berperan dalam produksi. Satu pertunjukan, A Dog Called Redemption, ditransfer ke Edinburgh Fringe langsung setelah festival, dan pertunjukan selanjutnya dihidupkan kembali di The Octagon di Bolton dan Teater Perpustakaan Manchester beberapa bulan kemudian.

Sekali lagi, beberapa pertunjukan memenangkan penghargaan di Manchester Evening News Theatre Awards, dan angka penonton naik sebesar 41%, dengan 62% dari mereka yang hadir belum pernah sebelumnya.

24: 7 Theatre Festival 2009

Berlangsung dari 20-26 Juli 2009, festival tahunan keenam menyelenggarakan 21 pertunjukan baru di seluruh Manchester. Untuk pertama kalinya, festival tersebut mengambil alih area New Century House, yang kemudian dimiliki oleh sponsor korporat, The Co-operative – beroperasi di dua ruang di dalam blok perkantoran yang sibuk. Hanya 200 meter ke depan, tempat favorit lama Pure in The Printworks menampung sisa drama tahun ini di seluruh ruang “Biru”, “Funktion”, dan “Bulat”.

Selalu bersedia memperluas peluang di luar pertunjukan itu sendiri, tim juga mendirikan The Hub: pertemuan / informasi titik demi hari, dan tempat hiburan setelah jam kerja. Berbasis di New Century House, The Hub menawarkan makanan ringan dan minuman setiap hari, dan bertindak sebagai lingkungan yang ramah untuk berkumpul atau mengadakan pertemuan di tengah-tengah festival.

Ini memberikan kesempatan untuk memberikan materi tambahan di luar 21 pertunjukan yang sudah mengesankan. Malam film, pesta ulang tahun ke-5, koleksi seni yang sebagian terinspirasi oleh festival dari Len Horsey, dan pertunjukan dari penyair Edward Barton dan artis, penyair, dan musisi Billy Childish.

Baca Juga : Pertunjukan Theater Harwich Junior Yang Selalu Menghibur

Dengan casting aktor TV Michael Starke di salah satu acara tahun ini, dan keterlibatan berkelanjutan dari Vicky Binns, John Henshaw dan Robert Powell sebagai wali dan pelindung, minat pers tinggi, dengan Manchester Evening News menyatakan: “HURRAY! Sudah hampir waktunya untuk Festival Teater 24: 7 tahun ini, sebuah acara yang telah berkembang sejak didirikan pada tahun 2004, menjadi salah satu acara teater paling menarik di negara ini. ”

2009 juga melihat 24: 7 ditampilkan pada showcase pertamanya di London, membawa tiga pertunjukan terbesar dari festival ke Young Vic di The Cut, dekat South Bank.

Teater Fisik, Pertunjukan Teater Yang Mencakup Pencitraan Melalui Gerakan Fisik
Artikel

Teater Fisik, Pertunjukan Teater Yang Mencakup Pencitraan Melalui Gerakan Fisik

Teater Fisik, Pertunjukan Teater Yang Mencakup Pencitraan Melalui Gerakan Fisik – Teater fisik adalah genre pertunjukan teater yang mencakup penceritaan terutama melalui gerakan fisik. Meskipun beberapa disiplin teater pertunjukan sering digambarkan sebagai “teater fisik,” aspek karakteristik genre ini adalah ketergantungan pada gerakan fisik para pemain daripada, atau dikombinasikan dengan, teks untuk menyampaikan penceritaan. Pemain dapat berkomunikasi melalui berbagai gerakan tubuh (termasuk menggunakan tubuh untuk menggambarkan emosi).

Teater Fisik, Pertunjukan Teater Yang Mencakup Pencitraan Melalui Gerakan Fisik

americanplacetheatre  – Institusi tertentu menyarankan bahwa semua genre teater fisik memiliki karakteristik yang sama, meskipun pertunjukan individu tidak perlu menunjukkan semua karakteristik tersebut untuk didefinisikan sebagai teater fisik. Penelitian tentang pelatihan atau “pekerjaan” seniman teater fisik mengutip penggabungan berbagai elemen yang diadopsi sebagai sarana untuk menginformasikan lebih lanjut penelitian / produksi teater.

Baca Juga : Teater Absurd, Pertunjukan Pasca PD II Untuk Drama Fiksi Absurdis

Elemen-elemen ini termasuk asal-usul, bukan berasal dari beberapa praktisi, seperti Lloyd Newson,meskipun menjadi perusahaan pertama yang memasukkan istilah Teater Fisik ke dalam judul perusahaannya (DV8 Physical Theater), telah menyatakan keprihatinan bahwa ekspresi sekarang digunakan sebagai kategori “lain-lain”, yang mencakup apa pun yang tidak jatuh rapi ke dalam teater dramatis sastra atau tarian kontemporer.

Dia juga frustrasi bahwa banyak perusahaan dan pemain yang menggambarkan apa yang mereka lakukan sebagai teater fisik tidak memiliki keterampilan fisik, pelatihan dan / atau keahlian dalam gerakan.

Dengan demikian, pendekatan teater kontemporer (termasuk pertunjukan pasca-modern, pertunjukan yang dirancang, pertunjukan visual, pertunjukan pasca-dramatis, dll.), sambil memiliki definisi berbeda mereka sendiri, seringkali hanya diberi label “teater fisik” tanpa alasan lain selain mereka tidak biasa dalam beberapa cara.

Tari yang sifatnya teater juga bisa bermasalah. Potongan tarian dapat disebut “teater fisik” hanya karena mencakup unsur kata, karakter, atau narasi yang diucapkan. Namun, meskipun teater dan fisik, itu mungkin tidak selalu berbagi kesamaan dengan tradisi teater fisik.

Teater fisik modern

Sebuah teater fisik modern telah tumbuh dari berbagai asal-usul. Mime dan sekolah badut teater, seperti L’Ecole Internationale de Theatre Jacques Lecoq di Paris, telah memiliki pengaruh besar pada banyak ekspresi modern teater fisik. Praktisi seperti Steven Berkoff dan John Wright menerima pelatihan awal mereka di lembaga tersebut.

Tarian kontemporer juga memiliki pengaruh yang kuat pada apa yang kita anggap sebagai teater fisik, sebagian karena sebagian besar teater fisik mengharuskan aktor untuk memiliki tingkat kontrol fisik dan fleksibilitas tertentu. Kualitas-kualitas ini jarang ditemukan pada mereka yang tidak memiliki semacam latar belakang gerakan.

Teater fisik modern juga memiliki akar yang kuat dalam tradisi yang lebih kuno seperti Commedia dell’arte, dan beberapa menyarankan tautan ke teater Yunani kuno, terutama teater Aristophanes.

Tradisi teater fisik lainnya dimulai dengan master Prancis Etienne Decroux (ayah mime corporeal). Tujuan Decroux adalah untuk membuat teater berdasarkan fisik aktor, memungkinkan penciptaan teater yang lebih metafora. Tradisi ini telah berkembang, dan mime corporeal sekarang diajarkan di banyak sekolah teater utama.

Bisa dibilang, titik di mana teater fisik menjadi berbeda dari mime murni adalah ketika Jean-Louis Barrault (seorang siswa Decroux) menolak gagasan gurunya bahwa mime harus diam. Jika mime menggunakan suara mereka maka mereka akan memiliki berbagai kemungkinan terbuka bagi mereka yang sebelumnya tidak akan ada.

Gagasan ini dikenal sebagai “Total Theatre” dan Barrault menganjurkan bahwa tidak ada elemen teater yang harus mengambil keutamaan daripada yang lain: gerakan, musik, gambar visual, teks dll. Dia memandang setiap elemen sama pentingnya, dan percaya bahwa masing-masing harus dieksplorasi untuk kemungkinan mereka.

Barrault adalah anggota perusahaan Michel Saint-Denis, bersama Antonin Artaud. Artaud juga sangat berpengaruh dalam membentuk apa yang telah dikenal sebagai teater fisik. Artaud menolak keutamaan teks dan menyarankan teater di mana lengkungan proscenium dibuang untuk memiliki hubungan yang lebih langsung dengan penonton.

Beberapa praktisi yang kemudian mempengaruhi teater fisik. Sejumlah tradisi Oriental memiliki tingkat pelatihan fisik yang tinggi, dan merupakan mahakarya visual. Tradisi Noh Jepang, khususnya, seringkali sering terjadi. Sifat energi dan visual teater Bali membuat Antonin Artaud terpesona dan ia menulis secara ekstensif di atasnya.

Noh telah penting bagi banyak praktisi termasuk Lecoq, yang berdasarkan topeng netralnya pada topeng noh yang tenang. Jerzy Grotowski, Peter Brook, Jacques Copeau dan Joan Littlewood semuanya secara sadar dipengaruhi oleh Noh.

Tradisi teater timur telah mempengaruhi Bersama praktisi barat kontemporer, praktisi teater Jepang tertentu dipengaruhi oleh tradisi mereka sendiri. Tadashi Suzuki menarik sebagian pada Noh dan murid-muridnya dan kolaborator telah menyebarluaskan pelatihan fisiknya yang sangat ke barat.

Ini terutama terjadi melalui kolaborasi Anne Bogart dengannya, dan pelatihan simultan aktor-aktornya dalam metode Viewpoints dan pelatihan Suzuki. Serta Suzuki, Gerakan Butoh, yang berasal dari Tatsumi Hijikata dan Kazuo Ohno mengandung unsur citra dan fisik Noh. Butoh, sekali lagi, telah mempengaruhi praktisi Barat dalam beberapa tahun terakhir, dan memiliki kesamaan tertentu dengan pelatihan mime Lecoq dalam hal ide (perwujudan citra yang mengesankan dan konsekuensial, penggunaan masker, dll.)

Selain infus ide secara bertahap dari luar tradisi teater Barat, pengaruh telah muncul dari dalam teater serta dimulai dengan Konstantin Stanislavski. Kemudian dalam hidup, Stanislavski mulai menolak gagasan naturalismenya sendiri, dan mulai mengejar ide-ide yang berkaitan dengan tubuh fisik dalam kinerja. Meyerhold dan Grotowski mengembangkan ide-ide ini dan mulai mengembangkan pelatihan aktor yang mencakup pelatihan fisik tingkat yang sangat tinggi. Peter Brook mempengaruhi dan mengembangkan karya ini.

Tarian kontemporer telah ditambahkan secara signifikan ke campuran ini, dimulai terutama dengan Rudolf von Laban. Laban mengembangkan cara melihat gerakan di luar tarian yang dikodifikasi, dan berperan penting dalam membayangkan dan menciptakan gerakan tidak hanya untuk penari tetapi juga untuk aktor.

Kemudian, Tanzteater pina Bausch dan lainnya melihat hubungan antara tarian dan teater. Di Amerika, gerakan tarian postmodern dari Tari Gereja Judson juga mulai mempengaruhi praktisi teater, karena saran mereka untuk gerakan dan pelatihan somatik sama-sama dapat diakses oleh mereka yang memiliki pelatihan tari seperti mereka yang memiliki pelatihan teater. Memang, Steve Paxton mengajar siswa teater di Dartington College of Arts dan institusi lainnya.

Perkembangan pantomim Inggris juga sangat dipengaruhi oleh dell’arte commedia kontinental, bentuk teater populer yang muncul di Italia pada Periode Modern Awal. Ini adalah “komedi seniman profesional” yang bepergian dari provinsi ke provinsi di Italia dan kemudian Prancis, yang berimprovisasi dan menceritakan kisah komik yang mengadakan pelajaran bagi orang banyak, mengubah karakter utama tergantung di mana mereka tampil.

Baca Juga : Kemewahan Dalam Pertunjukan Teater Ohio

Setiap “skenario” menggunakan beberapa karakter saham yang sama. Ini termasuk innamorati (pecinta muda) vecchi (orang tua) seperti Pantalone, dan zanni (pelayan) seperti Arlecchino, Colombina, Scaramouche dan Pierrot. Pertunjukan maskulin Italia pada abad ke-17 kadang-kadang termasuk karakter Harlequin.

Pada abad ke-17, adaptasi karakter commedia menjadi akrab dalam hiburan Inggris.Dari sini, harlequinade Inggris standar dikembangkan, menggambarkan pecinta kawin lari Harlequin dan Columbine, dikejar oleh ayah gadis itu Pantaloon dan pelayan komiknya Clown dan Pierrot. Dalam versi bahasa Inggris, pada abad ke-18, Harlequin menjadi tokoh sentral dan pemeran utama romantis. Plot dasar dari harlequinade pada dasarnya tetap sama selama lebih dari 150 tahun, kecuali bahwa seorang polisi yang menggelegak ditambahkan ke pengejaran.

Teater Absurd, Pertunjukan Pasca PD II Untuk Drama Fiksi Absurdis
Artikel

Teater Absurd, Pertunjukan Pasca PD II Untuk Drama Fiksi Absurdis

Teater Absurd, Pertunjukan Pasca PD II Untuk Drama Fiksi Absurdis – Theatre of the Absurd adalah penunjukan pasca-Perang Dunia II untuk drama fiksi absurdis tertentu yang ditulis oleh sejumlah penulis drama Eropa pada akhir 1950-an. Ini juga merupakan istilah untuk gaya teater yang diwakili drama. Drama ini sebagian besar berfokus pada ide-ide eksistensialisme dan mengekspresikan apa yang terjadi ketika keberadaan manusia tidak memiliki makna atau tujuan dan komunikasi rusak.

Teater Absurd, Pertunjukan Pasca PD II Untuk Drama Fiksi Absurdis

 

americanplacetheatre – Struktur drama biasanya berbentuk bulat, dengan titik akhir sama dengan titik awal. Konstruksi dan argumen logis memberi jalan bagi pidato yang tidak rasional dan tidak logis dan kesimpulan akhir.

Baca Juga : Hal Penting yang Perlu di Perhatikan Dalam Membuat Sebuah Acara Teater 

Etimologi

Kritikus Martin Esslin menciptakan istilah ini dalam esainya tahun 1960 “The Theatre of the Absurd”, yang dimulai dengan berfokus pada penulis drama Samuel Beckett, Arthur Adamov, dan Eugene Ionesco. Esslin mengatakan bahwa drama mereka memiliki penyebut umum kata “absurd”, kata yang didefinisikan Esslin dengan kutipan dari Ionesco: “tidak masuk akal adalah apa yang tidak memiliki tujuan, atau tujuan, atau tujuan.”

Filsuf Prancis Albert Camus, dalam esainya tahun 1942 “Myth of Sisyphus“, menggambarkan situasi manusia sebagai tidak berarti dan tidak masuk akal. Absurd dalam drama-drama ini mengambil bentuk reaksi manusia terhadap dunia rupanya tanpa makna, atau manusia sebagai boneka yang dikendalikan atau di mengancam oleh kekuatan luar yang tidak terlihat. Gaya penulisan ini pertama kali dipopulerkan oleh eugène Ionesco memainkan The Bald Soprano (1950).

Meskipun istilah ini diterapkan pada berbagai drama, beberapa karakteristik bertepatan dalam banyak drama: komedi luas, sering mirip dengan vaudeville, dicampur dengan gambar yang mengerikan atau tragis. karakter yang tertangkap dalam situasi putus asa dipaksa untuk melakukan tindakan berulang atau tidak berarti. dialog yang penuh klise, permainan kata, dan omong kosong. plot yang bersepeda atau tidak masuk akal. baik parodi atau pemecatan realisme dan konsep “permainan yang dibuat dengan baik”.

Asal

Dalam edisi pertama The Theatre of the Absurd, Esslin mengutip esai filsuf Prancis Albert Camus “Myth of Sisyphus”, karena menggunakan kata “absurditas” untuk menggambarkan situasi manusia: “Di alam semesta yang tiba-tiba dirampas dari ilusi dan cahaya, manusia merasakan orang asing. … Perceraian antara manusia dan hidupnya, aktor dan pengaturannya, benar-benar merupakan perasaan Absurditas.”

Esslin menyajikan empat penulis drama yang menentukan gerakan ini sebagai Samuel Beckett, Arthur Adamov, Eugène Ionesco, dan Jean Genet, dan pada edisi berikutnya ia menambahkan penulis drama kelima, Harold Pinter. Penulis lain yang terkait dengan kelompok ini oleh Esslin dan kritikus lainnya termasuk Tom Stoppard, Friedrich Dürrenmatt, Fernando Arrabal, Edward Albee, Boris Vian, dan Jean Tardieu.

Elizabethan – tragikomedi

Mode sebagian besar drama “absurdist” adalah tragikomedi. Seperti yang dikatakan Nell di Endgame, “Tidak ada yang lebih lucu daripada kebahagiaan  itu adalah hal yang paling lucu di dunia”. Esslin mengutip William Shakespeare sebagai pengaruh pada aspek “drama Absurd” ini.

Pengaruh Shakespeare diakui langsung dalam judul Macbett Ionesco dan Stoppard’s Rosencrantz dan Guildenstern Are Dead. Friedrich Dürrenmatt mengatakan dalam esainya “Problems of the Theatre”, “Komedi saja cocok untuk kita … Tapi tragis masih mungkin bahkan jika tragedi murni tidak.

Kita bisa mencapai tragis dari komedi. Kita bisa membawanya sebagai momen yang menakutkan, sebagai jurang yang terbuka tiba-tiba. memang, banyak tragedi Shakespeare sudah benar-benar komedi yang muncul tragis.”

Meskipun berlapis dengan sejumlah besar tragedi, Theatre of the Absurd menggemakan bentuk-bentuk besar kinerja komedi lainnya, menurut Esslin, dari Commedia dell’arte hingga vaudeville. Demikian pula, Esslin mengutip komedian film awal dan seniman aula musik seperti Charlie Chaplin, Keystone Cops dan Buster Keaton sebagai pengaruh langsung. (Keaton bahkan membintangi Film Beckett pada tahun 1965.)

Eksperimen formal

Sebagai bentuk eksperimental teater, banyak penulis drama Theatre of the Absurd menggunakan teknik yang dipinjam dari inovator sebelumnya. Penulis dan teknik yang sering disebutkan dalam kaitannya dengan Theatre of the Absurd termasuk penyair omong kosong abad ke-19, seperti Lewis Carroll atau penulis drama Polandia Edward Lear Stanisław Ignacy Witkiewicz, Rusia Daniil Kharms, Nikolai Erdman, dan lainnya. Teknik menjaga jarak Bertolt Brecht di “teater Epik”-nya. dan “drama impian” dari August Strindberg.

Salah satu prekursor yang sering dikutip adalah Luigi Pirandello, terutama Six Characters in Search of an Author. Pirandello adalah eksperimental teater yang sangat dihormati yang ingin menjatuhkan dinding keempat yang diasingkan oleh realisme dramawan seperti Henrik Ibsen. Menurut W.B. Worthen, Enam Karakter dan drama Pirandello lainnya menggunakan “Metatheatre roleplaying, plays-within-plays, dan rasa fleksibel dari batas panggung dan ilusi—untuk memeriksa visi identitas yang sangat teatrikal”.

Pataphysics, surealisme, dan Dadaisme

Seorang pendahulu adalah Alfred Jarry yang Ubu-nya bermain skandal Paris pada 1890-an. Demikian juga, konsep ‘pataphysics “ilmu solusi imajiner” pertama kali disajikan dalam Jarry’s Gestes et opinions du docteur Faustroll, pataphysicien (Eksploitasi dan Opini Dr. Faustroll, pataphysician)sangat menginspirasi banyak absurdis kemudian, beberapa di antaranya bergabung dengan Collège de ‘pataphysique, didirikan untuk menghormati Jarry pada tahun 1948 (Ionesco, Arrabal, dan Vian diberi gelar Satrape Transenden dari College de ‘pataphysique).

Teater Alfred Jarry, didirikan oleh Antonin Artaud dan Roger Vitrac, menakar beberapa drama Absurdis, termasuk yang oleh Ionesco dan Adamov.

Artaud”The Theatre of Cruelty” (disajikan dalam The Theatre and Its Double) adalah perjanjian filosofis yang sangat penting. Artaud mengklaim ketergantungan teater pada sastra tidak memadai dan bahwa kekuatan teater yang sebenarnya adalah dampak visceralnya.

Artaud adalah seorang Surrealis, dan banyak anggota lain dari kelompok Surrealis adalah pengaruh signifikan pada Absurdists. Absurdisme juga sering dibandingkan dengan pendahulu Surrealisme, Dadaisme (misalnya, Dadaist yang dimainkan oleh Tristan Tzara tampil di Cabaret Voltaire di Zurich).

Banyak dari Absurdists memiliki koneksi langsung dengan Dadaists dan Surrealists. Ionesco, Adamov, dan Arrabal misalnya, berteman dengan Ahli Surealis yang masih tinggal di Paris pada saat itu termasuk Paul Eluard dan André Breton, pendiri Surrealisme, dan Beckett menerjemahkan banyak puisi Surealis oleh Breton dan lainnya dari Bahasa Prancis ke dalam bahasa Inggris.

Hubungan dengan eksistensialisme

Banyak dari absurdis adalah kontemporer dengan Jean-Paul Sartre, juru bicara filosofis untuk eksistensialisme di Paris, tetapi beberapa Absurdis benar-benar berkomitmen pada filosofi eksistensialIs Sartre sendiri, seperti yang dinyatakan dalam Being and Nothingness, dan banyak dari Absurdis memiliki hubungan yang rumit dengannya. Sartre memuji drama Genet, menyatakan bahwa untuk Genet, “Baik hanyalah ilusi. (Amat buruklah apa yang mereka sangguyukan kepadaku) yaitu perbuatan buruni dan keserukan yang dilakukan oleh orang-orangnya, menurut mereka di dalam pertidaksy Ionesco, bagaimanapun, membenci Sartre dengan pahit.

Ionesco menuduh Sartre mendukung Komunisme tetapi mengabaikan kekejaman yang dilakukan oleh Komunis. dia menulis Badak sebagai kritik terhadap kesesuaian buta, apakah itu untuk Nazisme atau Komunisme. pada akhir drama, satu orang tetap di Bumi menolak transformasi menjadi badak. Sartre mengkritik Badak dengan mempertanyakan: “Mengapa ada satu orang yang menolak? Setidaknya kita bisa belajar mengapa, tapi tidak, kita belajar bahkan tidak itu.

Dia menolak karena dia ada di sana”. Kritik Sartre menyoroti perbedaan utama antara Theatre of the Absurd dan eksistensialisme: Theatre of the Absurd menunjukkan kegagalan manusia tanpa merekomendasikan solusi. Dalam sebuah wawancara tahun 1966, Claude Bonnefoy, membandingkan absurdis dengan Sartre dan Camus, mengatakan kepada Ionesco.

“Tampaknya bagi saya bahwa Beckett, Adamov dan diri Anda memulai lebih sedikit dari refleksi filosofis atau kembali ke sumber-sumber klasik, daripada dari pengalaman langsung dan keinginan untuk menemukan ekspresi teater baru yang akan memungkinkan Anda untuk memberikan pengalaman ini dalam semua akutnya dan juga immediacy-nya. Jika Sartre dan Camus memikirkan tema-tema ini, Anda mengekspresikannya dengan cara kontemporer yang jauh lebih vital”.

Ionesco menjawab, “Saya memiliki perasaan bahwa para penulis ini – yang serius dan penting – berbicara tentang absurditas dan kematian, tetapi bahwa mereka tidak pernah benar-benar menjalani tema-tema ini, bahwa mereka tidak merasakannya dalam diri mereka sendiri dengan cara yang hampir irasional, visceral, bahwa semua ini tidak terlalu tertulis dalam bahasa mereka.

Dengan mereka itu masih retorika, kefasihan. Dengan Adamov dan Beckett itu benar-benar adalah realitas yang sangat telanjang yang disampaikan melalui dislokasi bahasa yang jelas”.

Baca Juga : Teater Pada Zaman Yunani Kuno 

Dibandingkan dengan konsep fungsi sastra Sartre, fokus utama Samuel Beckett adalah pada kegagalan manusia untuk mengatasi “absurditas”  atau pengulangan kehidupan meskipun hasil akhirnya akan sama tidak peduli apa dan semuanya pada dasarnya tidak ada gunanya  seperti yang dikatakan James Knowlson di Damned to Fame, pekerjaan Beckett berfokus, “pada kemiskinan, kegagalan, pengasingan dan kehilangan  seperti yang dia katakan , pada manusia sebagai ‘non-knower’ dan sebagai ‘non-can-er’.

Hubungan Beckett sendiri dengan Sartre rumit oleh kesalahan yang dibuat dalam publikasi salah satu ceritanya dalam jurnal Sartre, Les Temps Modernes. Beckett mengatakan, meskipun dia menyukai Mual, dia umumnya menemukan gaya penulisan Sartre dan Heidegger menjadi “terlalu filosofis” dan dia menganggap dirinya “bukan filsuf”.

Hal Penting yang Perlu di Perhatikan Dalam Membuat Sebuah Acara Teater
Artikel

Hal Penting yang Perlu di Perhatikan Dalam Membuat Sebuah Acara Teater

Hal Penting yang Perlu di Perhatikan Dalam Membuat Sebuah Acara Teater – Teknik teater adalah bagian dari penulisan drama kreatif penulis drama, sebagai semacam mimesis daripada ilusi atau imitasi kehidupan belaka, karena penulis drama mampu menyajikan kenyataan kepada penonton yang berbeda, namun dapat dikenali dengan apa yang biasanya mereka identifikasi dalam kehidupan sehari-hari mereka.

Hal Penting yang Perlu di Perhatikan Dalam Membuat Sebuah Acara Teater

americanplacetheatre – Aspek lain dari ini adalah menciptakan jenis dialog yang membuat karakter penulis drama menjadi hidup dan memungkinkan perkembangan mereka dalam perjalanan dramatisasinya.

Baca Juga : Antitheatricality, Suatu Adegan Permusuhan yang Sangat Penting di Bidang Teater

Kerajinan penulis naskah

Seni penulis naskah juga terdiri dari kemampuan untuk menyampaikan kepada penonton ide-ide yang memberikan esensi pada drama dalam bingkai strukturnya. Akhirnya, perasaan untuk pembagian alami drama  termasuk tindakan, adegan, dan perubahan tempat entri dan keluar, dan posisi pemeran adalah integral untuk teknik penulisan naskah.

Salah satu fungsi penulis naskah adalah bahwa berkaitan dengan adaptasi drama tradisional yang ada, seperti kolase Charles Marowitz tentang Hamlet dan Macbeth dan interpretasi ulang lainnya dari karya-karya Shakespeare, serta pendekatan Tom Stoppard di Rosencrantz & Guildenstern Are Dead, Dogg’s Hamlet, dan Cahoot’s Macbeth.

Sutradara

Sutradara hari ini bertanggung jawab atas produksi drama yang sebenarnya, dibandingkan dengan hari-hari sebelumnya ketika produser yang, setidaknya di Inggris sampai 1950-an, memiliki tugas ini. Pada abad-abad sebelumnya itu adalah penulis, seorang aktor-manajer, atau aktor terkemuka dengan siapa tanggung jawab pementasan drama diinvestasikan.

Sutradara memproduksi drama dengan cara dia membayangkan bagaimana seharusnya dilihat saat dia menafsirkan apa yang dimaksudkan penulis drama dalam drama; dia mengurus efektivitas latihan para aktor; dan mengoordinasikan karya desainer dan teknisi dalam produksi.

Namun, karya penulis naskah masih tercermin dalam salinan prompt sutradara, bentuk terpisah dari instruksi panggung yang dikerjakan secara rinci oleh sutradara, di mana setiap aktor diberikan rincian tentang apa yang terjadi di atas panggung, di mana tepatnya dia harus berhubungan dengan bagian belakang, depan, kiri, atau kanan panggung, dan apa yang harus dia lakukan pada satu waktu selama drama.

Definisi dan tujuan

Teater untuk pengembangan dapat dilihat sebagai kemajuan dari bentuk teater yang kurang interaktif hingga proses yang lebih dialogis, di mana teater dipraktikkan dengan orang-orang atau oleh orang-orang sebagai cara memberdayakan komunitas, mendengarkan kekhawatiran mereka, dan kemudian mendorong mereka untuk menyuarakan dan menyelesaikan masalah mereka sendiri

Untuk Kabaso Sydney , seperti yang tercermin dalam Theatre for Development di Zambia, istilah ini menggambarkan “mode teater yang tujuannya adalah untuk menyebarluaskan pesan, atau untuk menghibur masyarakat tentang situasi politik sosial mereka yang objektif”.

Penina Mlama, menyebut perusahaan sebagai “teater populer”, merangkum tujuannya sebagai berikut: ” hal ini bertujuan untuk membuat orang-orang tidak hanya menyadari tetapi juga peserta aktif dalam proses pengembangan dengan mengekspresikan sudut pandang mereka dan bertindak untuk lebih baik kondisi mereka.

Teater populer dimaksudkan untuk memberdayakan orang biasa dengan kesadaran kritis penting bagi perjuangan melawan kekuatan yang bertanggung jawab atas kemiskinannya.”

Manajemen panggung dan stagecraft

Manajer panggung harus bekerja dengan sutradara, dan memastikan apakah tujuan sutradara dan persepsi desainer panggung kompatibel dan realistis. Mereka biasanya adalah hubungan antara direktur dan seluruh perusahaan, dan bertanggung jawab atas visi direktur yang diturunkan kepada setiap aktor dan anggota kru yang sedang berjalan.

Mereka juga bertanggung jawab atas keselamatan dan menjalankan area belakang panggung yang teratur. Mereka mempertahankan buku perintah dan papan panggilan, di mana catatan jadwal latihan ditempelkan untuk para pemeran.

Stagecraft secara keseluruhan harus mengatasi berbagai kekurangan dari keterbatasan spasial dan fisik panggung. Misalnya, panggung saja tidak dapat diharapkan untuk menyediakan pemandangan yang luas dan jauh, atau ruang yang luas di mana tentara berkumpul atau massa besar orang berkumpul.

Fenomena alam seperti badai petir atau angin, yang sering menjadi bagian dari drama, tidak dapat diciptakan kembali dalam bentuk aslinya. Selain itu, karena jarak yang terlibat, sulit bagi aktor untuk menggambarkan perasaan, ketegangan, dan gairah karakter mereka kepada penonton dengan banyak kekhasan.

Tren dan gerakan

Mereka diperkenalkan oleh Jean Mairet setelah salah membaca Puisi Aristoteles, dan kritikus Castelvetro bersikeras bahwa penulis drama dan sutradara mematuhi kesatuan. Dalam Aristoteles Puitis hanya merekomendasikan bahwa tindakan hanya boleh terdiri dari plot utama tanpa subplot, dan bahwa waktu yang diwakili oleh tindakan tidak boleh membentang melampaui panjang satu hari.

Waktu hanya masuk ke dalam rekomendasinya sebagai petunjuk tentang batas rentang perhatian yang dapat diharapkan penonton. Kesatuan tempat, bahwa dari kurungan tindakan dalam bermain ke satu lokalitas saja, tidak disebutkan sama sekali.

Efek dari tiga unit pada drama Prancis selama periode ini adalah bahwa presentasi mereka menjadi sangat ketat, dan hanya ketika kemudian dramatis mulai menghindari menyebutkan waktu dan tempat-tempat tertentu bahwa presentasi drama menjadi lebih kreatif lagi.

Teater untuk pengembangan

Teater untuk pengembangan dapat dilihat sebagai kemajuan dari bentuk teater yang kurang interaktif hingga proses yang lebih dialogis, di mana teater dipraktikkan dengan orang-orang atau oleh orang-orang sebagai cara memberdayakan komunitas, mendengarkan keprihatinan mereka, dan kemudian mendorong mereka untuk menyuarakan dan menyelesaikan masalah mereka sendiri.

Untuk Kabaso Sydney , seperti yang tercermin dalam Theatre for Development di Zambia, istilah ini menggambarkan “mode teater yang tujuannya adalah untuk menyebarluaskan pesan, atau untuk menghibur masyarakat tentang situasi politik sosial mereka yang objektif” .

Penina Mlama, yang menyebut perusahaan sebagai “teater populer”, merangkum tujuannya sebagai berikut: ini bertujuan untuk membuat orang-orang tidak hanya menyadari tetapi juga peserta aktif dalam proses pengembangan dengan mengekspresikan sudut pandang mereka dan bertindak untuk lebih baik kondisi mereka.

Teater populer dimaksudkan untuk memberdayakan orang biasa dengan kesadaran kritis penting bagi perjuangan melawan kekuatan yang bertanggung jawab atas kemiskinannya.”

Subjek

Teater untuk pengembangan biasanya berusaha untuk membangun kesadaran tentang topik kritis dalam konteks politik atau perkembangan, sering menggunakan gaya agitprop. Terutama dalam rezim yang menindas, mungkin tidak aman atau mungkin untuk melakukan permainan politik yang berlebihan.

Terlepas dari isu politik, topik umum adalah pendidikan nonformal, kebersihan, pembuangan limbah, lingkungan hidup, hak-hak perempuan, pelecehan anak, prostitusi, anak jalanan, pendidikan kesehatan, HIV/AIDS, literasi, dll.

Teknik

Teater forum, salah satu bentuk teater interaktif yang dikembangkan oleh Augusto Boal sebagai bagian dari Theatre of the Oppressed- nya, dimulai dengan pertunjukan adegan pendek, seringkali adegan di mana karakter sedang tertindas dalam beberapa cara (misalnya, seorang pria yang biasanya chauvinis menganiaya seorang wanita atau pemilik pabrik yang menganiaya seorang karyawan).

Anggota audiens sekarang didorong untuk tidak hanya membayangkan perubahan tetapi untuk benar-benar mempraktikkan perubahan itu, dengan datang ke atas panggung sebagai “aktor sekte” untuk menggantikan protagonis dan bertindak intervensi untuk “memecahkan penindasan”.

Baca Juga : Sejarah Dari Teater Abad Kesembilan Belas

Melalui proses ini, peserta juga mampu mewujudkan dan merasakan tantangan dalam mencapai peningkatan yang mereka sarankan. Para aktor yang menyambut penonton secara sukarela ke panggung bermain melawan upaya penonton untuk campur tangan dan mengubah cerita, menawarkan perlawanan yang kuat sehingga kesulitan dalam membuat perubahan juga diakui.

Dengan menjadi bagian dari adegan, peserta menyelami situasi yang dilakukan, yang membuat seluruh topik terasa lebih nyata bagi orang yang datang untuk mengubah situasi. Teknik ini memberikan proses alternatif penyelesaian masalah, di mana kreativitas diminta dan pendekatan yang berbeda dicoba. Forum theatre berfungsi sebagai “latihan untuk realitas”, seperti yang disebut Augusto Boal.

Antitheatricality, Suatu Adegan Permusuhan yang Sangat Penting di Bidang Teater
Uncategorized

Antitheatricality, Suatu Adegan Permusuhan yang Sangat Penting di Bidang Teater

Antitheatricality, Suatu Adegan Permusuhan yang Sangat Penting di Bidang Teater – Antitheatricality adalah segala bentuk oposisi atau permusuhan terhadap teater. Oposisi seperti itu sama tuanya dengan teater itu sendiri, menunjukkan suasana yang mendalam di alam manusia tentang seni dramatis. Buku Jonas Barish tahun 1981, The Antitheatrical Prejudice, adalah, menurut salah satu rekan Berkeley-nya, segera diakui telah memberikan definisi intelektual dan historis untuk fenomena yang sampai saat itu hanya diamati dan dipahami secara remly.

Antitheatricality, Suatu Adegan Permusuhan yang Sangat Penting di Bidang Teater

americanplacetheatre – Buku ini mendapatkan American Theater Association’s Barnard Hewitt Award untuk penelitian luar biasa dalam sejarah teater. Barish dan beberapa komentator yang lebih baru memperlakukan anti-teater, bukan sebagai musuh yang harus diatasi, melainkan sebagai bagian yang tak terelakkan dan berharga dari dinamika teater.

Baca Juga : Sejarah Teater Cahaya Hitam, Teater Yang Ditandai Dengan Penggunaan Teater Kotak Hitam

Pandangan antimetris telah didasarkan pada filsafat, agama, moralitas, psikologi, estetika dan prasangka sederhana. Pendapat telah berfokus berbagai pada bentuk seni, konten artistik, para pemain, gaya hidup orang-orang teater, dan pada pengaruh teater pada perilaku dan moral individu dan masyarakat.

Sentimen anti teatrikal telah diungkapkan oleh undang-undang pemerintah, filsuf, seniman, penulis naskah, perwakilan agama, komunitas, kelas, dan individu.

Keberatan yang didokumentasikan paling awal untuk pertunjukan teater dibuat oleh Plato sekitar 380 B.C. dan kembali muncul dalam berbagai bentuk selama 2.500 tahun berikutnya. Keberatan filosofis Plato adalah bahwa pertunjukan teater secara inheren berjarak dari kenyataan dan karenanya tidak layak.

Para pemimpin Gereja akan mengerjakan kembali argumen ini dalam konteks teologis. Variasi estetika kemudian, yang menyebabkan drama lemari, menghargai drama, tetapi hanya sebagai buku. Dari zaman Victoria, para kritikus mengeluh bahwa aktor yang menggugah diri dan pengaturan panggung mewah menghalangi drama.

Keberatan moral Plato digaungkan secara luas di zaman Romawi, yang akhirnya menyebabkan penurunan teater. Selama Abad Pertengahan, pertunjukan teater secara bertahap muncul kembali, drama misteri diterima sebagai bagian dari kehidupan gereja.

Dari abad ke-16 dan seterusnya, begitu teater didirikan kembali sebagai profesi independen, kekhawatiran secara teratur muncul bahwa komunitas akting secara inheren korup dan bahwa bertindak memiliki pengaruh moral yang merusak pada aktor dan audiens. Pandangan-pandangan ini sering diungkapkan selama munculnya gerakan Protestan, Puritan dan Evangelis.

Plato dan Yunani kuno

Athena

Sekitar 400 B.C. pentingnya drama Yunani terhadap budaya Yunani kuno diungkapkan oleh Aristophanes dalam dramanya, The Frogs, di mana pemimpin paduan suara mengatakan, “Tidak ada fungsi yang lebih mulia daripada Chorus yang disentuh tuhan yang mengajarkan kota dalam lagu”. Festival teater dan keagamaan terhubung secara intim.

Sekitar 380 B.C. Plato menjadi orang pertama yang menantang teater di dunia kuno. Meskipun pandangannya yang diungkapkan di Republik ini radikal, mereka ditujukan terutama pada konsep teater (dan seni mimetik lainnya). Dia tidak mendorong permusuhan terhadap artis atau penampilan mereka.

Bagi Plato, teater secara filosofis tidak diinginkan, itu hanya kebohongan. Itu buruk bagi masyarakat karena melibatkan simpati penonton dan mungkin membuat orang kurang bijaksana. Selain itu, representasi tindakan ignoble di atas panggung dapat menyebabkan para aktor dan penonton berperilaku buruk sendiri.

Mimesis

Secara filosofis, akting adalah kasus khusus mimesis (μίμησις), yang merupakan korespondensi seni ke dunia fisik yang dipahami sebagai model untuk kecantikan, kebenaran, dan kebaikan. Plato menjelaskan hal ini dengan menggunakan ilustrasi objek sehari-hari. Pertama ada kebenaran universal, misalnya, konsep abstrak tempat tidur.

Tukang kayu yang membuat tempat tidur menciptakan tiruan yang tidak sempurna dari konsep itu di kayu. Seniman yang melukis gambar tempat tidur membuat tiruan tempat tidur kayu yang tidak sempurna. Oleh karena itu artis ini beberapa tahap jauh dari kenyataan sejati dan ini adalah keadaan yang tidak diinginkan.

Teater juga beberapa tahap dari kenyataan dan karenanya tidak layak. Kata-kata tertulis dari sebuah drama dapat dianggap lebih layak karena dapat dipahami langsung oleh pikiran dan tanpa distorsi yang tak terelakkan yang disebabkan oleh perantara.

Secara psikologis, mimesis dianggap formatif, membentuk pikiran dan menyebabkan aktor menjadi lebih seperti orang atau objek yang ditiru.

Oleh karena itu aktor hanya harus meniru orang-orang yang sangat menyukai diri mereka sendiri dan kemudian hanya ketika bercita-cita untuk kebajikan dan menghindari basis apa pun. Selain itu, mereka tidak boleh meniru wanita, atau budak, atau penjahat, atau orang gila, atau ‘smiths atau artificer lainnya, atau dayung, perahu, atau yang seperti’.

Aristoteles

Dalam The Poetics c. 335 SM, Aristoteles berpendapat keberatan Plato terhadap mimesis, mendukung konsep katarsis (pembersihan) dan menegaskan dorongan manusia untuk meniru. Sering kali, istilah yang digunakan Aristoteles untuk ‘aktor’ adalah prattontes, menyarankan praxis atau tindakan nyata, dibandingkan dengan penggunaan orang-orang munafik Plato yang menunjukkan seseorang yang ‘bersembunyi di bawah topeng’, menipu atau mengekspresikan emosi make-believe.

Aristoteles ingin menghindari konsekuensi hipotetis dari kritik Plato, yaitu penutupan bioskop dan pengosiran aktor. Pada akhirnya sikap Aristoteles ambivalen; dia mengakui bahwa drama harus bisa ada tanpa benar-benar ditinak.

Plutarch

Moralia Plutarch, ditulis pada abad pertama, berisi esai yang mencerminkan banyak pandangan kritis Plato tetapi dengan cara yang kurang bernuansa. Plutarch bertanya-tanya apa yang dikatakannya kepada kita tentang penonton bahwa kita mengambil kesenangan dalam menonton seorang aktor mengekspresikan emosi yang sangat negatif di atas panggung, sedangkan dalam kehidupan nyata, sebaliknya akan benar.

Roma

Tidak seperti Yunani, teater di Roma jauh dari agama dan sebagian besar dipimpin oleh manajer aktor profesional. Sejak awal profesi akting terpinggirkan dan, pada puncak Kekaisaran Romawi, dianggap benar-benar tidak terbantahkan. Pada abad pertama Masemu, Cicero menyatakan, “seni dramatis dan teater umumnya memalukan”.

Selama ini, bangunan teater permanen dilarang dan hiburan populer lainnya sering mengambil tempat teater. Aktor, yang terutama orang asing, freedmen dan budak, telah menjadi kelas yang dicabut haknya. Mereka dilarang meninggalkan profesi dan diharuskan untuk meneruskan pekerjaan mereka kepada anak-anak mereka.

Mimes termasuk pemain wanita, sangat seksual di alam dan sering disamakan dengan prostitusi. Kehadiran pada pertunjukan seperti itu, kata Barish, pasti tampak bagi banyak orang Romawi seperti mengunjungi rumah bordil, “sama-sama mendesak, sama-sama provokatif rasa bersalah, dan karenanya sama-sama membutuhkan dicengkur oleh serangan balik biadab ketidaksetujuan resmi”.

Sikap Kristen

Para pemimpin Kristen awal, yang bersangkutan untuk mempromosikan prinsip-prinsip etika yang tinggi di antara komunitas Kristen yang sedang berkembang, secara alami menentang sifat merosotnya teater Romawi kontemporer. Namun, argumen lain juga dimajukan.

Pada abad kedua, Tatian dan kemudian Tertullian, mengedepankan prinsip pertukantika. Dalam De spectaculis, Tertullian berpendapat bahwa kesenangan yang bahkan moderat harus dihindari dan teater itu, dengan kerumunan besar dan pertunjukan yang sengaja menarik, menyebabkan “penyerapan tanpa pikiran dalam keberuntungan imajiner karakter yang tidak ada”.

Menyerap konsep mimesis Plato ke dalam konteks Kristen, ia juga berpendapat bahwa akting adalah sistem pemalsuan yang terus meningkat. “Pertama aktor memalsukan identitasnya, dan begitu senyawa dosa mematikan. Jika dia meniru seseorang yang kejam, dia semakin memperparah dosa.” Dan jika modifikasi fisik diperlukan, katakanlah seorang pria yang mewakili seorang wanita, itu adalah “kebohongan terhadap wajah kita sendiri, dan upaya yang jahat untuk meningkatkan karya-karya Sang Pencipta”.

Pada abad keempat, pendeta terkenal Chrysostom kembali menekankan tema pertacokan. Itu bukan kesenangan tetapi kebalikan dari kesenangan yang membawa keselamatan. Dia menulis bahwa “dia yang berbicara tentang teater dan aktor tidak menguntungkan , tetapi lebih mengobarkannya, dan membuatnya lebih ceroboh … Barang siapa yang mengada-adakannya dari neraka, maka sekali-kali Allah tidak akan memberikan kepada mereka apa yang ia ragukankan.

Baca Juga : Awal Mula Teater Seni Pertunjukan Memakai Pemain Langsung

Agustinus hippo, kontemporer Afrika Utara-nya, pada awal kehidupannya memimpin gaya hidup hedonistik yang berubah secara dramatis setelah keinsafannya. Dalam Pengakuannya, menggemakan Plato, dia mengatakan tentang meniru orang lain: “Sampai akhir bahwa kita mungkin benar dengan sifat kita, kita tidak boleh menjadi palsu dengan menyalin dan menyamakan dengan sifat orang lain, seperti halnya para aktor dan refleksi di cermin.

Kita hendaknya mencari kebenaran yang tidak bertentangan dengan diri sendiri dan bermuka dua.” Agustinus juga menantang kultus kepribadian, mempertahankan bahwa ibadah pahlawan adalah bentuk berhala di mana pujian aktor menggantikan ibadah Allah, membuat orang merindukan kebahagiaan sejati mereka.

Sejarah Teater Cahaya Hitam, Teater Yang Ditandai Dengan Penggunaan Teater Kotak Hitam
Sejarah

Sejarah Teater Cahaya Hitam, Teater Yang Ditandai Dengan Penggunaan Teater Kotak Hitam

Sejarah Teater Cahaya Hitam, Teater Yang Ditandai Dengan Penggunaan Teater Kotak Hitam – Teater cahaya hitam atau teater hitam sederhana, adalah gaya pertunjukan teater yang ditandai dengan penggunaan teater kotak hitam yang ditambah dengan ilusi cahaya hitam. Bentuk teater ini berasal dari Asia dan dapat ditemukan di banyak tempat di seluruh dunia. Ini telah menjadi spesialisasi Praha, di mana banyak teater menggunakannya.

Sejarah Teater Cahaya Hitam, Teater Yang Ditandai Dengan Penggunaan Teater Kotak Hitam

americanplacetheatre – Karakteristik khas “teater hitam” adalah penggunaan tirai hitam, panggung yang gelap, dan “pencahayaan hitam” (sinar UV), dipasangkan dengan kostum neon untuk menciptakan ilusi visual yang rumit. Teknik “kabinet hitam” ini digunakan oleh Georges Melies, dan oleh revolusioner teater Konstantin Stanislavski (terutama dalam produksi Kain). Teknik ini, dipasangkan dengan kesenian tarian, mime, dan akrobatik yang ekspresif dari para penampil mampu menciptakan tontonan yang luar biasa.

Baca Juga : Teater Musim Panas Merupakan Teater Yang Menyajikan Produksi Panggung Hanya di Musim Panas

Optik

Prinsip utama teater cahaya hitam adalah ketidakmampuan mata manusia untuk membedakan benda hitam dari latar belakang hitam. Efek ini menghasilkan tembus pandang yang efektif untuk objek apa pun yang tidak diterangi oleh ‘cahaya hitam’. Prinsip optik kedua di balik teater cahaya hitam adalah efek sinar UV pada objek neon.

Lampu hitam sebenarnya memancarkan cahaya sebanyak lampu ‘normal’, tetapi pada frekuensi yang tidak dapat dideteksi manusia. Sementara sebagian besar objek menyerap sinar UV atau memantulkannya kembali pada frekuensi yang sama di mana ia masuk, objek neon menyerap sinar UV kemudian memancarkannya kembali pada panjang gelombang yang lebih panjang yang dapat dideteksi oleh mata manusia.

Efek gabungannya adalah bahwa desainer dapat membuat beberapa objek tampak cerah seolah-olah ruangan itu sepenuhnya terang, sementara membuat objek lain tampak gelap seolah-olah ruangan itu benar-benar gelap.

Sejarah

Trik kotak hitam menggunakan pemain berpakaian hitam di ruang bermain gelap telah digunakan selama ribuan tahun, dimulai dengan para juggler tampil untuk kaisar di Cina kuno. Jepang mengembangkan teknik ini di Teater Bunraku-nya dengan meminta dalang mengenakan pakaian hitam untuk menempatkan penekanan penuh pada boneka.

Di teater modern, trik kotak hitam diadopsi oleh sutradara Rusia Konstantin Stanislavski, sutradara film George Melies, dan berbagai sutradara avant-garde Prancis pada 1950-an.

Di antara para sutradara ini, George Lafaye menjadi pelopor kabinet hitam sebelumnya. Tetapi semua sutradara ini menggunakan trik sederhana kabinet hitam hanya untuk beberapa saat selama pertunjukan mereka, sebagian besar untuk membuat sesuatu di panggung menghilang.

Ayah dari teater cahaya hitam modern, penulis prinsip kabinet hitam seperti yang digunakan saat ini (penempatan lampu spot, penempatan lampu UV, pemilihan beludru hitam sebagai bahan terbaik untuk menyerap sisa cahaya di tempat kejadian ) dan bahkan penulis nama “teater cahaya hitam”, dan dengan demikian pencipta teater lampu hitam pertama di dunia , adalah Jiri Srnec.

Penampilan pertama dari ansambel ini terjadi pada tahun 1959 di Wina. Ini menjadi lebih dikenal setelah partisipasinya dalam Festival Teater di Edinburgh pada tahun 1962. Kemudian, kelompok lain yang menggunakan teknik kotak hitam muncul memulai gelombang baru gaya teater ini. Sejak itu Praha telah menjadi rumah teater cahaya hitam dengan sekitar 10 perusahaan teater cahaya hitam

Grup teater cahaya hitam terkenal lainnya adalah teater cahaya hitam HILT Praha, yang pertunjukannya didasarkan pada musik modern dan koreografi tari, juga menggabungkan nyanyian langsung. Grup ini didirikan pada tahun 2006 oleh penari, koreografer, sutradara, dan komposer musik Ceko Theodor Hoidekr.

Pada tahun 2016, gaya teater cahaya hitam baru yang disebut “teater film bayangan” dibuat oleh kelompok HILT Praha. Selain pertunjukan teater cahaya hitam, pertunjukan mereka juga mencakup teater film bayangan pertama – penari dan aktor bermain dengan bayangan mereka di layar dengan proyeksi tempat nyata.

Di Jerman Rainer Pawelke mempresentasikan interpretasinya tentang teater hitam dalam pertunjukan panggung untuk pertama kalinya pada tahun 1980. Pertunjukan panggung dikembangkan bersama dengan murid-muridnya dari University of Regensburg dan merupakan pendahulu proyek teater olahraga pendidikan Traumfabrik.

Proyek ini menikmati popularitas yang cukup besar pada tahun 1980-an tur dan muncul di televisi prime time di Jerman. Tur Traumfabrik masih setiap tahun dengan 40 pertunjukan per tahun termasuk pertunjukan teater cahaya hitam. Rainer Pawelke ikut menulis buku “Schwarzes Theater aus der Traumfabrik” (Bahasa Jerman: Teater cahaya hitam di Traumfabrik” untuk berbagi dan mengkonsolidasikan wawasannya tentang teater hitam.

Teater cahaya hitam hari ini

Saat ini ada banyak perusahaan teater cahaya hitam juga keluar dari Praha (Hongaria, Ukraina, Jerman,  AS) mencoba membuat pertunjukan yang mirip dengan teater cahaya hitam di Praha.

Adegan Praha telah mengubah wajahnya menjadi gaya abad ke-20 – tarian modern terlibat, desain kostum telah menjadi lebih efektif, pertunjukan teater cahaya hitam telah menjadi lebih musikal. Praha masih menjadi rumah bagi teater cahaya hitam – ratusan ribu wisatawan mengunjungi pertunjukan mereka setiap bulan.

HILT – teater cahaya hitam Theodor Hoidekr adalah yang pertama kalinya yang terlibat menyanyi langsung ke pertunjukan cahaya hitam. Pertunjukan musikal teater cahaya hitam HILT yang paling populer adalah “Juliet’s Dream” tayang perdana pada 14 Februari 2012 di Praha.

HILT sedang mengerjakan gaya baru teater cahaya hitam – semua anggota berpengalaman di teater cahaya hitam di seluruh Praha. Pendiri dan sutradaranya Theodor Hoidekr awalnya adalah penari yang kemudian mulai bekerja dengan gaya teater cahaya hitam. Pengalamannya berasal dari Praha, Slowakia, Jerman, Malta, Yunani, Amerika Selatan, India

Sejak 8 April 2015 HILT menampilkan pertunjukan baru “Phantom” yang merupakan versi teater cahaya hitam pertama di dunia dari sosok hantu misterius. Teater cahaya hitam HILT memulai bagian baru dari sejarah mereka di teater Royal Prague. Pada tahun 2016 HILT telah menghadirkan teater film bayangan pertama Cinderella.

Pada tahun 2017 HILT telah pindah ke U Valšů Theatre yang populer di pusat Old Prague. 2.6.2017 mereka mulai menyajikan juga yang terbaik dari yang disebut Phantom (terbaik dari 2007-2017) yang merupakan pertunjukan kombinasi teater cahaya hitam, teater bayangan.dan proyeksi. Pertunjukan ini adalah satu-satunya teater Ceko dan satu-satunya teater cahaya hitam yang disajikan di Olimpiade Teater Dunia ke-8 2018 di India.

Dalam Kinerja

Efek teater cahaya hitam memungkinkan pemain tak terlihat untuk memindahkan alat peraga yang terlihat, mengubah objek menjadi peserta independen di teater pada tingkat yang sama dengan aktor manusia. Selain itu, munculnya objek dan aktor dalam sebuah pertunjukan dapat tiba-tiba dan dapat terjadi di mana saja di atas panggung, bahkan dalam beberapa meter dari anggota audiens.

Untuk mencapai efek ini perlu untuk menciptakan bidang sinar UV yang intens di seluruh ruang bermain. Karena intensitas cahaya yang dipancarkan dari sumber ‘cahaya hitam’ khas berkurang secara signifikan dengan peningkatan jarak dari sumbernya, menutupi seluruh ruang teater dengan sinar UV mengharuskan sumber ‘cahaya hitam’ dijarak sedekat satu meter terpisah atau memancarkan lebih banyak cahaya daripada ‘cahaya hitam’ yang khas.

Pertimbangan penting lainnya adalah bahwa, karena sebagian besar ruang benar-benar gelap, dan bentuknya sangat berbasis tari, satu langkah yang salah oleh satu pemain dapat berdampak negatif pada seluruh produksi. Untuk alasan ini pemain berlatih secara ekstensif khusus untuk lingkungan teater cahaya hitam.

Teater cahaya hitam kontemporer sering mencakup banyak perangkat yang sangat teknis, selain teknik ‘cahaya hitam’ standar. Perangkat semacam itu dapat mencakup penampil “terbang”, penari dalam setelan LED, proyeksi video besar, dan bahkan boneka besar.

Baca Juga : Sejarah Perkembangan Seni Dan Budaya Di Iran

Perangkat teknis ini berfungsi sebagai faktor penting dalam popularitas black light theatre di seluruh dunia; karena perangkatnya yang paling penting sepenuhnya visual, penonton di seluruh dunia dapat memahami sebagian besar pertunjukan teater cahaya hitam.

Hasil yang dimaksudkan adalah karya teater yang menggabungkan tontonan besar dengan seni yang indah dan bergerak.Perusahaan-perusahaan besar yang saat ini memproduksi teater cahaya hitam termasuk Teater Srnec, HILT, Teater Ta Fantastika, Teater Gambar, Teater Metro, dan Teater All Colours.

Teater Musim Panas Merupakan Teater Yang Menyajikan Produksi Panggung Hanya di Musim Panas
Sejarah

Teater Musim Panas Merupakan Teater Yang Menyajikan Produksi Panggung Hanya di Musim Panas

Teater Musim Panas Merupakan Teater Yang Menyajikan Produksi Panggung Hanya di Musim Panas – Di teater Amerika, teater musim panas adalah teater yang menyajikan produksi panggung hanya di musim panas. Namanya menggabungkan musim dengan tradisi pementasan yang ditunjukkan oleh perusahaan penduduk, menggunakan kembali pemandangan stok dan kostum.

Teater Musim Panas Merupakan Teater Yang Menyajikan Produksi Panggung Hanya di Musim Panas

americanplacetheatre – Teater saham musim panas sering memanfaatkan cuaca musiman dengan memiliki produksi mereka di luar ruangan atau di bawah tenda yang disiapkan sementara untuk penggunaannya.

Baca Juga : Theatre Workshop Merupakan Grup Teater Yang Banyak Melahirkan Aktor Ternama

Beberapa teater kecil masih melanjutkan tradisi ini, dan beberapa teater saham musim panas telah menjadi sangat dihormati oleh pelanggan serta pemain dan desainer. Status ekuitas dan membayar aktor di teater ini sangat bervariasi. Sering dipandang sebagai titik awal bagi aktor profesional, stok cor biasanya muda, baru keluar dari sekolah menengah atau masih di perguruan tinggi.

Sejarah

Stok musim panas dimulai di Denver, Colorado, di Teater Elitch (bagian dari Elitch Gardens). Menurut buku tahun 1948, Blueprint for Summer Theatre: “Teater musim panas pertama membuka pintunya di Elitch Gardens, Denver, Colorado pada 1 Mei 1890. Drama disajikan dengan perusahaan penduduk dan tamu dimulai, kebijakan yang telah diikuti dengan kesuksesan luar biasa selama lebih dari lima puluh tahun.”

Untuk musim panas 1893, Elitch Gardens mempekerjakan Frank Norcross Company. Itu adalah musim penuh pertama dari stok musim panas. Permainan saham pertama yang disajikan di Elitch Theatre adalah Nancy and Company oleh Augustin Daly. Dibuka pada 10 Juni 1893. 1896 adalah musim saham kedua dan J. H. Huntley dikontrak untuk mengarahkan perusahaan saham residen, yang dipimpin oleh aktris terkemuka Jennie Kennark. Musim dibuka dengan drama, Rosedale, oleh Lester Wallack.

Cecil B. DeMille, yang bertindak dalam peran kecil dalam pemeran saham musim panas pada tahun 1905, secara teratur akan mengirim telegram ucapan selamat ke teater pada malam pembukaan.  Pada tahun 1926, lebih dari dua dekade setelah waktunya di teater, ia mengirim telegram yang menyatakan: “Ini adalah waktu yang lama karena saya menghabiskan musim panas yang sangat menyenangkan dalam persediaan di Elitch Gardens.

Hari ini di Hollywood saya hampir tidak bisa pergi ke mana pun tanpa bertemu satu atau lebih sekarang orang-orang yang agak terkenal yang baik selama musim panas itu atau di lain waktu bermain dalam apa yang semua aktor dan aktris pertimbangkan tentang buaian terbesar drama dalam sejarah Amerika.”

Pada tahun 1919–1920-an, saham Summer diperluas: The Muny, St. Louis, Missouri (1919) adalah teater musikal luar ruangan tertua dan terbesar di negara ini; Manhattan Theatre Colony, pertama kali dimulai di dekat Peterborough, New Hampshire (1927) dan pindah ke Ogunquit, Maine; Gretna Theatre, Mount Gretna, Pennsylvania (1927) sebagai bagian dari gerakan Chautauqua Cape Playhouse, Dennis, Massachusetts (1927); dan Berkshire Playhouse, Stockbridge, Massachusetts (1928).

Banyak teater masa kejayaan, 1920-an hingga 1960-an, berada di New England. Bagian dari “sirkuit topi jerami,” teater juga berada di New York, Pennsylvania, dan Ohio, di antara negara-negara bagian lainnya. (Lakewood Playhouse dekat Skowhegan, Maine (1901 untuk musim panas), adalah teater sebelumnya, tetapi itu adalah teater saham mapan yang kemudian digunakan sebagai tempat musim panas.)

Strukturnya adalah untuk menyajikan drama yang berbeda dalam repertory mingguan atau dua minggu sekali, yang dilakukan oleh perusahaan residen, umumnya antara Juni dan September. Ongkos biasa terdiri dari komedi ringan, romansa, dan misteri. Bioskop-teater itu terletak di daerah pedesaan. Perusahaan tur akan membawa alat peraga dan kostum tangan ke setiap tempat, di mana suara, lampu, dan set akan menunggu mereka.

Stok musim panas menyediakan tempat pelatihan bagi para aktor dan hiburan murah untuk berlibur di kaum urban East Coast. Craig Mamrick menggambarkan pengalaman saham awal musim panas Louis Edmonds: “Louis menghabiskan musim panas 1949 bekerja sebagai bagian dari perusahaan repertory di Ogunquit Playhouse di Ogunquit, Maine … Ogunquit Playhouse berafiliasi dengan Manhattan Theatre Colony, sebuah program magang yang dapat dihadiri oleh aktor-aktor yang penuh harapan (membayar $ 150 untuk musim panas) untuk mempelajari kerajinan dan pengamatan mereka dan mungkin bekerja dengan  profesional.

Luminaries panggung seperti Maude Adams, Ethel Barrymore, Lilian Gish, dan Ruth Gordon telah trod papan di sini. Siswa mengambil kelas dalam akting, stagecraft, makeup, dan suara, dan jika mereka cukup berbakat, mereka mungkin diminta untuk muncul dalam drama dengan perusahaan akting penduduk.” Selain itu, banyak pemain terkenal menghabiskan musim panas mereka di sirkuit.

Drama dan musikal yang telah ditutup di Broadway akan memainkan sirkuit. Pada tahun 1950, ada 152 perusahaan Ekuitas, termasuk Ogunquit Playhouse dan Skowhegan Playhouse di Maine; Woodstock Playhouse dan Forestburgh Playhouse di bagian utara New York; Falmouth Playhouse di Massachusetts (terbakar pada tahun 1994) Priscilla Beach Theatre di Plymouth, Massachusetts, dan Bucks County Playhouse di New Hope (pinggiran kota Philadelphia), Pennsylvania (didirikan pada tahun 1939). Westport Country Playhouse di Connecticut, sejak direnovasi dengan dukungan Joanne Woodward dan Paul Newman, juga merupakan bagian dari sirkuit saham musim panas.

Pemain

Summer Stock di Historic Elitch Theatre di Denver adalah tempat pembuktian bagi sejumlah calon bintang. Untuk musim 1905, Cecil B. DeMille 20-sesuatu adalah pemain kecil dalam pemeran saham. Penduduk asli Denver, seperti Douglas Fairbanks, Maude Fealy, dan Antoinette Perry, semuanya memulai stok musim panas di Teater Elitch.

Selain itu, Fredric March, Minnie Maddern Fiske, Beulah Bondi, Edward G. Robinson (lihat foto di atas), dan Sylvia Sidney adalah semua anggota pemeran saham pada satu waktu. Pada musim panas 1951, Grace Kelly muda (baru berusia 21 tahun) adalah ingénue untuk perusahaan saham. Saat tampil di teater, ia menerima telegram dari Fred Zinnemann yang memintanya untuk datang ke Hollywood untuk membintangi filmnya, High Noon sebagai istri Gary Cooper.

 Dia awalnya berpikir dia harus menurun karena kontraknya yang berlangsung hingga akhir musim panas, tetapi sutradaranya di teater dengan cepat mengingatkannya bahwa dia hanya perlu memberikan pemberitahuan dua minggu dan dia bisa menuju ke Hollywood.

John Kenley, seorang produser yang berbasis di Ohio, menjalankan sirkuit saham musim panasnya sendiri, Kenley Players, di Columbus, Dayton, Warren, Teater Korsel di Akron, dan Canton, Ohio, dan mengirim banyak pertunjukan ke teater afiliasi di Flint, Michigan. Mulai tahun 1958 penampil seperti Dan Dailey di Guys and Dolls, Barbara Eden di Lady in the Dark, dan Howard Keel di Kismet muncul. Kenley memerankan “bintang film dan kepribadian televisi” yang dikenal secara nasional.

Selama pertunangan Gypsy Rose Lee di Auntie Mame di teater Warren, Erik Preminger menulis: “Bekerja untuknya adalah sukacita. Segala sesuatu tentang operasinya adalah kelas satu dari sutradara dan pemeran pendukung ia telah berkumpul melalui pemandangan, alat peraga, dan kostum … Dia penuh perhatian, mendukung.” Pemain seperti Paul Lynde, Bill Bixby, Karen Morrow, Phyllis Diller, Andy Devine, Gordon MacRae dan Patrice Munsel membintangi produksi saham Kenley.

Ethel Merman tampil dalam Call Me Madam di Kenley Players pada tahun 1968 (serta muncul di Parker Playhouse dan Coconut Grove Playhouse di Miami awal tahun itu).

Cape Playhouse di Dennis, Massachusetts dibuka pada tahun 1927 dengan The Guardsman, dibintangi oleh Basil Rathbone, dan telah berlanjut hingga musim 2009 bersama Hunter Foster dan Malcolm Gets.

Gretna Theatre, dibuka pada tahun 1927 di komunitas Pennsylvania Chautauqua, Mount Gretna, dan telah menjadi tuan rumah bagi para penampil seperti Bernadette Peters, Faith Prince, Tommy Tune, Kim Zimmer, Charton Heston.

Ogunquit Playhouse, dimulai pada tahun 1933, menarik pemain seperti Maude Adams, Ethel Barrymore, dan Laurette Taylor pada tahun-tahun awal dan baru-baru ini, Sally Struthers, Lucie Arnaz, dan Lorenzo Lamas.

Penampil seperti Ginger Rogers, Douglas Fairbanks Jr., Angela Lansbury, Bob Hope, Sergio Franchi, Zero Mostel, Ann Miller, Jane Powell, dan Debbie Reynolds tampil di Cape Cod Music Circus dan teater saudaranya, South Shore Music Circus.

Baca Juga :  Pentingnya Seni yang Bermanfaat Ampuh untuk Anak-Anak

Colleen Dewhurst menulis tentang pengalamannya di saham musim panas sebagai aktris baru: “Pekerjaan profesional pertama saya adalah di saham musim panas, di perusahaan kecil, menengah dan besar yang menyajikan sepuluh drama dalam sepuluh minggu dari Juni sampai Hari Buruh.

Pada saat itu, inti dari setiap perusahaan saham musim panas terdiri dari manajer panggung dan enam aktor residen: seorang pria dan wanita terkemuka, pria dan wanita karakter, dan seorang ingenue dan remaja. Dalam beberapa kasus, lima atau enam drama musim panas akan menjadi ‘kendaraan bintang’, menampilkan aktor atau aktris yang akrab.”

Sejarah dan Perkembangan Teater Makan Malam di Amerika Serikat
Sejarah

Sejarah dan Perkembangan Teater Makan Malam di Amerika Serikat

Sejarah dan Perkembangan Teater Makan Malam di Amerika Serikat – Teater makan malam (kadang-kadang disebut makan malam dan pertunjukan) adalah bentuk hiburan yang menggabungkan makanan restoran dengan drama atau musikal yang dipentaskan. “Teater Makan Malam” juga dapat merujuk pada makanan restoran yang dikombinasikan dengan musik konser langsung, di mana pelanggan mendengarkan pertunjukan selama istirahat dalam makanan.

Sejarah dan Perkembangan Teater Makan Malam di Amerika Serikat

americanplacetheatre – Dalam kasus pertunjukan teater, kadang-kadang drama ini adalah hiburan insidental, sekunder untuk makan, dalam gaya klub malam, atau drama mungkin menjadi fitur utama malam itu, dengan makan malam yang kurang penting atau, dalam beberapa kasus, opsional. Teater makan malam membutuhkan manajemen tiga entitas yang berbeda: teater langsung, restoran dan, biasanya, sebuah bar.

Baca Juga : Perkembangan Dan Sejarah Berdirinya Perusahaan Playback Theatre 1975

Sejarah

Restoran Teater Candlelight

Fasilitas pertama di mana makan malam dan pertunjukan bersama dalam satu ruangan adalah Candlelight Theatre Restaurant di Washington, D.C. Bill Pullinsi adalah seorang mahasiswa teater pada tahun 1959 yang menyusun dan menerapkan konsep hiburan di Presidential Arms Hotel selama liburan musim panas.

Usaha ini berhasil, tetapi tidak dapat dikonversi ke operasi sepanjang tahun, karena bisnis konvensi hotel. Pullinsi kembali ke rumahnya di Chicago dan membuka Candlelight Dinner Playhouse, pertama di sebuah bangunan milik kakeknya, kemudian di fasilitas baru dengan tempat duduk untuk 550. Candlelight memperkenalkan beberapa inovasi, termasuk panggung hidrolik, peralatan pencahayaan yang terletak di mezzanine, dan gerobak panggung di atas roda.

Teater Makan Malam bernuansa peternakan

Howard Douglass Wolfe, seorang pengusaha dari Roanoke, Virginia, menciptakan waralaba Barn Dinner Theatre dan telah disebut “Father of Dinner Theater”. Ia memulai waralaba pada tahun 1961 dengan Conley Jones.  Rantai ini mencakup 27 bioskop di New York, Virginia, North Carolina, Tennessee, Texas, Louisiana, dan Georgia. Setiap waralaba menampilkan desain gudang arsitektur Wolfe, dekorasi bertema pertanian yang mencakup bajak dan alat lainnya, dan lift panggung, yang disebut Wolfe sebagai “Panggung Ajaib”.

Pada akhir tindakan atau adegan, panggung akan menghilang ke langit-langit, kemudian muncul kembali diatur untuk adegan berikutnya. Seluruh proses memakan waktu kurang dari satu menit. Selama fase waralaba The Barn, semua produksi dipentaskan di sebuah studio di New York City, kemudian dikirim ke bioskop individu.

Pada perpisahan waralaba, fasilitas produksi dipindahkan ke Nashville. Pada masa-masa awalnya, para pemeran pertunjukan juga menjabat sebagai pelayan dan pelayan. Aktor dipilih dan berperan di New York dan tinggal di tempat tinggal di atas teater selama durasi produksi. Mickey Rooney dan banyak pemain terkenal lainnya juga telah bertindak dalam peran di The Barn.

The Barn di Greensboro, North Carolina, didirikan pada tahun 1964 dan merupakan teater makan malam tertua yang terus berjalan di Amerika dan yang terakhir dari Barn Dinner Theatres asli, meskipun waralaba Barn yang dibuka di Nashville pada tahun 1967 (sekarang disebut Chaffin’s Barn Dinner Theatre) juga masih beroperasi.

Teater Makan Malam Alhambra

Alhambra Dinner Theatre di Jacksonville, Florida dibuka pada tahun 1967 oleh Leon Simon. Itu dibeli pada tahun 1985 oleh Tod Booth, yang meninggalkan Chicago Drury Lane Theatres.  Alhambra adalah teater makan malam tertua kedua yang masih dibuka di Amerika Serikat dan yang tertua di Florida. Fasilitas ini menggunakan tahap dorong untuk menyediakan semua 400 kursi dengan pemandangan yang tidak terhalang.

Teater Makan Malam Korsel

Carousel Dinner Theatre, dibuka pada tahun 1973 dan pindah ke Akron, Ohio pada tahun 1988 ke klub malam bergaya Las Vegas. Dengan 1200 kursi, itu adalah teater makan malam terbesar di Amerika Serikat sampai ditutup pada tahun 2009. Beberapa orang percaya teater adalah korban krisis ekonomi AS akhir 2000-an, namun lebih mungkin perubahan kepemilikan dan keputusan buruk di pihak mereka yang memicu peristiwa yang mengarah ke penutupan teater.

Teater Tur Riddlesbrood

Selain hidangan teater makan malam khas – pertunjukan misteri pembunuhan, pertunjukan komedi, dan program Teater komunitas luar ruangan yang bepergian, Stratford, Riddlesbrood Touring Theater Company yang berbasis di New Jersey juga menggelar produksi dengan pesan swadaya. Beberapa pertunjukan mereka telah dilakukan sepenuhnya dalam bahasa yang dibuat-buat, dan telah memasukkan ide-ide dari gerakan Pemikiran Baru.

Teater Broadway Westchester

Teater Broadway Westchester di Elmsford, NY. Teater ini terus menghadirkan Broadway Musical Revivals dan banyak acara dan konser khusus termasuk Tribute Bands, Comedy Show, Rock Bands, Dance show, Magic show, dan banyak lagi. Ini adalah Teater Profesional sepanjang tahun terlama di Negara Bagian New York. Teater ini awalnya dibuka sebagai An Evening Dinner Theatre pada 9 Juli 1974.

Pada tahun 1991, teater pindah ke ruang pertunjukan yang lebih besar dengan teknologi canggih, lift hidrolik, peningkatan kapasitas tempat duduk, dan banyak fitur lain yang merupakan salah satu aspek positif dari perubahan ini. Teater ini juga diberi nama baru, “Westchester Broadway Theatre”.

Popularitas dan penurunan

Booming berakhir pada pertengahan 1980-an, dengan banyak teater ditutup. Bintang film dan televisi berhenti bekerja di teater makan malam. Booth berkomentar: “Mereka bisa membuat lebih banyak dalam sehari melakukan iklan daripada yang bisa mereka buat selama seluruh pertunjukan teater makan malam, dan mereka tidak perlu bepergian. Plus, banyak bintang-bintang baru saja mulai mati. Itu adalah pertunjukan yang bagus untuk sementara waktu.

Dia juga mengatakan bahwa, pada tahun 1999, Anda dapat menghitung jumlah teater makan malam profesional yang masih hidup di dua tangan. Ada stigma yang melekat pada teater makan malam, dan penonton bosan dengan pertunjukan seperti The Last of the Red Hot Lovers dan Arsenic dan Old Lace.

Kebangkitan

Setelah tahun 2000, teater makan malam baru mulai dibuka. Drury Lane Water Tower Place yang asli di Chicago didirikan pada tahun 1976, tetapi ditutup pada tahun 1983. Versi baru senilai $7 juta dibuka pada tahun 2004. Teater Bintang Gurun di Murray, Utah membuka teater makan malam pada tahun 2004,dan Gathering Dinner Theatre di Jacksonville dibuka pada awal 2009. Pada akhir 2006, National Dinner Theatre Association memiliki 32 anggota, dibandingkan dengan 9 pada tahun 1999.

Tipe

Serikat pekerja vs. Non-Serikat

Di Amerika Serikat, teater serikat pekerja dikenal sebagai teater Ekuitas, di mana para penampil adalah anggota Asosiasi Ekuitas Aktor, serikat pekerja yang mewakili aktor panggung profesional dan manajer panggung. Pertunjukan serikat pekerja memiliki overhead yang lebih tinggi karena kontrak Ekuitas biasanya mengharuskan teater untuk membayar penginapan, gaji minimum, pembayaran asuransi dan pensiun, di antara aturan kerja lainnya mengenai audisi dan perekrutan.

Pengurangan teater makan malam profesional dari 147 pada tahun 1976 menjadi 9 pada tahun 1999 sebagian karena teater serikat pekerja berubah menjadi non-serikat untuk mengurangi pengeluaran. Meskipun aktor sering berkanrumah di teater non-serikat, gaji untuk aktor non-serikat mungkin jauh lebih rendah daripada di bioskop Equity.

Baca Juga :  Seni Aktivitas Dorong Sosial dan Pembangunan Emosional

Komersial vs. nirlaba

Tony DeSantis berkomentar bahwa operasi teater istirahat bahkan di terbaik, sementara restoran, dan terutama bar, lebih cenderung menguntungkan. Meskipun banyak teater beroperasi sebagai organisasi nirlaba untuk mengambil keuntungan dari hibah dan pendanaan dari lembaga pemerintah atau yayasan swasta, sebagian besar teater makan malam adalah bisnis komersial. Teater makan malam komersial sering memiliki pertunjukan enam atau tujuh malam seminggu, serta matinees. Mereka juga memiliki istirahat singkat di antara pertunjukan, biasanya kurang dari seminggu.

Contoh teater nirlaba adalah Starlight Dinner Theatre di Lansing, Michigan, tempat makan malam dilayani, pertunjukan dipentaskan di kafetorium sekolah dan musim hanya mencakup empat produksi dengan empat pertunjukan per produksi (pada Jumat dan Sabtu malam). Beberapa nirlaba menggunakan aktor atau pemeran amatir di mana peran utamanya mungkin seorang profesional dengan para pemeran lainnya yang terdiri dari amatir.

Perkembangan Dan Sejarah Berdirinya Perusahaan Playback Theatre 1975
Artikel Sejarah

Perkembangan Dan Sejarah Berdirinya Perusahaan Playback Theatre 1975

americanplacetheatre

Perkembangan Dan Sejarah Berdirinya Perusahaan Playback Theatre 1975 – Perusahaan Playback Theatre pertama didirikan pada tahun 1975 oleh Jonathan Fox dan Jo Salas. Fox adalah siswa teater improvisasi, penceritaan tradisional lisan, metode psikodrama Jacob Moreno dan karya pendidik Paulo Freire. Salas adalah musisi dan aktivis terlatih. Keduanya pernah menjabat sebagai relawan di negara berkembang: Fox sebagai relawan Korps Perdamaian di Nepal, Salas dengan Layanan Relawan Selandia Baru di Luar Negeri di Malaysia.

Perkembangan Dan Sejarah Berdirinya Perusahaan Playback Theatre 1975

americanplacetheatre – Playback Theatre Company yang asli membuat rumahnya di Dutchess dan Ulster Counties di New York State, tepat di utara New York City. Kelompok ini, sambil mengembangkan dasar formulir Playback, membawanya ke sekolah, penjara, pusat untuk orang tua, konferensi, dan festival dalam upaya untuk mendorong individu dari semua lapisan masyarakat untuk membiarkan cerita mereka didengar. Mereka juga tampil setiap bulan untuk masyarakat luas.

Baca Juga : Teater Epik Merupakan Pentas Seni, Memiliki Tujuan Melihat Dunia Dengan Cara Yang Berbeda

Ide Playback Theatre telah menginspirasi banyak orang. Sebagai hasil langsung dari tur pengajaran dan pertunjukan oleh beberapa anggota Playback Theatre Company asli ke Australasia pada tahun 1980, perusahaan didirikan di Sydney (1980), Melbourne (1981), Perth, dan Wellington. Keempat perusahaan masih ada, dan sekarang menjadi perusahaan tertua yang ada di dunia.

Sejak saat itu bentuk telah menyebar ke seluruh Amerika Utara dan Eropa, dan perusahaan Playback sekarang ada di enam benua. International Playback Theatre Network (IPTN) didirikan pada tahun 1990 untuk mendukung aktivitas Playback di seluruh dunia. Pada 2018, IPTN memiliki 192 anggota kelompok dan 320 praktisi dan anggota individu dari 40 negara.

Jaringan dimulai pada tahun 2011 untuk orang-orang yang tertarik dengan Playback Theatre di Amerika Utara. Pada 2019, lebih dari 50 perusahaan aktif berkinerja, terutama di komunitas lokal mereka. Playback North America menyelenggarakan teleconference reguler, pertemuan berkala, pembinaan kepemimpinan, dan menawarkan panduan pelatihan 300 halaman tentang pengembangan artistik, bisnis, dan perusahaan untuk Playback Theatre (lihat di bawah).

Untuk memenuhi permintaan pelatihan yang telah diciptakan tingkat pertumbuhan ini, pada tahun 1993 Jonathan Fox mendirikan School of Playback Theatre untuk menyediakan tingkat pelatihan awal, menengah, dan lanjutan di Playback Theatre. Sekolah ini berganti nama menjadi Centre for Playback Theatre pada tahun 2006, memperluas fokusnya ke pengembangan Playback Theatre di seluruh dunia. Sekolah lain untuk pelatihan ada di Italia, Jerman, Jepang. dan Sao Paulo, Brasil Inggris, Israel, Hongaria, Hong Kong, Australasia dan Swedia. Pusat Pemutaran menyimpan daftar online sekolah afiliasi

Tradisi untuk lisan, atau pengetahuan yang biasa digunakan lisan, merupakan salah satu bentuk dari komunikasi manusia di mana mengetahui suati pengetahuan, seni, ide serta materi budaya yang dapat diterima, dilestarikan, dan ditularkan secara lisan dari satu generasi ke generasi lainnya.Transmisinya adalah melalui pidato atau lagu dan dapat mencakup cerita rakyat, balada, nyanyian, prosa atau syair. Dengan cara ini, adalah mungkin bagi masyarakat untuk mengirimkan sejarah lisan, literatur lisan, hukum lisan dan pengetahuan lainnya lintas generasi tanpa sistem penulisan, atau sejajar dengan sistem penulisan. Agama-agama seperti Buddhisme, Hindu, Katolik, serta Jainisme, misalnya, telah menggunakan tradisi lisan, sejajar dengan sistem penulisan, untuk mengirimkan tulisan suci kanonis, ritual, nyanyian pujian dan mitologi dari satu generasi ke generasi berikutnya.

Tradisi lisan adalah informasi, kenangan, dan pengetahuan yang dipegang bersama oleh sekelompok orang, selama beberapa generasi; itu tidak sama dengan kesaksian atau sejarah lisan. Dalam arti umum, “tradisi lisan” mengacu pada pemanggilan kembali dan transmisi pengetahuan tekstual dan budaya tertentu yang diawetkan melalui ujaran vokal. Sebagai disiplin akademis, itu mengacu pada serangkaian objek studi dan metode di mana mereka dipelajari.

Festival dan pertemuan

Ada mogathering dan festival Playback reguler dan semi-reguler di berbagai belahan dunia, termasuk di Finlandia, Inggris, Italia, Jerman, Eropa Timur, Israel, Hong Kong, Nepal dan India. Playback Amerika Utara, jaringan perusahaan playback di Amerika Utara, telah mengadakan beberapa konferensi. International Playback Theatre Network (IPTN) mengadakan konferensi setiap empat tahun di berbagai belahan dunia. Konferensi IPTN telah berlangsung di Sydney, Australia (1992), di sebuah desa di utara Helsinki, Finlandia (1993), Christchurch, Selandia Baru (1994), di Olympia, Washington, Amerika Serikat (1995), Perth, Australia (1997), York, Inggris (1999), Shizuoka, Jepang (2003), Sao Paulo, Brasil (2007), Frankfurt, Jerman (2011), Montreal, Kanada (2011), Montreal, Kanada (2011), Montreal, Kanada (2015). Konferensi internasional berikutnya akan diadakan di Bangalore, India, pada Desember 2019.

Bentuk teater

Playback ‘bentuk’ seperti yang dikembangkan oleh Fox dan Salas menggunakan bentuk atau potongan teater komponen, dikembangkan dari sumbernya di teater improvisasi, penceritaan, dan psikodrama. Komponen-komponen ini termasuk adegan (juga disebut cerita atau sketsa) dan bentuk pendek narasi atau non-narasi, termasuk “patung cairan”, “pasangan”, dan “paduan suara”.

Dalam sebuah acara Playback, seseorang di antara penonton menceritakan momen atau cerita dari kehidupan mereka, memilih para aktor untuk memainkan peran yang berbeda, dan kemudian semua yang hadir menonton pemberlakuan, karena cerita “menjadi hidup” dengan bentuk dan nuansa artistik. Aktor menggambar gaya non-naturalistik untuk menyampaikan makna, seperti metafora atau lagu.

Pemain pemutaran cenderung mengkhususkan diri dalam salah satu dari beberapa peran – konduktor, aktor, atau musisi. Beberapa perusahaan juga memiliki anggota yang berspesialisasi dalam peran lain, seperti pencahayaan. Bagi penonton, pemain aktif dapat tampak berbakat secara preternatural, karena mereka membuat pertunjukan mereka tanpa naskah atau skor. Setelah praktik perusahaan asli, sebagian besar perusahaan tidak berkonsultasi atau “berkumpul” sebelum memulai cerita, sebaliknya mempercayai pemahaman bersama tentang cerita yang telah mereka dengar dan kesiapan untuk menanggapi isyarat satu sama lain.

Peran konduktor, sebaliknya, dapat tampak relatif mudah, melibatkan karena berkonversi dengan audiens sebagai kelompok atau individu, dan umumnya tidak melibatkan akting. Namun, diakui dalam komunitas pemain Playback sebagai peran paling sulit untuk diisi dengan sukses.

Aplikasi

Playback Theatre digunakan dalam berbagai pengaturan: teater dan pusat komunitas (di mana pertunjukan berlangsung untuk masyarakat umum), di sekolah, organisasi sektor swasta, organisasi nirlaba, penjara, pusat hospice, pusat perawatan hari, di konferensi dari semua jenis, dan perguruan tinggi dan universitas.

Teater playback juga telah digunakan di bidang-bidang berikut: keadilan transisi, hak asasi manusia, dialog sipil, pengungsi dan imigran, pemulihan bencana, perubahan iklim, ulang tahun, pernikahan, dan konferensi.

Pendidikan

Praktisi pemutaran telah menggunakan metode ini di sekolah tentang masalah seperti perundungan (siswa bercerita tentang pengalaman mereka dalam kaitannya dengan perundungan, menonton mereka diputar kembali, dan kemudian mengeksplorasi cara-cara untuk menciptakan lingkungan sekolah yang hormat dan aman). Pemutaran digunakan baik oleh guru kelas maupun dengan mengunjungi penampil / pemimpin.

Perubahan sosial

Playback Theatre digunakan untuk menyediakan forum untuk pertukaran pengalaman yang beragam dalam konteks seperti akibat Badai Katrina; Perayaan Martin Luther King Jr. Day memeriksa konflik rasial dan rekonsiliasi; pria dan wanita yang dipenjara; organisasi imigran dan pengungsi dan komunitas tuan rumah mereka; menghormati hak asasi manusia.

Contoh lainnya meliputi:

Sebuah proyek di Afghanistan melatih korban kekerasan untuk saling memberlakukan cerita dalam konteks keadilan transisi. Sebuah proyek di Melbourne, Australia melatih para pemuda untuk memberlakukan cerita tentang pengalaman para pemuda pengungsi dalam konteks interaksi dengan polisi; dan untuk memberlakukan cerita pengalaman polisi dalam konteks interaksi dengan pemuda pengungsi. Tujuannya adalah untuk menjembatani pemahaman antara kedua kelompok ini (2010, 2011).

Bisnis

Sejak pertengahan 1990-an Playback Theatre dan teknik sekutu semakin banyak digunakan sebagai alat yang efektif dalam pelatihan mata pelajaran di tempat kerja seperti manajemen dan keterampilan komunikasi dan kesadaran keragaman. Dalam beberapa kasus, peserta menggambarkan peristiwa yang telah terjadi di tempat kerja, seringkali peristiwa yang memunculkan konflik atau perasaan sulit. Aktor playback “memutar ulang” peristiwa yang dijelaskan dan fasilitator mengatur diskusi tentang pemutaran ulang, dari mana banyak peserta menggambarkan hasil belajar yang berharga. Pertunjukan di tempat kerja juga dapat mengundang segala jenis cerita, dari luar lingkungan kerja.

Baca Juga : Band The Police Merupakan Mususi Terkenal 1984 Dengan Genre Punk Rock

Terapi

Meskipun Playback Theatre tidak terutama merupakan teknik terapeutik, itu dapat disesuaikan untuk digunakan oleh terapis yang juga dilatih di Playback Theatre. Klien dapat memperoleh wawasan, katarsis, koneksi, dan ekspresi diri melalui menceritakan kisah mereka dan berpartisipasi dalam memberlakukan cerita orang lain.

Teater Epik Merupakan Pentas Seni, Memiliki Tujuan Melihat Dunia Dengan Cara Yang Berbeda
Artikel Sejarah

Teater Epik Merupakan Pentas Seni, Memiliki Tujuan Melihat Dunia Dengan Cara Yang Berbeda

americanplacetheatre

Teater Epik Merupakan Pentas Seni, Memiliki Tujuan Melihat Dunia Dengan Cara Yang Berbeda – Teater epik (bahasa Jerman: episches Theater) adalah gerakan teater yang timbul pada awal hingga pertengahan abad ke-20 dari teori dan praktik sejumlah praktisi teater yang menanggapi iklim politik saat itu melalui penciptaan drama politik baru. Teater epik tidak dimaksudkan untuk merujuk pada skala atau ruang lingkup pekerjaan, melainkan pada bentuk yang diperlukan. Teater epik menekankan perspektif dan reaksi penonton terhadap potongan tersebut melalui berbagai teknik yang sengaja menyebabkan mereka terlibat secara individual dengan cara yang berbeda. Tujuan teater epik bukan untuk mendorong penonton untuk menangguhkan ketidakpercayaan mereka, tetapi lebih kepada memaksa mereka untuk melihat dunia mereka apa adanya.

Teater Epik Merupakan Pentas Seni, Memiliki Tujuan Melihat Dunia Dengan Cara Yang Berbeda

americanplacetheatre – Ada tantangan luas untuk aturan yang telah lama ditetapkan seputar representasi teater; menghasilkan pengembangan banyak bentuk teater baru, termasuk modernisme, Ekspresionisme, Impresionisme, teater politik dan bentuk teater Eksperimental lainnya, serta pengembangan berkelanjutan dari bentuk teater yang sudah mapan seperti naturalisme dan realisme.

Sepanjang abad ini, reputasi artistik teater membaik setelah dipersingat sepanjang abad ke-19. Namun, pertumbuhan media lain, terutama film, telah menghasilkan peran yang berkurang dalam budaya pada umumnya. Mengingat perubahan ini, seniman teater telah dipaksa untuk mencari cara baru untuk terlibat dengan masyarakat. Berbagai jawaban yang ditawarkan sebagai tanggapan terhadap hal ini telah mendorong transformasi yang membentuk sejarah modernnya.

Baca Juga : Theatre Workshop Merupakan Grup Teater Yang Banyak Melahirkan Aktor Ternama

Perkembangan di bidang-bidang seperti teori Gender dan filsafat postmodern mengidentifikasi dan menciptakan subjek untuk dijelajahi teater. Ini kadang-kadang secara eksplisit meta-teater pertunjukan dimaksudkan untuk menghadapi persepsi dan asumsi penonton untuk menimbulkan pertanyaan tentang masyarakat mereka. Drama-drama yang menantang dan berpengaruh ini mencirikan sebagian besar dari dua dekade terakhir abad ke-20.

Meskipun sebagian besar berkembang di Eropa dan Amerika Utara hingga awal abad ini, 50 tahun ke depan melihat pelukan bentuk teater non-Barat. Dipengaruhi oleh terongkurnya kekaisaran dan berlanjutnya perkembangan teori pasca-kolonial, banyak seniman baru memanfaatkan elemen budaya dan masyarakat mereka sendiri untuk menciptakan teater yang beragam.

Realisme berfokus pada upaya untuk mewakili materi pelajaran dengan jujur, tanpa artifisitas dan menghindari konvensi artistik atau elemen yang tidak masuk akal, eksotis, dan supranatural. Bagi banyak seniman teater sepanjang abad ini, realisme dimaksudkan untuk mengarahkan perhatian pada masalah sosial dan psikologis kehidupan biasa.

Sejarah

Istilah “teater epik” berasal dari Erwin Piscator yang menciptakannya selama tahun pertamanya sebagai direktur Volksbühne Berlin (1924–27). Piscator bertujuan untuk mendorong penulis drama untuk mengatasi masalah yang terkait dengan “keberadaan kontemporer.” Materi pelajaran baru ini kemudian akan dipentaskan melalui efek dokumenter, interaksi audiens, dan strategi untuk menumbuhkan respons yang objektif. Teater epik menggabungkan mode akting yang menggunakan apa yang brecht sebut gestus. Salah satu inovasi estetika Brecht yang paling penting memprioritaskan fungsi atas oposisi dikotomi steril antara bentuk dan konten. Teater epik dan berbagai bentuknya adalah respons terhadap gagasan Richard Wagner tentang “Gesamtkunstwerk”, atau “karya seni total”, yang berniat setiap karya seni untuk terdiri dari bentuk seni lainnya. Karena teater epik sangat berfokus pada hubungan spesifik antara bentuk dan konten, kedua ide ini bertentangan satu sama lain, terlepas dari kenyataan bahwa Brecht sangat dipengaruhi oleh Wagner.

Brecht membahas prioritas dan pendekatan teater epik dalam karyanya “A Short Organum for the Theatre”. Meskipun banyak konsep dan praktik yang terlibat dalam teater epik Brechtian telah ada selama bertahun-tahun, bahkan berabad-abad, Brecht bersatu mereka, mengembangkan pendekatan, dan mempopulerkannya.

Menjelang akhir kariernya, Brecht lebih memilih istilah “teater dialektika” untuk menggambarkan jenis teater yang dirintisnya. Dari perspektifnya nanti, istilah “teater epik” telah menjadi konsep yang terlalu formal untuk digunakan lagi. Menurut Manfred Wekwerth, salah satu sutradara Brecht di Berliner Ensemble pada saat itu, istilah ini mengacu pada “‘dialektika’ acara” bahwa pendekatan ini untuk membuat teater menghasilkan.

Teater epik berbeda dari bentuk teater lainnya, terutama pendekatan naturalistik awal dan kemudian “realisme psikologis” yang dikembangkan oleh Konstantin Stanislavski. Seperti Stanislavski, Brecht tidak menyukai tontonan dangkal, plot manipulatif, dan emosi melodrama yang meningkat; tetapi di mana Stanislavski berusaha untuk melibatkan perilaku manusia nyata dalam bertindak melalui teknik sistem Stanislavski dan untuk menyerap penonton sepenuhnya di dunia fiksi drama, Brecht melihat jenis teater ini sebagai pelarian. Fokus sosial dan politik Brecht sendiri juga berbeda, dari surealisme dan Teater Kekejaman, seperti yang dikembangkan dalam tulisan dan dramaturgi Antonin Artaud, yang berusaha mempengaruhi penonton secara viscerally, psikologis, fisik, dan irasional. Sementara keduanya menghasilkan ‘kejutan’ di penonton, praktik teater epik juga akan mencakup momen pemahaman dan pemahaman berikutnya.

Teknik

Meskipun tidak ditemukan oleh Brecht, Verfremdungseffekt, yang dikenal dalam bahasa Inggris sebagai “efek terasing” atau “efek alienasi”, dibuat populer oleh Brecht dan merupakan salah satu karakteristik paling signifikan dari teater epik.

Beberapa cara yang dapat dicapai oleh Verfremdungseffekt adalah dengan meminta aktor memainkan beberapa karakter, mengatur ulang set dalam tampilan penuh penonton, dan “memecahkan dinding keempat” dengan berbicara kepada penonton. Penggunaan narator dalam Lingkaran Kapur Kaukasia adalah contoh lain dari Verfremdungseffekt di tempat kerja. Pencahayaan juga dapat digunakan untuk meniru efeknya. Misalnya, membanjiri teater dengan lampu terang (bukan hanya panggung) dan menempatkan peralatan pencahayaan di atas panggung dapat mendorong penonton untuk sepenuhnya mengakui bahwa produksi hanyalah produksi alih-alih kenyataan.

Seperti prinsip konstruksi dramatis yang terlibat dalam bentuk epik drama lisan yang digabungkan atau apa yang disebut Brecht sebagai “drama non-Aristotelian”, pendekatan epik untuk bermain produksi menggunakan teknik montase fragmentasi, kontras dan kontradiksi, dan gangguan. Sementara penulis drama Prancis Jean Genet mengartikulasikan pandangan dunia yang sangat berbeda dalam drama-dramanya dari yang ditemukan di Brecht, dalam sebuah surat kepada sutradara Roger Blin tentang pendekatan yang paling tepat untuk pementasan The Screens-nya pada tahun 1966, ia menyarankan pendekatan epik untuk produksinya:

Historisisasi

Historisisasi juga digunakan untuk menarik koneksi dari peristiwa sejarah ke peristiwa saat ini yang serupa. Hal ini terlihat dalam drama Mother Courage and Her Children and The Good Person of Szechwan, keduanya ditulis oleh Brecht, yang mengomentari isu sosial atau politik saat ini menggunakan konteks sejarah.

Brecht juga, menyarankan untuk memperlakukan setiap elemen drama secara mandiri, seperti giliran ruang musik yang mampu berdiri sendiri. Teknik produksi umum di teater epik termasuk offset desain pemandangan yang disederhanakan dan tidak realistis terhadap realisme selektif dalam costuming dan alat peraga, serta pengumuman atau keterangan visual yang mengganggu dan meringkas tindakan. Brecht menggunakan komedi untuk menjauhkan penontonnya dari peristiwa yang digambarkan dan sangat dipengaruhi oleh musikal dan penampil fairground, menempatkan musik dan lagu dalam dramanya.

Baca Juga : Grup Talking Heads Band Rock Yang Terbentuk Ditahun 1975

Akting di teater epik mengharuskan aktor untuk memainkan karakter dengan percaya tanpa meyakinkan penonton atau diri mereka sendiri bahwa mereka telah “menjadi” karakter. Ini disebut Gestus, ketika seorang aktor mengambil perwujudan fisik dari komentar sosial. Aktor sering menyapa penonton langsung dari karakter (“melanggar dinding keempat”) dan memainkan beberapa peran. Brecht berpikir penting bahwa pilihan karakter yang dibuat eksplisit, dan mencoba mengembangkan gaya akting di mana terbukti bahwa karakter memilih satu tindakan daripada yang lain. Misalnya, seorang karakter bisa mengatakan, “Saya bisa tinggal di rumah, tetapi sebaliknya saya pergi ke toko-toko.” Ini disebutnya “memperbaiki elemen Bukan / Tapi”.

Theatre Workshop Merupakan Grup Teater Yang Banyak Melahirkan Aktor Ternama
Sejarah

Theatre Workshop Merupakan Grup Teater Yang Banyak Melahirkan Aktor Ternama

americanplacetheatre

Theatre Workshop

Theatre Workshop Merupakan Grup Teater Yang Banyak Melahirkan Aktor Ternama – Theatre Workshop adalah grup teater yang sutradaranya sudah lama menjabat adalah Joan Littlewood. Banyak aktor tahun 1950-an dan 1960-an menerima pelatihan dan paparan pertama mereka dengan perusahaan, banyak produksinya dipindahkan ke bioskop di West End, dan beberapa, seperti Oh, What a Lovely War! dan A Taste of Honey, dibuat menjadi film.

Theatre Workshop Merupakan Grup Teater Yang Banyak Melahirkan Aktor Ternama

Formatio

americanplacetheatre – Joan Littlewood dan Ewan MacColl bertemu dan menikah pada tahun 1934, ketika keduanya bekerja dengan Theatre of Action. Mereka memulai kolaborasi mereka sendiri mengembangkan drama radio untuk BBC, mengambil skrip dan pemeran dari pekerja lokal. Namun, baik MI5 dan Cabang Khusus mempertahankan pengawasan pada pasangan itu karena dukungan mereka untuk Partai Komunis Britania Raya. Littlewood dikecualikan dari bekerja untuk BBC sebagai presenter program anak-anak dan beberapa karya MacColl dilarang disiarkan.

Baca Juga : Sejarah Teater Bayangan Dari 3 Negara Yang Harus Kalian Ketahui

Pada akhir 1930-an Littlewood dan MacColl membentuk rombongan akting yang disebut Theatre Union. Ini dibubarkan pada tahun 1940, tetapi pada tahun 1945 banyak mantan anggotanya bergabung dengan usaha baru Joan Littlewood, Theatre Workshop. Pada tahun 1948, perusahaan ini melakukan tur ke Cekoslowakia dan Swedia.

Teater Royal, Stratford Timur

Joan Littlewood (1953–1979)

Tur tidak berhasil untuk perusahaan, dan pada tahun 1953 Joan Littlewood mengambil perjudian mengambil sewa di pangkalan permanen di Theatre Royal Stratford East, London. Teater itu terlantar, tidak ada dana yang tersedia untuk renovasi, dan para aktor membersihkan dan melukis auditorium di antara latihan. Untuk menghemat uang para pemeran dan kru tidur di ruang ganti (sementara Littlewood kembali ke rumahnya di Blackheath). Teater ini dibuka pada 2 Februari 1953 dengan Twelfth Night.

MacColl tidak mendukung kepindahan ke London, dan meninggalkan perusahaan untuk berkonsentrasi pada musik rakyat. Dengan Littlewood, sebagai sutradara, Gerry Raffles (1928–1975) sebagai manajer dan John Bury sebagai desainer, Theatre Workshop terus menghadirkan program campuran klasik dan drama modern dengan tema kontemporer. Para pemain dan kru (sekali lagi tidak termasuk Littlewood, yang saat itu tinggal bersama Raffles) hidup dan bekerja sebagai komune, berbagi banyak tugas yang terkait dengan menjalankan dan memelihara teater, dan dengan daftar tugas untuk “koki minggu ini”.

Kesuksesan datang menyusul undangan dari Claude Planson, direktur Paris International Festival of Theatre, untuk mewakili Inggris di festival pada tahun 1955. Perusahaan melakukan perjalanan ke Paris dengan kostum dalam koper dan pemandangan mereka di bawah lengan mereka. Pada bulan Mei 1955, Theatre Workshop mempresentasikan produksi Volpone dan Arden of Faversham yang diakui di Théâtre Hébertot, meskipun perusahaan harus memohon tarif mereka pulang.

Dewan Kesenian dan kritikus menjadi sadar akan perusahaan, dan mereka kembali ke Paris dengan enam produksi lagi. Pada tahun 1963 mereka memenangkan Penghargaan Grande Prix du Festival untuk Oh, What a Lovely War!. Pada tahun 1955 Littlewood menyutradarai, dan mengambil peran utama dalam, pemutaran perdana London dari Bertolt Brecht Mother Courage and Her Children.

Keuangan terus ketat, tetapi perusahaan tetap bertahan dengan transfer banyak drama yang sukses ke panggung West End dan kemudian, produksi film. Beban kerja ini menempatkan ketegangan yang parah pada sumber daya, karena transfer ini berarti bahwa anggota pemeran yang berpengalaman diikat untuk waktu yang lama dan harus diganti dalam repertory.

Hingga tahun 1968, Theatres Act 1843 mewajibkan skrip untuk diserahkan untuk disetujui oleh Kantor Lord Chamberlain. Hal ini menimbulkan konflik karena teknik teater improvisasi yang digunakan oleh Littlewood untuk mengembangkan drama untuk pertunjukan. Dia dua kali dituntut dan didenda karena memungkinkan perusahaan untuk berimprovisasi dalam kinerja.

Fun Palace adalah proyek multi-seni ambisius yang dikandung oleh Littlewood dan perusahaan bersama dengan arsitek Cedric Price. Proyek ini tidak pernah dibangun, tetapi konsepnya mungkin telah mempengaruhi proyek-proyek kemudian seperti Centre Georges Pompidou di Paris. Proyek lain yang disusun pada 1960-an adalah pembentukan sekolah akting yang terkait dengan Theatre Workshop untuk menginspirasi generasi baru aktor dengan ide dan teknik Littlewood. Meskipun Littlewood sendiri sangat tidak setuju, percaya bahwa akting adalah keterampilan yang tidak dapat dimaafkan, Sekolah Akting East 15 menjadi sukses. Sekarang berbasis di tempatnya sendiri di Loughton. Pada tahun 2000 sekolah ini menjadi bagian dari University of Essex.

Pada akhir 1960-an baik perusahaan dan teater berada di bawah ancaman. Theatre Workshop mempresentasikan kebangkitan kembali produksinya sendiri dan sebuah kampanye mulai menyelamatkan teater dari pembangunan kembali sebagai bagian dari pusat perbelanjaan baru yang direncanakan untuk mengubah pusat Stratford. Penonton memasang kampanye untuk menyelamatkan teater dan selama bertahun-tahun tetap terbuka di pusat situs bangunan. Pada tahun 1975 Gerry Raffles meninggal karena diabetes dan pada tahun 1979 Littlewood pindah ke Prancis, dan berhenti untuk mengarahkan.

Banyak aktor televisi dan panggung yang terkenal memulai karir profesional mereka di Theatre Workshop di bawah pengawasan Littlewood. Mereka termasuk Yootha Joyce, Glynn Edwards, Harry H. Corbett, George A. Cooper, Richard Harris, Stephen Lewis, Howard Goorney, Brian Murphy, Murray Melvin, Nigel Hawthorne dan Barbara Windsor. Tiga terakhir dilemparkan oleh sutradara Ken Russell untuk muncul dalam versi film The Boy Friend (1971) dengan Twiggy.

Philip Hedley (1979–2004)

Philip Hedley telah bekerja sebagai asisten Joan Littlewood selama beberapa tahun, dan mengambil alih jabatan direktur artistik pada kepergiannya dari teater. Dia melanjutkan pekerjaan pendidikannya, dan terlibat dengan audiens Asia dan Hitam baru saat demografi lokal berubah. Teater melanjutkan agenda Littlewood untuk menggambarkan dan mengekspresikan pengalaman masyarakat setempat di London Timur.

Pada tahun 1999 Hedley memulai skema Musical Theatre Initiatives untuk mendorong penulisan baru di teater musikal. Pada tahun 2004, setelah 25 tahun sebagai direktur artistik, ia pensiun.

Kerry Michael MBE (2004–2017)

Kerry Michael adalah Siprus Yunani generasi kedua yang lahir dan dibesarkan di London Utara. Ia bergabung dengan Stratford East pada tahun 1997, sebagai direktur asosiasi. Ia menjadi sutradara pada September 2004. Manifestonya adalah membawa komunitas baru London ke panggung, dan menggambarkan pengalaman mereka sebagai emigran generasi kedua dan ketiga. Michael telah menjunjung tinggi komitmen teater untuk mengembangkan karya baru dan menyediakan platform bagi suara-suara yang kurang terwakili dalam komunitas London Timur yang terus berubah.

Pada tahun 2007 teater ini dinominasikan untuk Olivier Award karena “menyajikan musim yang kuat dari karya provokatif yang menjangkau audiens baru”. Produksi tarian hip-hop Dari Boy Blue’s Pied Piper memenangkan Oliver pada tahun yang sama. Pada tahun berikutnya produksi Cinderella kerry juga dinominasikan untuk Olivier.

Michael memiliki banyak kredit langsung. Sorotan termasuk drama baru oleh Cosh Omar, The Battle of Green Lanes dan The Great Extension; Jamaica House by Paul Sirett, yang memiliki kinerja khusus situs di lantai atas blok menara di Stepney; musikal baru seperti Make Some Noise dan One Dance Will Do; Ray Davies’s Come Dancing, pemenang What’s On Stage Best Musical; dan drama lagu John Adam I Was Looking At The Ceiling And Then I Saw The Sky.

Baca Juga : Cerita Menarik Dari Konser The Road Rage Tour Grup Band Blondie

Michael adalah Ketua Forum Kebudayaan Stratford, anggota dewan Stratford Renaissance Partnership, wali dari Discover, yang menyediakan peluang kreatif, bermain, dan belajar untuk anak-anak dan pengasuh mereka di Stratford, dan anggota Komite Internasional Ekuitas Inggris untuk Kebebasan Seniman. Pada tahun 2018 ia dianugerahi Kebebasan Kota London dan menjadi Anggota Ordo Kekaisaran untuk layanan seni dalam penghormatan Ulang Tahun Ratu.

Sejarah Teater Bayangan Dari 3 Negara Yang Harus Kalian Ketahui
Artikel Sejarah

Sejarah Teater Bayangan Dari 3 Negara Yang Harus Kalian Ketahui

americanplacetheatre

Sejarah Teater Bayangan

Sejarah Teater Bayangan Dari 3 Negara Yang Harus Kalian Ketahui – Teater bayangan mungkin dikembangkan dari acara “par” dengan adegan narasi yang dilukis pada kain besar dan cerita lebih lanjut terkait melalui lagu. Karena pertunjukan sebagian besar dilakukan pada malam hari par diterangi dengan lampu minyak atau lilin. Teater boneka bayangan kemungkinan berasal dari Asia Tengah-Cina atau di India pada milenium ke-1 SM. Oleh setidaknya sekitar 200 SM angka pada kain tampaknya telah diganti dengan boneka dalam pertunjukan bommalata tholu India. Ini dilakukan di belakang layar tipis dengan boneka datar dan bersama yang terbuat dari kulit transparan yang dicat warna-warni. Boneka akan digerakan perdekatan dengan layar serta menyala yang nampak dari belakang, sementara itu tangan serta lengannya dapat dimanipulasi dengan cara memakai kaleng yang sudah dipasangkan di kaki bagian terbawah yang dapat berayun bebas dari batas lutut.

Sejarah Teater Bayangan Dari 3 Negara Yang Harus Kalian Ketahui

americanplacetheatre – Bukti teater boneka bayangan ditemukan dalam teks-teks Cina dan India kuno. Pusat sejarah teater bayangan yang paling signifikan adalah Cina, Asia Tenggara, dan benua India. Menurut Martin Banham, ada sedikit penyebutan aktivitas teater pribumi di Timur Tengah antara abad ke-3 Masehi dan abad ke-13, termasuk abad-abad yang mengikuti penaklukan Islam di wilayah tersebut. Permainan boneka bayangan, menyatakan Banham, mungkin masuk ke vogue di Timur Tengah setelah invasi Mongol dan setelah itu menggabungkan inovasi lokal pada abad ke-16. Sedikit penyebutan drama bayangan ditemukan dalam literatur Islam Iran, tetapi banyak ditemukan di turki dan wilayah yang dipengaruhi Kekaisaran Ottoman abad ke-19.

Baca Juga : Tradisi Dan Pertunjukan Dari India Kuno Yaitu Drama Klasik India

Sementara teater Teater bayangan adalah penemuan Asia, boneka tangan memiliki sejarah panjang di Eropa. Ketika kapal-kapal dagang Eropa berlayar mencari rute laut ke India dan Cina, mereka membantu menyebarkan seni hiburan dan praktik budaya populer ke Eropa. Teater bayangan menjadi populer di Prancis, Italia, Inggris, dan Jerman pada abad ke-17. Di Prancis, permainan bayangan diiklankan sebagai chinoises ombres, sementara di tempat lain mereka disebut “lentera ajaib”. Goethe membantu membangun teater bayangan di Tiefurt pada tahun 1781.

India

Boneka bayangan adalah bagian kuno dari budaya India, terutama secara regional sebagai keelu bomme dan Tholu bommalata dari Andhra Pradesh, togalu gombeyaata di Karnataka, charma bahuli natya di Maharashtra, Ravana chhaya di Odisha, Tholpavakoothu di Kerala dan bommalatta thol di Tamil Nadu Permainan boneka bayangan juga ditemukan dalam tradisi gambar di India, seperti lukisan mural kuil, lukisan folio daun longgar, dan lukisan narasi. Bentuk tari seperti Chhau of Odisha secara harfiah berarti “bayangan”. Teater drama tari teater bayangan biasanya dilakukan di panggung platform yang melekat pada kuil-kuil Hindu, dan di beberapa daerah ini disebut Koothu Madams atau Koothambalams. Di banyak daerah, drama boneka ini dilakukan oleh keluarga seniman itinerant di panggung sementara selama festival kuil besar. Legenda dari epik Hindu Ramayana dan Mahabharata mendominasi repertoar mereka. Namun, detail dan ceritanya berbeda-beda secara regional.

Selama abad ke-19 dan bagian awal abad ke-20 era kolonial, para ahli Indologi percaya bahwa permainan boneka bayangan telah punah di India, meskipun disebutkan dalam teks-teks Sansekerta kunonya. Pada tahun 1930-an dan kemudian, menyatakan Stuart Blackburn, ketakutan akan kepunahannya ini ditemukan palsu ketika bukti muncul bahwa boneka bayangan tetap menjadi tradisi pedesaan yang kuat di pegunungan Kerala tengah, sebagian besar Karnataka, Andhra Pradesh utara, bagian dari Tamil Nadu, Odisha dan Maharashtra selatan. Orang-orang Marathi, terutama kasta rendah, telah melestarikan dan dengan penuh semangat melakukan legenda epik Hindu sebagai tradisi rakyat. Pentingnya seniman Marathi dibuktikan, menyatakan Blackburn, dari dalang berbicara Marathi sebagai bahasa ibu mereka di banyak negara bagian berbahasa Non-Marathi di India.

Menurut Beth Osnes, teater boneka bayangan tholu bommalata berasal dari abad ke-3 SM, dan telah menarik perlindungan sejak saat itu. Boneka yang digunakan dalam pertunjukan bommalata tholu, menyatakan Phyllis Dircks, adalah “angka kulit tembus pandang, beraneka warna tinggi empat hingga lima kaki, dan menampilkan satu atau dua lengan artikulasi”. Proses pembuatan boneka adalah ritual yang rumit, di mana keluarga seniman di India berdoa, masuk ke pengasingan, menghasilkan karya seni yang diperlukan, kemudian merayakan “kelahiran metafora boneka” dengan bunga dan dupa.

Tholu pava koothu dari Kerala menggunakan boneka kulit yang gambarnya diproyeksikan pada layar backlit. Bayangan digunakan untuk mengekspresikan karakter dan cerita secara kreatif di Ramayana. Pertunjukan epik yang lengkap dapat memakan waktu empat puluh satu malam, sementara pertunjukan yang ringkas berlangsung hanya dalam waktu tujuh hari. Salah satu fitur dari pertunjukan tholu pava koothu adalah penampilan tim dalang, sedangkan drama bayangan lainnya seperti wayang Indonesia dilakukan oleh seorang dalang tunggal untuk cerita Ramayana yang sama. Ada perbedaan regional di India dalam seni boneka. Misalnya, wanita memainkan peran utama dalam teater Teater bayangan di sebagian besar india, kecuali di Kerala dan Maharashtra. Hampir di mana-mana, kecuali Odisha, boneka terbuat dari kulit rusa kecokelatan, dicat dan diartikulasikan. Wayang kulit tembus pandang khas di Andhra Pradesh dan Tamil Nadu, sedangkan boneka buram khas kerala dan Odisha. Rombongan seniman biasanya membawa lebih dari seratus boneka untuk penampilan mereka di pedesaan India.

Indonesia

Teater boneka bayangan disebut wayang di Indonesia, di mana kisah dramatis diceritakan melalui bayangan yang dilemparkan oleh boneka dan kadang-kadang dikombinasikan dengan karakter manusia. Wayang adalah bentuk penceritaan kuno yang terkenal dengan bonekanya yang rumit dan gaya musik yang kompleks. Bukti paling awal adalah dari akhir milenium ke-1 M, dalam teks era abad pertengahan dan situs arkeologi. Sekitar 860 M piagam Jawa Kuno yang dikeluarkan Maharaja Sri Lokapala menyebutkan tiga macam penampil: atapukan, aringgit, dan abanol. Ringgit digambarkan dalam puisi Jawa abad ke-11 sebagai sosok bayangan kulit.

Wayang kulit, gaya bermain bayangan wayang, sangat populer di Jawa dan Bali. Istilah yang berasal dari kata wayang secara harfiah berarti “bayangan” atau “imajinasi” dalam bahasa Jawa; itu juga menandakan “roh”. Kata kulit berarti “kulit”, sebagai bahan dari mana boneka dibuat adalah lembaran kulit berlubang tipis yang terbuat dari kulit kerbau.

Pertunjukan teater wayang bayangan di Bali biasanya pada malam hari, berlangsung hingga subuh. Rombongan wayang kulit yang lengkap antara lain dalang (tuan wayang), nayaga (pemain gamelan), dan sinden (penyanyi paduan suara wanita). Beberapa nayaga juga tampil sebagai penyanyi paduan suara pria. Dalang (master boneka) melakukan wayang di belakang layar kapas yang diterangi oleh lampu minyak atau lampu halogen modern, menciptakan efek visual yang mirip dengan animasi. Boneka datar memiliki sendi bergerak yang dianimasikan dengan tangan, menggunakan batang yang terhubung ke boneka. Pegangan batang terbuat dari tanduk kerbau berukir. Pada 7 November 2003, UNESCO menetapkan wayang kulit dari Indonesia sebagai salah satu Mahakarya Warisan Kemanusiaan Lisan dan Tak Berwujud.

Kamboja

Di Kamboja, drama bayangan disebut Nang Sbek Thom atau hanya sebagai Sbek Thom (secara harfiah “kulit besar bersembunyi”), Sbek Touch (“kulit kecil bersembunyi”) dan Sbek Por (“kulit berwarna menyembunyikan”). Ini dilakukan selama upacara bait suci suci, pada fungsi pribadi, dan untuk umum di desa-desa Kamboja. Drama populer termasuk epik Ramayana dan Mahabharata, serta mitos dan legenda Hindu lainnya. Pertunjukan ini disertai dengan orkestra pinpeat.

Sbek Thom didasarkan pada versi Kamboja dari epik India Ramayana, sebuah cerita epik tentang kebaikan dan kejahatan yang melibatkan Rama, Sita, Lakshmana, Hanuman dan Ravana. Ini adalah pertunjukan sakral, mewujudkan kepercayaan Khmer yang dibangun di atas dasar-dasar dan mitologi Brahmanisme dan Buddhisme.

Baca Juga : Asal-usul Sejarah Gitar Akustik Yang Menjadi Primadona Para Pendengar Seni Musik

Boneka bayangan Kamboja terbuat dari kulit sapi, dan ukurannya biasanya cukup besar, menggambarkan seluruh adegan, termasuk latar belakangnya. Tidak seperti rekan-rekan jawa mereka, boneka bayangan Kamboja biasanya tidak diartikulasikan, membuat tangan sosok itu tidak dapat dilepas, dan dibiarkan tidak dikutikkan, mempertahankan warna asli kulit. Pusat produksi boneka bayangan utama adalah Roluos dekat Siem Reap. Boneka bayangan Kamboja adalah salah satu pertunjukan budaya yang dipentaskan untuk wisatawan bersama tarian tradisional Kamboja.

Sosok Sbek Thom tidak seperti boneka karena besar dan berat, tanpa bagian yang bisa bergerak. Sbek Touch, sebaliknya, adalah boneka yang jauh lebih kecil dengan bagian bergerak; acara mereka telah lebih populer. Drama bayangan Sbek Thom melibatkan banyak dalang yang menari di layar, masing-masing dalang memainkan satu karakter Ramayana, sementara narator terpisah membacakan cerita disertai dengan orkestra.

Tradisi Dan Pertunjukan Dari India Kuno Yaitu Drama Klasik India
Artikel Sejarah

Tradisi Dan Pertunjukan Dari India Kuno Yaitu Drama Klasik India

americanplacetheatre

Tradisi Dan Pertunjukan Dari India Kuno Yaitu Drama Klasik India – Istilah drama klasik India mengacu pada tradisi sastra dan pertunjukan dramatis di India kuno. Asal-usul kinerja dramatis di benua India dapat ditelusuri kembali hingga pada awal 200 SM. Dramanya dianggap sebagai pencapaian tertinggi sastra Sansekerta. Filsuf Buddha Asvaghosa yang menyusun Buddhacarita dianggap telah menjadi dramawan Sansekerta pertama.

Tradisi Dan Pertunjukan Dari India Kuno Yaitu Drama Klasik India

americanplacetheatre – Terlepas dari namanya, drama Sansekerta klasik menggunakan bahasa Sansekerta dan Prakrit yang memberinya sifat dwibahasa. Drama Sansekerta memanfaatkan karakter saham, seperti pahlawan (nayaka), heroine (nayika), atau badut (vidusaka). Aktor mungkin telah mengkhususkan diri dalam jenis tertentu. Mahabhasya Patanjali berisi referensi paling awal tentang apa yang mungkin menjadi benih drama Sansekerta. Perjanjian tentang tata bahasa ini memberikan tanggal yang layak untuk awal teater di India.

Baca Juga : Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat

Kalidasa pada abad ke-4-5 Masehi, bisa dibilang salah satu dramawan Sansekerta terbesar di India kuno. Tiga drama romantis terkenal yang ditulis oleh Kalidasa adalah Malavikagnimitram (Malavika dan Agnimitra), Vikramorvasiyam (Berkaitan dengan Vikrama dan Urvashi), dan Abhijnanasakuntalam (Pengakuan Shakuntala). Yang terakhir terinspirasi oleh sebuah cerita di Mahabharata dan merupakan yang paling terkenal. Ini adalah yang pertama diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris dan Jerman. sakuntala (dalam terjemahan bahasa Inggris) memengaruhi Goethe’s Faust (1808–1832). Dramatis besar India berikutnya adalah Bhavabhuti (sekitar abad ke-7 Masehi). Ia disebut-sebut akan menulis tiga drama berikut: Malati-Madhava, Mahaviracharita dan Uttararamacarita. Di antara ketiganya, dua sampul terakhir di antara mereka seluruh epik Ramayana. Kaisar India yang kuat Harsha (606–648) dikreditkan karena telah menulis tiga drama: komedi Ratnavali, Priyadarsika, dan drama Buddha Nagananda. Dramatis Sansekerta terkenal lainnya termasuk shudraka, Bhasa, dan Asvaghosa. Meskipun banyak drama yang ditulis oleh penulis drama ini masih tersedia, sedikit yang diketahui tentang penulis itu sendiri.

Shatapatha Brahmana (~800–700 SM) memiliki ayat-ayat dalam bab 13.2 yang ditulis dalam bentuk drama antara dua aktor. Literatur Buddha awal memberikan bukti paling awal untuk keberadaan teater India. Pali suttas (mulai dari abad ke-5 hingga ke-3 SM) mengacu pada keberadaan rombongan aktor (dipimpin oleh aktor utama), yang melakukan drama di atas panggung. Diindikasikan bahwa drama-drama ini menggabungkan tarian, tetapi terdaftar sebagai bentuk pertunjukan yang berbeda, di samping tarian, nyanyian, dan pembacaan cerita.

Fragmen paling awal dari tanggal drama Sansekerta dari c.200 SM. Kekayaan bukti arkeologi dari periode sebelumnya tidak menawarkan indikasi adanya tradisi teater. Veda (sastra India paling awal, dari antara 1500 dan 600 SM) tidak mengandung petunjuk tentang itu; meskipun sejumlah kecil nyanyian pujian disusun dalam bentuk dialog, ritual periode Veda tampaknya tidak berkembang menjadi teater The Mahabhasya oleh Patanjali berisi referensi paling awal tentang apa yang mungkin telah menjadi benih drama Sansekerta. Perjanjian tentang tata bahasa dari 140 SM ini memberikan tanggal yang layak untuk awal teater di India.

Sejak zaman Alexander Agung, anak benua India bersentuhan langsung dengan budaya Yunani. Ini telah menyebabkan perdebatan ilmiah tentang seberapa besar pengaruh drama Yunani Kuno terhadap pengembangan teater India

Natya Shastra

Sumber utama bukti untuk teater Sansekerta adalah A Treatise on Theatre (Natyasastra), kompensium yang tanggal komposisinya tidak pasti (perkiraan berkisar dari 200 SM hingga 200 M) dan yang kepenulisannya dikaitkan dengan Bharata Muni. The Treatise adalah karya dramaturgi terlenyap di dunia kuno. Ini membahas akting, tarian, musik, konstruksi dramatis, arsitektur, costuming, make-up, alat peraga, organisasi perusahaan, penonton, kompetisi, dan menawarkan akun mitologis asal teater. Dengan demikian, ia memberikan indikasi tentang sifat praktik teater yang sebenarnya. Teater Sansekerta dilakukan di tanah suci oleh para imam yang telah dilatih dalam keterampilan yang diperlukan (tarian, musik, dan pembacaan) dalam proses turun temurun. Tujuannya adalah untuk mendidik dan menghibur.

Di bawah perlindungan pengadilan kerajaan, pemain milik perusahaan profesional yang diarahkan oleh manajer panggung (sutradhara), yang mungkin juga telah bertindak. Tugas ini dianggap analog dengan dalang —arti harfiah “sutradhara” adalah “pemegang senar atau benang”. Para pemain dilatih dengan ketat dalam teknik vokal dan fisik. Tidak ada larangan terhadap pemain wanita; perusahaan semua laki-laki, semua-perempuan, dan berjenis kelamin campuran. Sentimen tertentu dianggap tidak pantas bagi pria untuk diberlakukan, namun, dan dianggap lebih cocok untuk wanita. Beberapa pemain memainkan karakter seusia mereka sendiri, sementara yang lain memainkan karakter yang lebih muda atau lebih tua dari mereka sendiri. Dari semua elemen teater, Treatise memberikan perhatian paling pada akting (abhinaya), yang terdiri dari dua gaya: realistis (lokadharmi) dan konvensional (natyadharmi), meskipun fokus utamanya adalah pada latte.

Mricchakatika (Gerobak Tanah Liat Kecil)

Salah satu drama Sansekerta paling awal yang dikenal, drama ini disusun oleh sudraka pada abad ke-2 SM. Penuh dengan romansa, seks, intrik kerajaan dan komedi, plot drama yang berair memiliki banyak tikungan dan belokan. Cerita utamanya adalah tentang seorang pemuda bernama Charudatta, dan kecintaannya pada Vasantasena, seorang pelacur kaya atau nagarvadhu. Hubungan cinta ini rumit oleh seorang pejabat kerajaan, yang juga tertarik pada Vasantasena. Plot ini semakin rumit oleh pencuri dan identitas yang keliru, dan dengan demikian menjadikannya drama yang sangat lucu dan menghibur. Ini mengundang kekaguman luas ketika dipentaskan di New York pada tahun 1924. Drama ini dibuat menjadi film Hindi Utsav tahun 1984, yang disutradarai oleh Girish Karnad. Drama India yang digambarkan dalam film 2001 Moulin Rouge! mungkin didasarkan pada The Little Clay Cart.

Bahasa Bhasa

Drama-drama yang ditulis oleh Bhasa dikenal oleh sejarawan hanya melalui referensi penulis kemudian, karena naskah itu sendiri hilang. Naskah 13 drama yang ditulis olehnya ditemukan di perpustakaan lama di Thiruvananthapuram (Trivandrum) pada tahun 1913 oleh cendekiawan Ganapati Sastri. Sebuah drama ke-14 kemudian ditemukan dan dikaitkan dengan Bhasa, tetapi kebapakannya dibantah.

Drama Bhasa yang paling terkenal adalah Svapnavasavadattam (Swapnavasadatta) (“mimpi Vasavadatta”), Pancharatra, dan Pratijna Yaugandharayaanam (“Sumpah Yaugandharayana”). Beberapa drama lainnya adalah Pratimanataka, Abhishekanataka, Balacharita, Dūtavakya, Karnabhara, Dūtaghatotkacha, Charudatta, Madhyamavyayoga dan Ūrubhaṅga.

Karnabharam adalah drama yang diakui secara kritis dan menjadi sasaran banyak eksperimen oleh kelompok teater modern di India. Bhasa dianggap sebagai salah satu penulis drama Sansekerta terbaik, kedua hanya untuk Kalidasa. Dia lebih awal dari Kalidasa dan berpacaran dengan abad ke-3 atau ke-4 Masehi.

Kalidasa

Kalidasa adalah penyair dan penulis naskah terbesar dalam bahasa Sansekerta, dan menempati posisi yang sama dalam sastra Sansekerta yang ditempati Shakespeare dalam sastra Inggris. Dia berurusan terutama dengan legenda dan tema Hindu yang terkenal; tiga drama terkenal oleh Kalidasa adalah Vikramorvasiyam (“Vikrama dan Urvashi”), Malavikagnimitram (“Malavika dan Agnimitra”), dan drama yang paling dikenalnya: Abhijnanasakuntalam (“Pengakuan Shakuntala”). Drama terakhir yang dinamai dianggap sebagai permainan terbesar dalam bahasa Sansekerta. Lebih dari satu milenium kemudian, itu akan sangat mengesankan penulis Jerman terkenal Goethe bahwa ia akan menulis:

Baca Juga : Belajar Mengenai Gibson Les Paul, Gitar Yang Berjuluk “Black Beauty”

Pertunjukan

Drama sansekerta sangat populer dan dipentaskan pada zaman kuno di seluruh India. Sekarang satu-satunya teater drama Sansekerta kuno yang masih hidup adalah Koodiyattam, yang diawetkan di Kerala oleh komunitas Chakyar. Bentuk drama Sansekerta ini diperkirakan berusia setidaknya 2000 tahun dan merupakan salah satu tradisi teater tertua yang hidup di dunia. Semua drama utama Sansekerta seperti Bhasa, Sri Harsha, Shakti Bhadra dll dilakukan di Koodiyattam. Guru Natyacharya Vidūshakaratnam Padma Shri Mani Madhava Chakyar membuat koreografi dan menyutradarai drama seperti Kalidasa’s Abhijnanasakuntala, Vikramorvasiya dan Malavikagnimitra; Bhasa’s Swapnavasadatta dan Pancharatra untuk pertama kalinya dalam sejarah Koodiyattam. Dia mempopulerkan Koodiyattam dan meremajakan satu-satunya teater drama Sansekerta yang masih hidup di India.

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat
Sejarah

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat

americanplacetheatre

Teater Jalanan

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat – Teater jalanan adalah bentuk pertunjukan teater dan presentasi di ruang publik luar ruangan tanpa penonton yang membayar khusus. Ruang-ruang ini dapat berada di mana saja, termasuk pusat perbelanjaan, tempat parkir mobil, cadangan rekreasi, kampus perguruan tinggi atau universitas, dan sudut jalan. Mereka terutama terlihat di ruang luar ruangan di mana ada sejumlah besar orang. Para aktor yang melakukan teater jalanan berkisar dari busker hingga perusahaan atau kelompok teater terorganisir yang ingin bereksperimen dengan ruang pertunjukan, atau untuk mempromosikan karya utama mereka.

Awal Mula Terlahirnya Teater Jalanan Yang Memiliki Makna Filsafat

americanplacetheatre – Itu adalah sumber memberikan informasi kepada orang-orang ketika tidak ada sumber penyediaan informasi seperti televisi, radio dll. Saat ini, street play digunakan untuk menyampaikan pesan kepada orang banyak yang menontonnya. Street play dianggap sebagai bentuk akting paling mentah, karena seseorang tidak memiliki mikrofon atau speaker keras. Baru-baru ini, konsep Shared space telah dimajukan untuk meningkatkan pengalaman pejalan kaki di ruang publik yang digunakan bersama oleh mobil dan kendaraan lainnya.

Baca Juga : Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video

Ruang publik juga telah menjadi sesuatu dari batu sentuh untuk teori kritis dalam kaitannya dengan filsafat, (perkotaan) geografi, seni visual, studi budaya, studi sosial dan desain perkotaan. Istilah ‘ruang publik’ juga sering disalahartikan sebagai hal lain seperti ‘tempat berkumpul’, yang merupakan elemen dari konsep ruang sosial yang lebih besar. Ruang publik sering diasingkan sebagai ruang demokrasi jemaat dan partisipasi politik, di mana kelompok-kelompok dapat menyuarakan hak-hak mereka. Salah satu contoh awal ruang publik adalah umum. Misalnya, tidak ada biaya atau tiket berbayar yang diperlukan untuk masuk. Mal, terlepas dari persentase kepemilikan pribadi, adalah contoh ‘ruang publik’

Di Amerika Serikat hak rakyat untuk terlibat dalam pidato dan perakitan di tempat umum mungkin tidak secara tidak masuk akal dibatasi oleh pemerintah federal atau negara bagian. Pemerintah biasanya tidak dapat membatasi pidato seseorang di luar apa yang masuk akal di ruang publik, yang dianggap sebagai forum publik (yaitu, menjerit epitel pada orang yang lewat dapat dihentikan; mengusut agama seseorang mungkin tidak bisa). Secara pribadi—yaitu, non-publik—forum, pemerintah dapat mengontrol pidato seseorang ke tingkat yang jauh lebih besar; misalnya, memprotes keberatan seseorang terhadap reformasi medicare tidak akan ditoleransi di galeri Senat Amerika Serikat. Ini bukan berarti bahwa pemerintah dapat mengontrol apa yang dikatakan seseorang di rumah mereka sendiri atau kepada orang lain; hanya dapat mengontrol properti pemerintah dengan cara ini.

Konsep forum publik tidak terbatas pada ruang fisik atau properti publik, misalnya, surat kabar mungkin dianggap sebagai forum publik, tetapi melihat forum dalam arti hukum karena istilah ini memiliki arti khusus dalam hukum Amerika Serikat. Kadang-kadang penampil ditugaskan, terutama untuk festival jalanan, pertunjukan anak-anak atau parade, tetapi lebih sering pemain teater jalanan tidak dibayar atau mengumpulkan beberapa penghasilan melalui penurunan koin dalam topi oleh penonton.

Logistik melakukan teater jalanan membutuhkan kostum dan alat peraga sederhana, dan seringkali ada sedikit atau tidak ada amplifikasi suara, dengan aktor tergantung pada kemampuan vokal dan fisik alami mereka. Masalah dengan suara ini berarti bahwa teater fisik, termasuk tarian, mime, dan slapstick, adalah genre yang sangat populer dalam suasana luar ruangan. Pertunjukan harus sangat terlihat, keras dan mudah diikuti untuk menarik kerumunan.

Teater jalanan harus dibedakan dari pertunjukan teater luar ruangan lain yang lebih formal, seperti pertunjukan di taman atau taman, di mana ada ruang diskrit yang disisihkan (atau disalir) dan penonton yang ditilang. Dalam beberapa kasus, pemain teater jalanan harus mendapatkan lisensi atau izin khusus melalui pemerintah daerah atau negara bagian untuk tampil. Banyak penampil melakukan perjalanan internasional ke lokasi catatan tertentu.

Teater jalanan bisa dibilang merupakan bentuk teater tertua yang ada: sebagian besar media hiburan arus utama dapat ditelusuri kembali ke asal-usul dalam pertunjukan jalanan, termasuk drama gairah keagamaan dan banyak bentuk lainnya. Baru-baru ini pemain yang, seratus tahun yang lalu, akan membuat hidup mereka bekerja di berbagai teater, aula musik dan di vaudeville, sekarang sering tampil secara profesional di banyak area pertunjukan jalanan terkenal di seluruh dunia. Penampil terkenal yang memulai karir mereka sebagai penampil teater jalanan termasuk Robin Williams, David Bowie, Jewel dan Harry Anderson.

Teater jalanan memungkinkan orang-orang yang mungkin belum pernah ke, atau mampu pergi ke teater tradisional. Penonton terdiri dari siapa saja dan semua orang yang ingin menonton dan untuk sebagian besar pertunjukan adalah hiburan gratis.

Alasan Untuk Pekerjaan Pementasan di Jalan

Seniman pertunjukan dengan minat pada aktivisme sosial dapat memilih untuk menggelar pekerjaan mereka di jalan sebagai sarana untuk langsung menghadapi atau melibatkan publik. Misalnya, seniman multimedia Caeser Pink dan kelompok penampilnya yang dikenal sebagai The Imperial Orgy menggelar karya berjudul Our Daily Bread yang membawa pemain ke jalan-jalan di distrik keuangan New York untuk secara seremonmonal meletakkan roti Wonder Bread di sepanjang trotoar, masing-masing dengan iklan dari Setan yang menawarkan untuk membeli jiwa orang dengan imbalan kepemilikan material. Pertunjukan itu menyebabkan keributan ketika polisi dipanggil dan anjing pelacak bom dibawa untuk memeriksa roti untuk bahan peledak.

Seniman lain menganggap publik yang membayar dan akan teater tidak merepresentasikan publik kepada siapa mereka mencoba berkomunikasi, dan tampil untuk ‘pria di jalan’ dapat dianggap sebagai bentuk penyebaran yang lebih demokratis. Beberapa praktisi teater jalanan kontemporer telah secara luas mempelajari tradisi jalanan dan teater populer yang sudah ada sebelumnya, seperti Karnaval, commedia dell’arte dll.

Apa pun alasan untuk memilih jalan, jalan adalah tempat dengan serangkaian kemungkinan yang berbeda dari ruang teater konvensional. Sue Gill of Welfare State International berpendapat bahwa pertunjukan teater jalanan bukanlah bentuk yang lebih rendah daripada pertunjukan dalam ruangan, juga tidak hanya mengambil apa yang Anda lakukan di atas panggung dan menempatkannya di luar ruangan, tetapi bentuk dengan energi dan integritas tersendiri.

Banyak perusahaan bermotivasi politik dan menggunakan teater jalanan untuk menggabungkan pertunjukan dengan protes. Ini telah terjadi melalui teater gerilya San Francisco Mime Troupe, The Living Theatre, parade karnavalesque Bread and Puppet Theatre, dan karya Ashesh Malla dan Sarwanam Theatre Group of Nepal.

Teater jalanan berbasis karakter yang berkembang pada 1960-an dan 1970-an dikembangkan oleh kelompok-kelompok seperti Lumiere dan Son, John Bull Puncture Repair Kit, Exploded Eye dan Natural Theatre Company. Pertunjukan ini tidak diumumkan dan menampilkan karakter yang bertindak keluar skenario yang telah diatur sebelumnya, terlihat cantik atau surealis atau hanya melibatkan orang yang lewat dalam percakapan. Mereka tidak berusaha untuk mengelabui dengan cara Candid Camera, melainkan mengundang penonton untuk berpura-pura bersama mereka. Tidak ada jumlah perencanaan atau latihan yang bisa mendikte apa yang akan terjadi.

Baca Juga : Ampeg Salah Satu Produsen Besar Dunia Untuk Amplifier

Contoh lain adalah skenario Natural Theatre’s Pink Suitcase. Sejumlah orang berpakaian cerdas yang membawa koper berwarna merah muda cerah memasuki satu set jalan atau bangunan. Mereka mencari dan merindukan teman-teman mereka. Dalam pencarian mereka naik bus, memanggil taksi, berakhir di jendela toko, dll. Pada saat mereka bertemu di tempat yang telah diatur sebelumnya dengan bantuan orang yang lewat, persepsi tentang daerah itu telah berubah dan berbelanja telah berhenti setidaknya selama beberapa saat. Humor bersifat universal dan potongan ini telah terlihat di hampir tujuh puluh negara. Biasanya dilakukan oleh empat atau lima aktor, tetapi telah dilakukan dengan dua puluh lima.

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video
Artikel Sejarah

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video

americanplacetheatre

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video – Stagecraft adalah aspek teknis dari produksi teater, film, dan video. Ini termasuk membangun dan merobek pemandangan; menggantung dan memfokuskan pencahayaan; desain dan pengadaan kostum; make-up; manajemen tahap; teknik audio; dan pengadaan alat peraga. Stagecraft berbeda dari istilah skenografi payung yang lebih luas. Dianggap sebagai bidang teknis daripada artistik, ini terutama implementasi praktis dari visi artistik desainer yang indah.

Mengenal Sistem Stagecraft Di Produksi Teater, Film Dan Video

americanplacetheatre – Dalam bentuk yang paling mendasar, stagecraft dapat dieksekusi oleh satu orang (seringkali manajer panggung dari produksi yang lebih kecil) yang mengatur semua pemandangan, kostum, pencahayaan, dan suara, dan mengatur pemeran. Teater regional dan teater komunitas yang lebih besar umumnya akan memiliki direktur teknis dan pelengkap desainer, yang masing-masing memiliki tangan langsung dalam desain masing-masing.

Baca Juga : Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

Dalam produksi yang jauh lebih besar, misalnya pertunjukan Broadway modern, secara efektif membawa pertunjukan ke malam pembukaan membutuhkan karya tukang kayu terampil, pelukis, tukang listrik, stagehands, stitcher, wigmakers, dan semacamnya. Stagecraft modern sangat teknis dan khusus: terdiri dari banyak sub-disiplin ilmu dan banyak sejarah dan tradisi.

Sejarah

Yunani adalah praktisi stagecraft yang tercatat paling awal. “Skene” adalah bahasa Yunani, diterjemahkan secara kasar ke dalam “adegan” atau “pemandangan”, dan mengacu pada rumah indah besar, sekitar satu lantai tinggi, dengan tiga pintu. Di sisi penonton Skene, apa yang sekarang dikenal sebagai “flat” bisa digantung. Flat dikembangkan ke flat bercat dua sisi yang akan dipasang, dipusatkan, pada pin berputar, dengan tali berjalan di sekitar setiap pin berturut-turut, sehingga flat dapat diputar untuk perubahan adegan. Flat dua sisi akhirnya berevolusi menjadi periaktos (pl. periaktoi).

Selain flat, orang Yunani juga menggunakan mesin seperti ekkyklema, pada dasarnya platform di atas roda, dan deus ex machina, lift engkol tangan yang akan digunakan untuk mengangkat karakter / pemandangan di atas skene. Lebih dari 20 penemuan indah tersebut dapat ditelusuri kembali ke yunani. Tidak ada cahaya kecuali matahari yang digunakan; bermain dimulai saat matahari terbit dan berlanjut sampai matahari terbenam.

Drama abad pertengahan diadakan di berbagai tempat seperti jalan-jalan kota dan kota, dilakukan dengan bepergian, rombongan sekuler. Beberapa juga diadakan di biara-biara, yang dilakukan oleh kelompok-kelompok yang dikendalikan gereja, sering menggambarkan adegan keagamaan. Tempat bermain dapat mewakili banyak hal yang berbeda seperti di dalam ruangan atau di luar ruangan (plain-an-gwarry (teater)). Mereka dimainkan di tempat-tempat tertentu sehingga alat peraga dapat digunakan untuk bermain. Lagu dan tontonan sering digunakan dalam drama untuk meningkatkan partisipasi.

Stagecraft yang lebih modern dikembangkan di Inggris antara 1576 dan 1642. Ada tiga jenis teater di London – publik, swasta dan pengadilan. Ukuran dan bentuknya bervariasi tetapi banyak yang disarankan untuk menjadi teater bundar. Rumah bermain umum seperti Globe Theatre menggunakan rigging yang berjarak di sebuah ruangan di atap untuk menurunkan dan meningkatkan pemandangan atau aktor, dan menggunakan panggung yang dinaikkan dengan mengembangkan praktik menggunakan pintu perangkap dalam produksi teater.

Sebagian besar teater memiliki desain melingkar, dengan area terbuka di atas lubang untuk memungkinkan sinar matahari masuk dan menyalakan panggung. Itu adalah penerimaan sepeser pun untuk berdiri di lubang. Harga meningkat untuk tempat duduk. Permainan pengadilan digunakan untuk liburan dan acara-acara khusus.

Tahapan proscenium, atau panggung kotak gambar, dibangun di Prancis sekitar waktu Restorasi Bahasa Inggris, dan mempertahankan tempat bentuk panggung paling populer yang digunakan hingga saat ini, dan awalnya menggabungkan elemen skene dalam desain, pada dasarnya membangun skene di atas panggung. Pencahayaan periode akan terdiri dari lilin, digunakan sebagai lampu kaki, dan tergantung dari lampu gantung di atas panggung.

Stagecraft selama era Victoria di Inggris berkembang pesat dengan munculnya West End. Didorong oleh dan masuknya kaum urban di wilayah London raya, Parlemen terpaksa melakukan jauh dengan undang-undang lisensi sebelumnya dan memungkinkan semua teater untuk melakukan drama langsung pada tahun 1843. Pencahayaan listrik dan hidrolik diperkenalkan untuk menarik audiens besar untuk melihat badai di atas panggung, ledakan, dan transformasi ajaib. Teknologi yang dikembangkan selama bagian terakhir abad ke-19 membuka jalan bagi pengembangan efek khusus yang akan digunakan dalam film.

Pencahayaan terus berkembang. Di Inggris, lampu bentuk menggunakan blowpipe untuk memanaskan kapur ke pijar dikembangkan, untuk tujuan navigasi – segera disesuaikan dengan pertunjukan teater dan pusat perhatian menjadi bentuk cahaya buatan yang luas untuk teater. Untuk mengontrol fokus cahaya, lensa Fresnel digunakan.

Awalnya dimaksudkan untuk mengganti lensa cembung besar di mercusuar, Dr. Fresnel mengeluarkan lensa cembung dalam serangkaian lingkaran, seperti cincin pohon, dan menjaga sudut bagian tertentu, memindahkan bagian jauh lebih dekat ke sisi datar lensa cembung.

Setelah lilin, muncul pencahayaan gas, menggunakan pipa dengan bukaan kecil yang dinyalakan sebelum setiap pertunjukan, dan dapat diredupkan dengan mengendalikan aliran gas, selama api tidak pernah padam. Dengan pergantian abad ke-20, banyak perusahaan teater melakukan transisi dari gas ke listrik akan memasang sistem baru tepat di sebelah yang lama, mengakibatkan banyak ledakan dan kebakaran karena listrik menyulut saluran gas. Pencahayaan teater modern berbasis listrik. Banyak lampu dan instrumen pencahayaan yang digunakan saat ini, dan lapangan dengan cepat menjadi salah satu yang paling beragam dan kompleks di industri.

Mesin Panggung

Mesin panggung dapat dibagi menjadi dua kategori umum: mesin permanen, yaitu peralatan yang merupakan bagian dari struktur teater, dan mesin sementara, yaitu peralatan yang dibawa ke teater untuk digunakan bersama dengan produksi tertentu.

Ada tiga jenis konfigurasi panggung umum: tahap proscenium, panggung terbuka (atau panggung dorong), dan panggung arena (juga disebut theatre-in-the-round). Baik tahap terbuka maupun arena umumnya memiliki jaringan pencahayaan permanen—jaringan pipa baja yang digunakan untuk menggantung alat penerangan—di atas panggung dan ruang auditorium. Ketiga jenis teater dapat memiliki mesin panggung permanen — seperti sistem terbang, tahap berputar, dan tahap slip — meskipun sebagian besar mesin tersebut dikaitkan dengan tahap proscenium.

Sistem Terbang

Sistem terbang adalah bagian penting dari mesin panggung untuk teater panggung proscenium. Sistem ini digunakan untuk mengangkat (atau menerbangkan) pemandangan dari panggung ke ruang di atas panggung dengan cara hoist mekanis. Ada dua jenis utama sistem terbang: dioperasikan dengan tangan dan digerakkan oleh mesin. Sistem yang dioperasikan dengan tangan dapat dibagi lebih lanjut menjadi dua jenis: tali-set, atau rami, sistem, dan sistem penyeimbang.

Sistem tali-set biasanya memiliki tiga atau lebih tali yang melekat pada pipa logam, yang disebut batten, di atas panggung. Tali melewati balok loteng di grid di atas panggung. Kemudian, di sisi rumah panggung, mereka melewati satu set blok lain (dikenal sebagai balok kepala) dan kemudian turun ke galeri terbang, di mana mereka diikat di rel pin. Agar pemandangan dinaikkan, itu melekat pada batten; ketika operator turun di ujung tali, yang disebut jalur operasi, yang turun dari blok kepala ke rel pin, pemandangan naik.

Baca Juga : Desain Futuristik Yang Ditampilkan Dari Gitar Gibson Flying V

Jika bobot pemandangan terlalu banyak untuk diangkat oleh operator, karung pasir—digunakan untuk menyeimbangkan berat pemandangan—melekat pada jalur operasi. Sistem ini kuno dan secara inheren berbahaya, dan jarang digunakan saat ini, meskipun itu adalah metode standar pemandangan terbang dari awal 1600-an sampai pengenalan sistem penyeimbang di bagian awal abad ke-20. Prinsip-prinsip yang mendasari sistem tali-set juga dapat ditemukan dalam sistem penyeimbang. Yang terakhir, bagaimanapun, jauh lebih aman dan lebih mudah dioperasikan.

Kabel baja digunakan untuk mendukung batten. Ujung luar panggung kabel ini melekat pada struktur yang disebut arbor penyeimbang. Dengan batten diturunkan ke lantai panggung, benda-benda yang akan diterbangkan melekat pada batten, dan bobot logam yang cukup untuk menyeimbangkan berat peralatan yang diterbangkan dimuat ke arbor penyeimbang dari platform pemuatan. Pergerakan naik-turun sistem penyeimbang dikendalikan oleh lini operasi sistem, yang membentuk loop tertutup di mana salah satu ujung tali melekat pada bagian atas arbor penyeimbang. Garis kemudian melewati blok kepala, turun melalui kunci tali, ke katrol ketegangan; kemudian melewati back up untuk menempel ke ujung bawah arbor penyeimbang.

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter
Artikel Sejarah

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

americanplacetheatre

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter – Akting adalah kegiatan di mana sebuah cerita diceritakan melalui pemberlakuannya oleh seorang aktor atau aktris yang mengadopsi karakter — di teater, televisi, film, radio, atau media lain yang memanfaatkan mode mimetik.

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

Sejarah

americanplacetheatre – Salah satu aktor pertama yang dikenal adalah seorang Yunani kuno yang disebut Thespis of Icaria. Menulis dua abad setelah peristiwa itu, Aristoteles dalam Puisinya (sekitar 335 SM) menunjukkan bahwa Thespis melangkah keluar dari paduan suara dithyrambic dan menyikapinya sebagai karakter terpisah. Sebelum Thespis, paduan suara meriwayatkan (misalnya, “Dionysus melakukan ini, Dionysus mengatakan itu”). Ketika Thespis melangkah keluar dari paduan suara, dia berbicara seolah-olah dia adalah karakter (misalnya, “Saya Dionysus, saya melakukan ini”). Untuk membedakan antara berbagai mode penceritaan ini—pemberlakuan dan narasi—Aristoteles menggunakan istilah “mimesis” (melalui pemberlakuan) dan “diegesis” (melalui narasi). Dari nama Thespis memperoleh kata “thespian”.

Baca Juga : Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

Pelatihan

Konservatori dan sekolah drama biasanya menawarkan pelatihan dua hingga empat tahun pada semua aspek akting. Universitas sebagian besar menawarkan program tiga hingga empat tahun, di mana seorang siswa sering dapat memilih untuk fokus pada akting, sambil terus belajar tentang aspek teater lainnya. Sekolah bervariasi dalam pendekatan mereka, tetapi di Amerika Utara metode paling populer yang diajarkan berasal dari ‘sistem’ Konstantin Stanislavski, yang dikembangkan dan dipopulerkan di Amerika sebagai metode yang bertindak oleh Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner, dan lainnya.

Pendekatan lain mungkin termasuk orientasi yang lebih berbasis fisik, seperti yang dipromosikan oleh praktisi teater yang beragam seperti Anne Bogart, Jacques Lecoq, Jerzy Grotowski, atau Vsevolod Meyerhold. Kelas juga dapat mencakup psikoteknik, pekerjaan topeng, teater fisik, improvisasi, dan bertindak untuk kamera.

Terlepas dari pendekatan sekolah, siswa harus mengharapkan pelatihan intensif dalam interpretasi tekstual, suara, dan gerakan. Aplikasi untuk program drama dan konservatori biasanya melibatkan audisi yang luas. Siapa pun yang berusia di atas 18 tahun biasanya dapat mendaftar. Pelatihan juga dapat dimulai pada usia yang sangat muda. Kelas akting dan sekolah profesional yang ditargetkan di usia di bawah 18 tahun tersebar luas. Kelas-kelas ini memperkenalkan aktor muda ke berbagai aspek akting dan teater, termasuk studi adegan.

Peningkatan pelatihan dan paparan berbicara di depan umum memungkinkan manusia untuk menjaga fisiologis yang lebih tenang dan lebih santai. Dengan mengukur detak jantung pembicara publik mungkin salah satu cara termudah untuk menilai pergeseran stres karena detak jantung meningkat dengan kecemasan.

Ketika aktor meningkatkan kinerja, detak jantung dan bukti stres lainnya dapat menurun. Ini sangat penting dalam pelatihan bagi aktor, karena strategi adaptif yang diperoleh dari peningkatan paparan berbicara di depan umum dapat mengatur kecemasan implisit dan eksplisit. Dengan menghadiri institusi dengan spesialisasi dalam bertindak, peningkatan kesempatan untuk bertindak akan menyebabkan fisiologi yang lebih santai dan penurunan stres dan efeknya pada tubuh. Efek ini dapat bervariasi dari hormonal ke kesehatan kognitif yang dapat berdampak pada kualitas hidup dan kinerja

Semiotika

Semiotika akting melibatkan studi tentang cara-cara di mana aspek kinerja datang untuk beroperasi untuk audiensnya sebagai tanda-tanda. Proses ini sebagian besar melibatkan produksi makna, di mana elemen kinerja aktor memperoleh signifikansi, baik dalam konteks yang lebih luas dari tindakan dramatis dan dalam hubungan yang masing-masing menetapkan dengan dunia nyata.

Namun, mengikuti ide-ide yang diusulkan oleh teori Surrealis Antonin Artaud, bagaimanapun, mungkin juga untuk memahami komunikasi dengan audiens yang terjadi ‘di bawah’ signifikansi dan makna (yang digambarkan oleh semiotician Félix Guattari sebagai proses yang melibatkan transmisi “tanda-tanda penandatangan”).

Dalam The Theatre and its Double (1938), Artaud membandingkan interaksi ini dengan cara pawang ular berkomunikasi dengan ular, sebuah proses yang ia identifikasi sebagai “mimesis”—istilah yang sama dengan Aristoteles dalam Puisinya (sekitar 335 SM) digunakan untuk menggambarkan mode di mana drama mengkomunikasikan ceritanya, berdasarkan perwujudannya oleh aktor yang memberlakukannya, berbeda dari “diegesis”, atau cara di mana narator dapat menggambarkannya. “Getaran” yang lewat dari aktor ke audiens ini mungkin tidak selalu mengendap menjadi elemen signifikan seperti itu (yaitu, secara sadar dirasakan “makna”), melainkan dapat beroperasi dengan cara sirkulasi “mempengaruhi”.

Pendekatan akting yang diadopsi oleh praktisi teater lainnya melibatkan berbagai tingkat kepedulian dengan semiotika akting. Konstantin Stanislavski, misalnya, membahas cara-cara di mana seorang aktor, membangun apa yang disebutnya “mengalami” peran, juga harus membentuk dan menyesuaikan kinerja untuk mendukung signifikansi keseluruhan drama — proses yang ia sebut membangun “perspektif peran”.

Semiotika akting memainkan peran yang jauh lebih sentral dalam teater epik Bertolt Brecht, di mana seorang aktor khawatir untuk mengeluarkan dengan jelas signifikansi sosial ekonomi dari perilaku dan tindakan dengan cara pilihan kinerja tertentu — proses yang ia gambarkan sebagai membangun elemen “tidak / tetapi” dalam “gestus” fisik yang dilakukan dalam konteks “Fabel” drama. Eugenio Barba berpendapat bahwa aktor seharusnya tidak peduli dengan pentingnya perilaku kinerja mereka; aspek ini adalah tanggung jawab, dia mengklaim, dari sutradara, yang menjalin elemen penandaan penampilan seorang aktor ke dalam “montase” dramaturgia sutradara.

Improvisasi

Beberapa bentuk akting klasik melibatkan elemen substansial dari kinerja improvisasi. Yang paling terkenal adalah penggunaannya oleh rombongan commedia dell’arte, bentuk komedi bertopeng yang berasal dari Italia.

Improvisasi sebagai pendekatan untuk bertindak membentuk bagian penting dari ‘sistem’ pelatihan aktor milik praktisi teater Rusia Konstantin Stanislavski, yang ia kembangkan dari tahun 1910-an dan seterusnya. Akhir tahun 1910, penulis drama Maxim Gorky mengundang Stanislavski untuk bergabung dengannya di Capri, di mana mereka membahas pelatihan dan “tata bahasa” akting Stanislavski yang muncul.

Terinspirasi oleh pertunjukan teater populer di Naples yang memanfaatkan teknik commedia dell’arte, Gorky menyarankan agar mereka membentuk perusahaan, yang dimodelkan pada pemain berjalan-jalan abad pertengahan, di mana seorang penulis drama dan sekelompok aktor muda akan merancang drama baru bersama dengan cara improvisasi. Stanislavski akan mengembangkan penggunaan improvisasi ini dalam karyanya dengan Studio Pertama Teater Seni Moskow. Penggunaan Stanislavski diperpanjang lebih jauh dalam pendekatan untuk bertindak yang dikembangkan oleh murid-muridnya, Michael Chekhov dan Maria Knebel.

Di Inggris, penggunaan improvisasi dipelopori oleh Joan Littlewood dari tahun 1930-an dan seterusnya dan, kemudian, oleh Keith Johnstone dan Clive Barker. Di Amerika Serikat, dipromosikan oleh Viola Spolin, setelah bekerja dengan Neva Boyd di Hull House di Chicago, Illinois (Spolin adalah siswa Boyd dari 1924 hingga 1927). Seperti para praktisi Inggris, Spolin merasa bahwa bermain game adalah sarana yang berguna untuk melatih aktor dan membantu meningkatkan kinerja seorang aktor. Dengan improvisasi, dia berpendapat, orang mungkin menemukan kebebasan yang ekspresif, karena mereka tidak tahu bagaimana situasi improvisasi akan berubah. Improvisasi menuntut pikiran terbuka untuk menjaga spontanitas, daripada merencanakan respons tuntut.

Baca Juga : Fender Telecaster Sukses Menjadi Tren Terbaru Gitar Listrik

Karakter diciptakan oleh aktor, sering tanpa mengacu pada teks dramatis, dan drama dikembangkan dari interaksi spontan dengan aktor lain. Pendekatan untuk membuat drama baru ini telah dikembangkan paling substansial oleh pembuat film Inggris Mike Leigh, dalam film-film seperti Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010), dan Mr. Turner (2014). Improvisasi juga digunakan untuk menutupi jika seorang aktor atau aktris melakukan kesalahan.

Efek fisiologis

Berbicara atau bertindak di depan audiens adalah situasi yang menegangkan, yang menyebabkan peningkatan detak jantung. Dalam sebuah studi tahun 2017 tentang mahasiswa universitas Amerika, aktor dari berbagai tingkat pengalaman semuanya menunjukkan detak jantung yang sama tingginya sepanjang pertunjukan mereka; ini setuju dengan studi sebelumnya tentang detak jantung aktor profesional dan amatir.

Sementara semua aktor mengalami stres, menyebabkan detak jantung tinggi, aktor yang lebih berpengalaman menampilkan variabilitas denyut jantung yang lebih sedikit daripada aktor yang kurang berpengalaman dalam drama yang sama. Aktor yang lebih berpengalaman mengalami lebih sedikit stres saat tampil, dan karena itu memiliki tingkat variabilitas yang lebih kecil daripada aktor yang kurang berpengalaman dan lebih stres. Semakin berpengalaman seorang aktor, semakin stabil detak jantung mereka saat tampil, tetapi masih akan mengalami peningkatan detak jantung.

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi
Artikel

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

americanplacetheatre

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi – Teater improvisasi adalah bentuk teater, sering komedi, di mana sebagian besar atau semua yang dilakukan tidak direncanakan atau tanpa naskah. Dibuat secara spontan oleh para pemain. Dalam bentuknya yang paling murni, dialog, aksi, cerita, dan karakter dibuat secara kolaboratif oleh para pemain saat improvisasi terungkap pada waktu sekarang, tanpa menggunakan skrip tertulis yang sudah disiapkan.

Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

americanplacetheatre – Teater improvisasi ada dalam pertunjukan sebagai berbagai gaya komedi improvisasi serta beberapa pertunjukan teater non-komedi. Kadang-kadang digunakan dalam film dan televisi, baik untuk mengembangkan karakter dan skrip dan kadang-kadang sebagai bagian dari produk akhir.

Baca Juga : Mengenal Teater Musikal Serta Makna Dan Sejarah Yang Ada Didalamnya

Teknik improvisasi sering digunakan secara luas dalam program drama untuk melatih aktor untuk panggung, film, dan televisi dan dapat menjadi bagian penting dari proses latihan. Namun, keterampilan dan proses improvisasi juga digunakan di luar konteks seni pertunjukan. Praktik ini, yang dikenal sebagai improvisasi terapan, digunakan di ruang kelas sebagai alat pendidikan dan dalam bisnis sebagai cara untuk mengembangkan keterampilan komunikasi, pemecahan masalah kreatif, dan kemampuan kerja tim yang mendukung yang digunakan oleh pemain improvisasi dan ansambel. Kadang-kadang digunakan dalam psikoterapi sebagai alat untuk mendapatkan wawasan tentang pikiran, perasaan, dan hubungan seseorang.

Sejarah

Penggunaan teater improvisasi paling awal yang terdokumentasi dengan baik dalam sejarah Barat ditemukan di Atellan Farce tahun 391 SM. Dari abad ke-16 hingga ke-18, para pemain Commedia Dell’arte berimprovisasi berdasarkan garis besar di jalan-jalan Italia. Pada 1890-an, teori teater dan sutradara seperti Konstantin Stanislavski Rusia dan Jacques Copeau Prancis, pendiri dua aliran utama teori akting, keduanya sangat memanfaatkan improvisasi dalam pelatihan akting dan latihan.

Modern

Permainan improvisasi teater modern dimulai sebagai latihan drama untuk anak-anak, yang merupakan pokok pendidikan drama pada awal abad ke-20 berkat gerakan pendidikan progresif yang diprakarsai oleh John Dewey pada tahun 1916. Beberapa orang mengkredikan American Dudley Riggs sebagai vaudevillian pertama yang menggunakan saran audiens untuk membuat sketsa improvisasi di atas panggung. Latihan improvisasi dikembangkan lebih lanjut oleh Viola Spolin pada tahun 1940-an, 50-an, dan 60-an, dan dikodifikasi dalam bukunya Improvisasi Untuk Teater, buku pertama yang memberikan teknik khusus untuk belajar melakukan dan mengajar teater improvisasi. Pada 1970-an di Kanada, penulis drama dan sutradara Inggris Keith Johnstone menulis Impro: Improvisation and the Theatre, sebuah buku yang menguraikan ide-idenya tentang improvisasi, dan menciptakan Theatresports, yang telah menjadi pokok komedi improvisasi modern dan merupakan inspirasi untuk acara televisi populer Which Line Is It Anyway?

Spolin mempengaruhi generasi pertama improviser Amerika modern di The Compass Players di Chicago, yang mengarah ke The Second City. Putranya, Paul Sills, bersama dengan David Shepherd, memulai The Compass Players. Menyusul kematian Para Pemain Kompas, Paul Sills memulai City Kedua. Mereka adalah rombongan terorganisir pertama di Chicago, dan gerakan komedi improvisasi Chicago modern tumbuh dari kesuksesan mereka.

Banyak “aturan” peningkatan komedi saat ini pertama kali diformalkan di Chicago pada akhir 1950-an dan awal 1960-an, awalnya di antara rombongan The Compass Players, yang disutradarai oleh Paul Sills. Dari sebagian besar akun, David Shepherd memberikan visi filosofis Dari Pemain Kompas, sementara Elaine May adalah pusat pengembangan tempat untuk improvisasinya. Mike Nichols, Ted Flicker, dan Del Close adalah kolaboratornya yang paling sering dalam hal ini. Ketika The Second City membuka pintunya pada 16 Desember 1959, disutradarai oleh Paul Sills, ibunya Viola Spolin mulai melatih improvisasi baru melalui serangkaian kelas dan latihan yang menjadi landasan pelatihan peningkatan modern. Pada pertengahan 1960-an, kelas Viola Spolin diserahkan kepada anak didiknya, Jo Forsberg, yang lebih mengembangkan metode Spolin menjadi kursus satu tahun, yang akhirnya menjadi The Players Workshop, sekolah improvisasi resmi pertama di AS. Selama ini, Forsberg melatih banyak penampil yang beraintang di panggung Kota Kedua.

Banyak pemeran asli Saturday Night Live berasal dari The Second City, dan waralaba ini telah menghasilkan bintang komedi seperti Mike Myers, Tina Fey, Bob Odenkirk, Amy Sedaris, Stephen Colbert, Eugene Levy, Jack McBrayer, Steve Carell, Chris Farley, Dan Aykroyd, dan John Belushi.

Secara bersamaan, kelompok Keith Johnstone, The Theatre Machine, yang berasal dari London, sedang berkeliling Eropa. Karya ini melahirkan Theatresports, pada awalnya diam-diam di lokakarya Johnstone, dan akhirnya di depan umum ketika ia pindah ke Kanada. Toronto telah menjadi rumah bagi tradisi peningkatan yang kaya.

Pada tahun 1984, Dick Chudnow (Kentucky Fried Theater) mendirikan ComedySportz di Milwaukee, WI. Ekspansi dimulai dengan penambahan ComedySportz-Madison (WI), pada tahun 1985. Turnamen Nasional Comedy League of America pertama diadakan pada tahun 1988, dengan 10 tim berpartisipasi. Liga ini sekarang dikenal sebagai CSz Worldwide dan membanggakan daftar 29 kota internasional.

Di San Francisco, teater The Committee aktif di North Beach selama tahun 1960-an. Kota ini didirikan oleh alumni Kota Kedua Chicago, Alan Myerson dan istrinya Jessica. Ketika Komite bubar pada tahun 1972, tiga perusahaan besar dibentuk: The Pitchell Players, The Wing, dan Improvisation Inc. Satu-satunya perusahaan yang terus melakukan Close’s Harold adalah yang terakhir. Dua mantan anggotanya, Michael Bossier dan John Elk, membentuk Spaghetti Jam di Old Spaghetti Factory San Francisco pada tahun 1976, di mana peningkatan bentuk pendek dan Harolds dilakukan hingga tahun 1983. Stand-up comedian tampil di jalan di Intersection for the Arts akan mampir dan duduk. Pada tahun 1979, Elk membawa informasi pendek ke Inggris, mengajar lokakarya di Jacksons Lane Theatre, dan ia adalah orang Amerika pertama yang tampil di The Comedy Store, London, di atas klub strip Soho.

Akar improvisasi politik modern termasuk karya Jerzy Grotowski di Polandia selama akhir 1950-an dan awal 1960-an, “kejadian” Peter Brook di Inggris selama akhir 1960-an, “Forum Theatre” Augusto Boal di Amerika Selatan pada awal 1970-an, dan karya San Francisco The Diggers pada 1960-an. Beberapa karya ini mengarah pada gaya kinerja improvisasi murni, sementara yang lain hanya ditambahkan ke kosakata teater dan, secara keseluruhan, eksperimen avant-garde.

Joan Littlewood, seorang aktris dan sutradara Inggris yang aktif dari tahun 1950-an hingga 1960-an, memanfaatkan peningkatan luas dalam mengembangkan drama untuk kinerja. Namun, dia berhasil dituntut dua kali karena memungkinkan aktornya untuk berimprovisasi dalam kinerja. Hingga tahun 1968, hukum Inggris mengharuskan naskah disetujui oleh Kantor Lord Chamberlain. Departemen juga mengirim inspektur ke beberapa pertunjukan untuk memeriksa bahwa skrip yang disetujui dilakukan persis seperti yang disetujui.

Pada tahun 1987, Annoyance Theatre dimulai sebagai klub di Chicago yang menekankan improvisasi longform. The Annoyance Theatre telah berkembang menjadi beberapa lokasi di Chicago dan New York City. Ini adalah rumah dari pertunjukan peningkatan musik terpanjang dalam sejarah pada 11 tahun.

Baca Juga : Fender Jazz Bass Gitar Listrik Yang Dibuat Lebih Presisi

Pada tahun 2012, penulis dan sutradara Lebanon Lucien Bourjeily menggunakan teknik teater improvisasi untuk membuat drama multi-indera berjudul 66 Minutes in Damascus. Drama ini ditayangkan perdana di London International Festival of Theater, dan dianggap sebagai salah satu jenis teater improvisasi interaktif paling ekstrem yang diletakkan di atas panggung. Para penonton memainkan peran turis yang diculik di Suriah saat ini dalam lingkungan sensorik hiperreal.

Rob Wittig dan Mark C. Marino telah mengembangkan bentuk peningkatan untuk improvisasi teater online yang disebut netprov. Formulir ini bergantung pada media sosial untuk melibatkan audiens dalam penciptaan skenario fiksi dinamis yang berkembang secara real-time.

American Place Theatre Ulasan Acara Dan Seni Theater
Share via
Copy link
Powered by Social Snap