Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

americanplacetheatre

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter – Akting adalah kegiatan di mana sebuah cerita diceritakan melalui pemberlakuannya oleh seorang aktor atau aktris yang mengadopsi karakter — di teater, televisi, film, radio, atau media lain yang memanfaatkan mode mimetik.

Peran Akting Pada Dunia Teater Sangat Diperlukan Guna Memperdalam Karakter

Sejarah

americanplacetheatre – Salah satu aktor pertama yang dikenal adalah seorang Yunani kuno yang disebut Thespis of Icaria. Menulis dua abad setelah peristiwa itu, Aristoteles dalam Puisinya (sekitar 335 SM) menunjukkan bahwa Thespis melangkah keluar dari paduan suara dithyrambic dan menyikapinya sebagai karakter terpisah. Sebelum Thespis, paduan suara meriwayatkan (misalnya, “Dionysus melakukan ini, Dionysus mengatakan itu”). Ketika Thespis melangkah keluar dari paduan suara, dia berbicara seolah-olah dia adalah karakter (misalnya, “Saya Dionysus, saya melakukan ini”). Untuk membedakan antara berbagai mode penceritaan ini—pemberlakuan dan narasi—Aristoteles menggunakan istilah “mimesis” (melalui pemberlakuan) dan “diegesis” (melalui narasi). Dari nama Thespis memperoleh kata “thespian”.

Baca Juga : Mempelajari Apa Yang Disebut Teater Improvisasi

Pelatihan

Konservatori dan sekolah drama biasanya menawarkan pelatihan dua hingga empat tahun pada semua aspek akting. Universitas sebagian besar menawarkan program tiga hingga empat tahun, di mana seorang siswa sering dapat memilih untuk fokus pada akting, sambil terus belajar tentang aspek teater lainnya. Sekolah bervariasi dalam pendekatan mereka, tetapi di Amerika Utara metode paling populer yang diajarkan berasal dari ‘sistem’ Konstantin Stanislavski, yang dikembangkan dan dipopulerkan di Amerika sebagai metode yang bertindak oleh Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner, dan lainnya.

Pendekatan lain mungkin termasuk orientasi yang lebih berbasis fisik, seperti yang dipromosikan oleh praktisi teater yang beragam seperti Anne Bogart, Jacques Lecoq, Jerzy Grotowski, atau Vsevolod Meyerhold. Kelas juga dapat mencakup psikoteknik, pekerjaan topeng, teater fisik, improvisasi, dan bertindak untuk kamera.

Terlepas dari pendekatan sekolah, siswa harus mengharapkan pelatihan intensif dalam interpretasi tekstual, suara, dan gerakan. Aplikasi untuk program drama dan konservatori biasanya melibatkan audisi yang luas. Siapa pun yang berusia di atas 18 tahun biasanya dapat mendaftar. Pelatihan juga dapat dimulai pada usia yang sangat muda. Kelas akting dan sekolah profesional yang ditargetkan di usia di bawah 18 tahun tersebar luas. Kelas-kelas ini memperkenalkan aktor muda ke berbagai aspek akting dan teater, termasuk studi adegan.

Peningkatan pelatihan dan paparan berbicara di depan umum memungkinkan manusia untuk menjaga fisiologis yang lebih tenang dan lebih santai. Dengan mengukur detak jantung pembicara publik mungkin salah satu cara termudah untuk menilai pergeseran stres karena detak jantung meningkat dengan kecemasan.

Ketika aktor meningkatkan kinerja, detak jantung dan bukti stres lainnya dapat menurun. Ini sangat penting dalam pelatihan bagi aktor, karena strategi adaptif yang diperoleh dari peningkatan paparan berbicara di depan umum dapat mengatur kecemasan implisit dan eksplisit. Dengan menghadiri institusi dengan spesialisasi dalam bertindak, peningkatan kesempatan untuk bertindak akan menyebabkan fisiologi yang lebih santai dan penurunan stres dan efeknya pada tubuh. Efek ini dapat bervariasi dari hormonal ke kesehatan kognitif yang dapat berdampak pada kualitas hidup dan kinerja

Semiotika

Semiotika akting melibatkan studi tentang cara-cara di mana aspek kinerja datang untuk beroperasi untuk audiensnya sebagai tanda-tanda. Proses ini sebagian besar melibatkan produksi makna, di mana elemen kinerja aktor memperoleh signifikansi, baik dalam konteks yang lebih luas dari tindakan dramatis dan dalam hubungan yang masing-masing menetapkan dengan dunia nyata.

Namun, mengikuti ide-ide yang diusulkan oleh teori Surrealis Antonin Artaud, bagaimanapun, mungkin juga untuk memahami komunikasi dengan audiens yang terjadi ‘di bawah’ signifikansi dan makna (yang digambarkan oleh semiotician Félix Guattari sebagai proses yang melibatkan transmisi “tanda-tanda penandatangan”).

Dalam The Theatre and its Double (1938), Artaud membandingkan interaksi ini dengan cara pawang ular berkomunikasi dengan ular, sebuah proses yang ia identifikasi sebagai “mimesis”—istilah yang sama dengan Aristoteles dalam Puisinya (sekitar 335 SM) digunakan untuk menggambarkan mode di mana drama mengkomunikasikan ceritanya, berdasarkan perwujudannya oleh aktor yang memberlakukannya, berbeda dari “diegesis”, atau cara di mana narator dapat menggambarkannya. “Getaran” yang lewat dari aktor ke audiens ini mungkin tidak selalu mengendap menjadi elemen signifikan seperti itu (yaitu, secara sadar dirasakan “makna”), melainkan dapat beroperasi dengan cara sirkulasi “mempengaruhi”.

Pendekatan akting yang diadopsi oleh praktisi teater lainnya melibatkan berbagai tingkat kepedulian dengan semiotika akting. Konstantin Stanislavski, misalnya, membahas cara-cara di mana seorang aktor, membangun apa yang disebutnya “mengalami” peran, juga harus membentuk dan menyesuaikan kinerja untuk mendukung signifikansi keseluruhan drama — proses yang ia sebut membangun “perspektif peran”.

Semiotika akting memainkan peran yang jauh lebih sentral dalam teater epik Bertolt Brecht, di mana seorang aktor khawatir untuk mengeluarkan dengan jelas signifikansi sosial ekonomi dari perilaku dan tindakan dengan cara pilihan kinerja tertentu — proses yang ia gambarkan sebagai membangun elemen “tidak / tetapi” dalam “gestus” fisik yang dilakukan dalam konteks “Fabel” drama. Eugenio Barba berpendapat bahwa aktor seharusnya tidak peduli dengan pentingnya perilaku kinerja mereka; aspek ini adalah tanggung jawab, dia mengklaim, dari sutradara, yang menjalin elemen penandaan penampilan seorang aktor ke dalam “montase” dramaturgia sutradara.

Improvisasi

Beberapa bentuk akting klasik melibatkan elemen substansial dari kinerja improvisasi. Yang paling terkenal adalah penggunaannya oleh rombongan commedia dell’arte, bentuk komedi bertopeng yang berasal dari Italia.

Improvisasi sebagai pendekatan untuk bertindak membentuk bagian penting dari ‘sistem’ pelatihan aktor milik praktisi teater Rusia Konstantin Stanislavski, yang ia kembangkan dari tahun 1910-an dan seterusnya. Akhir tahun 1910, penulis drama Maxim Gorky mengundang Stanislavski untuk bergabung dengannya di Capri, di mana mereka membahas pelatihan dan “tata bahasa” akting Stanislavski yang muncul.

Terinspirasi oleh pertunjukan teater populer di Naples yang memanfaatkan teknik commedia dell’arte, Gorky menyarankan agar mereka membentuk perusahaan, yang dimodelkan pada pemain berjalan-jalan abad pertengahan, di mana seorang penulis drama dan sekelompok aktor muda akan merancang drama baru bersama dengan cara improvisasi. Stanislavski akan mengembangkan penggunaan improvisasi ini dalam karyanya dengan Studio Pertama Teater Seni Moskow. Penggunaan Stanislavski diperpanjang lebih jauh dalam pendekatan untuk bertindak yang dikembangkan oleh murid-muridnya, Michael Chekhov dan Maria Knebel.

Di Inggris, penggunaan improvisasi dipelopori oleh Joan Littlewood dari tahun 1930-an dan seterusnya dan, kemudian, oleh Keith Johnstone dan Clive Barker. Di Amerika Serikat, dipromosikan oleh Viola Spolin, setelah bekerja dengan Neva Boyd di Hull House di Chicago, Illinois (Spolin adalah siswa Boyd dari 1924 hingga 1927). Seperti para praktisi Inggris, Spolin merasa bahwa bermain game adalah sarana yang berguna untuk melatih aktor dan membantu meningkatkan kinerja seorang aktor. Dengan improvisasi, dia berpendapat, orang mungkin menemukan kebebasan yang ekspresif, karena mereka tidak tahu bagaimana situasi improvisasi akan berubah. Improvisasi menuntut pikiran terbuka untuk menjaga spontanitas, daripada merencanakan respons tuntut.

Baca Juga : Fender Telecaster Sukses Menjadi Tren Terbaru Gitar Listrik

Karakter diciptakan oleh aktor, sering tanpa mengacu pada teks dramatis, dan drama dikembangkan dari interaksi spontan dengan aktor lain. Pendekatan untuk membuat drama baru ini telah dikembangkan paling substansial oleh pembuat film Inggris Mike Leigh, dalam film-film seperti Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010), dan Mr. Turner (2014). Improvisasi juga digunakan untuk menutupi jika seorang aktor atau aktris melakukan kesalahan.

Efek fisiologis

Berbicara atau bertindak di depan audiens adalah situasi yang menegangkan, yang menyebabkan peningkatan detak jantung. Dalam sebuah studi tahun 2017 tentang mahasiswa universitas Amerika, aktor dari berbagai tingkat pengalaman semuanya menunjukkan detak jantung yang sama tingginya sepanjang pertunjukan mereka; ini setuju dengan studi sebelumnya tentang detak jantung aktor profesional dan amatir.

Sementara semua aktor mengalami stres, menyebabkan detak jantung tinggi, aktor yang lebih berpengalaman menampilkan variabilitas denyut jantung yang lebih sedikit daripada aktor yang kurang berpengalaman dalam drama yang sama. Aktor yang lebih berpengalaman mengalami lebih sedikit stres saat tampil, dan karena itu memiliki tingkat variabilitas yang lebih kecil daripada aktor yang kurang berpengalaman dan lebih stres. Semakin berpengalaman seorang aktor, semakin stabil detak jantung mereka saat tampil, tetapi masih akan mengalami peningkatan detak jantung.

Tags: , , ,

Read Also

American Place Theatre Ulasan Acara Dan Seni Theater
Share via
Copy link
Powered by Social Snap